古典音樂的作用精選(九篇)

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第1篇：古典音樂的作用范文

一.古典音樂

古典音樂廣義上就是已經進行長時間傳承和傳播具有持久價值的音樂藝術形式，其主要是相對通俗音樂和輕音樂提出的。一般情況下對古典音樂的內涵進行解讀，發現其是一種高度關注音樂藝術價值取向和人生意義的音樂形式。在古典音樂的發展過程中其更追求音樂藝術的語言表現形式、藝術表現手法以及音樂技巧方面的創新，在具體音樂藝術的呈現形態方面具有復雜性和技術性的特征，不僅要求聽眾在欣賞音樂的過程中可以形成對音樂藝術的良好感知，還希望聽眾能夠具備敏銳的感受能力，能在欣賞過程中獲得相應的審美經驗。對于當代大學生而言，由于一般沒有接受過系統的音樂藝術教育，造成大學生對音樂藝術的理解不夠深刻，在欣賞古典音樂時也難以感受到其藝術美感，因此對古典音樂的接受度偏低，甚至部分學生對古典音樂的學習存在抵觸心理。所以要結合當代大學生的特點和古典音樂藝術的發展需求開展古典音樂藝術教學，有效促進大學生古典音樂藝術的接受程度得到明顯的提高。

二.大學生對古典音樂藝術的接受現狀

針對我國當代大學生對古典音樂藝術的接受情況進行了適當的研究，發現大學生接受古典音樂藝術的程度存在普遍偏低的問題，對學生的實際情況產生了相應的不良影響。結合相關調查數據看大學生對古典音樂藝術的接受現狀，發現集中從以下幾個方面體現出來：

（一）大學生接受古典音樂的程度不平衡

相關調查數據顯示，我國不同專業的高校大學生對古典音樂藝術的接受程度存在明顯的差異，文科學生一般接受程度偏高，理科生對古典音樂藝術的認同感則有所不足[1]。主要原因是學生在欣賞古典音樂時無法理解古典音樂，也不能產生良好的藝術審美感受，造成學生的欣賞體驗感嚴重不足，打消了學生學習和接受古典音樂知識的積極性。

（二）大學生接受古典音樂的主動性不足

一般情況下如果學生喜歡古典音樂并愿意接受古典音樂，就會自覺搜集一些古典音樂加以欣賞，并有意識的從多渠道獲取相關音樂素材，盡量創造更多學習古典音樂的機會。但是由于大學生對古典音樂的認同感偏低，對古典音樂學習重要性認識不足，導致大學生一般不會主動獲取古典音樂方面的知識和素材，學習古典音樂的過程中出現了被動學習和被動接受的情況，會影響古典音樂接受效果。

（三）大學生接受古典音樂的目的不夠明確

科學合理的設置學習目標是引導學生進行有效學習的關鍵，但是綜合分析當前大學生學習和接受古典音樂的情況，發現存在的明顯問題是教師沒有為學生設置明確的目標，學生學習和接受古典音樂的目的不夠明確，甚至部分學生學習古典音樂主要是為了附庸風雅、隨波逐流，亦或是為了完成學業，學習古典音樂的目標引導性嚴重不足，會制約大學生學習古典音樂過程中對古典音樂藝術的認同感，不利于大學生對古典音樂接受程度的逐步提升[2]。

三.有效提高大學生對古典音樂接受程度的建議

在明確分析當前我國大學生古典音樂接受現狀的情況下，為了能夠促進古典音樂教育作用的發揮，奠定大學生培養工作的基礎，新時期在指導大學生學習古典音樂知識的過程中，可以對大學生實施有效的教育指導，改善大學生對古典音樂的認識情況，使大學生能夠積極主動的學習古典音樂方面的知識，為古典音樂教育的落實和大學生廣泛接受古典音樂創造良好的條件。具體分析，在高校人才培養工作中，要想循序漸進的提高大學生對古典音樂的接受程度，可以從以下方面入手進行系統的解讀。

（一）引導大學生樹立正確的音樂審美觀念

從當前大學生古典音樂接受情況的調查研究能夠看出，目前大學生不喜歡古典音樂主要是由于大學生無法對古典音樂藝術形成深入的理解，大部分學生表示他們“聽不懂”古典音樂，也難以感受到古典音樂的藝術美感[3]。針對這一情況，部分教育研究人員提出古典音樂教學應該轉變傳統教育中存在的文學化和美術畫的傾向，避免使用語言文字的方式向學生呈現古典音樂的內容。換言之，音樂教師應該明確認識到，對古典音樂的理解不能將使用語言文字表述音樂作為標準，而是應該認識到音樂藝術所塑造的形象本身具有不確定性，在教育實踐中要求學生“聽懂”古典音樂并使用語言文字表述出來的做法是錯誤的。所以，在高校教師指導大學生欣賞古典音樂的過程中，必須轉變傳統的教育理念，在教學實踐中引導大學生樹立正確的音樂審美觀念，在欣賞音樂時能夠體悟和感受到古典音樂旋律的形式美，在高低起伏的音樂中獲得情感共鳴，進而增強學生的音樂欣賞體驗感。如此，學生在欣賞古典音樂的過程中能夠感受到古典音樂的藝術美感，學生對古典音樂的認同感必然會明顯的增強，其接受古典音樂的程度也會有所提升。

（二）開設專門的公共藝術教育課程

公共藝術教育課程是提升學生文化藝術接受能力的重要課程，高校針對學生古典音樂接受程度偏低的情況，應該有針對性的開設專門的公共藝術教育課程，對學生實施相應的公共藝術教育指導，并為學生提供參與藝術選修課程的機會，有效對學生的文學藝術修養加以強化。在開設專門公共藝術教育課程后，為了保障課程教學作用的系統發揮，還應該注意加強對課程的管理，從課程教學目標的設置、課程教學內容的選擇到課程考核評價，都應該按照人才培養工作的實際需求制定相應的管理規范，并且?e極選擇業務能力強、教學水平高的音樂教師對學生實施古典音樂教育，增強古典音樂教育教學的趣味性和有效性，吸引學生的注意力，讓學生能夠基于公共藝術教育相關課程的學習主動參與到古典音樂課程的學習方面，增強對古典音樂的接受程度，為學生音樂藝術修養的培養奠定基礎[4]。

（三）積極組件豐富多彩的學生藝術社團

在學生藝術社團中宣傳古典音樂并組織學生加強對古典音樂的學習和接受也是提高學生接受程度的重要方法。在高校針對本校學生開展音樂藝術教育的過程中，可以結合古典音樂接受需求適當的開設管弦樂團、合唱樂團等，并將古典音樂藝術作為核心組織學生參與排練和演出活動，借助古典音樂藝術活動對大學生的課余生活加以豐富，有效提升大學生的人文藝術修養[5]。同時，在藝術社團中，結合教師的指導也可以有意識的讓社團中的學生加強對古典音樂的學習和了解，并適當的組織學生結合現代音樂藝術理念對古典音樂進行合理的應用，創編新的音樂藝術形式。如此，高校大學生就能夠形成對古典音樂文化的深入認識和理解，拉近學生與古典音樂藝術的距離，增強學生自主接受和自主學習古典音樂方面知識的意識。

（四）積極營造輕松和諧的校園文化氛圍

第2篇：古典音樂的作用范文

關鍵詞：音樂賞析；中國古典音樂；鑒賞

中國古典音樂有悠久的歷史傳統，中華民族在幾千年的歷史長河中創造了無比豐富的民族音樂文化。中國古典音樂猶如一棵古老而常青的參天大樹，以其源遠流長和多彩多姿屹立于世界音樂藝術之林。它反映了中華民族以音樂修身養性的精神，體現了中華民族的意志、道德、文化和追求。但是，在現實生活中，也有不少人反映中國古典音樂難以欣賞，不如流行音樂和西方音樂那么直感。當然，熱衷于中國古典音樂者也大有人在，其關鍵在于是否懂得欣賞。那么，如何欣賞中國古典音樂呢？筆者在此提出一些看法。

一、清楚中國古典音樂的大體情況

中國古典音樂的歷史，古代文獻一般追溯到黃帝。中國《呂氏春秋?仲夏記?古樂篇》記載：“黃帝令伶倫作音律。伶倫自大夏之西，乃之昆侖之陰，取竹之懈谷……聽鳳凰之鳴，以別十二律。”但據目前的考古發現，中國音樂的歷史遠不止于此。1986年―1987年，在河南省舞陽縣賈湖村新石器遺址發掘出了隨葬的至少16支骨笛。據碳14測定，這些骨笛距今已有8000―9000年之久。至于在8000―9000年之前何時開始出現音樂，是千年還是以萬年計，難以定論。經過幾千年的繼承、創新和發展，中國古典音樂在世界上獨樹一幟，并以其濃郁的民族風格、典雅優美的旋律和多姿多彩的演奏形式成為世界音樂文化的重要組成部分，受到世界各國音樂愛好者的喜愛。

在中國古典音樂的樂律方面，相傳黃帝命伶倫律呂，同時按音律，鑄鐘十二件，以和五音，古代史書上稱之為“五音十二律”。由此可見，在中國遠古時代的古典音樂，就已經是五聲音階。五音的文字譜記作：宮、商、角、微、羽，約等于簡譜：1、2、3、5、6。到了周代，增加了“變微”（4）和“變宮”（7），形成了七聲音階。但在實際的音樂活動之中則使用五音十二律。周代的“禮記”中的“禮運篇”中說：“五音十二律，還相為宮也。”周代的音樂家，推算出的五音音階序列、七音音階序列，都很準確。這是中國古典音樂史上的偉大成就，比希臘人畢達哥拉斯（Pythagoras）的三分損益法要早200年；所不同的是中國人用竹管的長短計算音律，而希臘人則用琴的長短計算法。

中國古代的樂器，相傳在公元前三千年伏羲氏創造了琴與瑟，比埃及發明弦樂器要早一千年；公元前2500年顓頊時期造出了鼓；女媧氏時發明了笙、簧、管、簫、笛等樂器。而到了夏、商、周時期，則為三代盛行鑄鐘，尤以周代為最，且分為特鐘和編鐘兩種；周代非常重視音樂的社會功能，發明的樂器也多，如馨、搏、竽；秦代主要是造箏。從西域，沿著絲綢之路傳來的樂器有：琵琶、箜篌、羌笛、胡笳等。據統計，中國的民族樂器多達1000余種，共分為拉弦樂器、彈撥樂器、吹奏樂器和打擊樂器等四大類，具有風格各異、演奏形式多樣的特點。如江南絲竹、廣東音樂、河北吹歌、西安鼓樂、舟山鑼鼓、新疆十二木卡姆和弦子等。舉世聞名的敦煌莫高窟壁畫《唐代伎樂人樂舞圖》真實展示了1000多年前龐大的宮廷樂演奏的情景。

二、了解中國古代文化與古典音樂的關系

眾所周知，中國古代的記譜方法是用宮商角子羽這些文字來記譜的，包括詩經楚辭樂府唐詩宋詞元曲都是有譜的，只不過，在儒教統治的古代，藝人一直處在三教九流的最底層，和一般，只是比花子高一些，所以那些中國古典的個種藝術形式都只是以一種文學的形式流傳下來。這樣的歷史背景直接導致中國古典音樂與中國的詩詞歌賦有千絲萬縷的關系，而且許多古典音樂的意境只是存在于某一特定的自然境界和生活場景中，也正是這種獨特性，才影響了經典古典音樂的獨創力和影響力。因此中國古代文學與古典音樂的融合成為中國古典音樂發展的一個特征。如李白的《關山月》，杜甫的《清明》，劉禹錫的《竹枝歌》，王之煥的《涼州詞》，王維的《陽關曲》《隴頭吟》，柳宗元的《漁翁》等。其中有的作為民歌在民間長期流傳，有的則被琴家所吸收，以琴歌形式被保存了下來。

三、中國古典音樂的主要特點

1.旋律與和聲

中國古典音樂雖然很早已經掌握七聲音階，但一直偏好比較和諧的五聲音階，重點在五聲中發展音樂，同時將中心放在追求旋律、節奏變化，輕視和聲的作用。中國古典音樂好像是用線條畫出的中國畫，如果沒有輪廓（旋律）則不成其為音樂，但和聲是可有可無的。

2.場面與氣勢

中國古典音樂似感情流露，委婉纏綿、細水長流，很多是獨奏或者“琴瑟合奏”“琴簫合奏”，場面不大，讓欣賞者仔細品味、得以慧悟，如同知己之間的交流、密閨之中的私話。

3.聽覺與領會

中國古典音樂是心靈的藝術，講究天人合一，你中有我我中有你，似有混沌不清的感覺，感到不好懂，但靜心凝聽股股韻味幽然而來，透過感官直達心底，在心靈深處回旋、激蕩，微妙含蓄、意味深長而難以言達。

不難理解，中國的古典音樂就仿如中國的茶，它的味道、意境是那樣的幽玄，內涵是那樣的博大精深；它與其他音樂都有所不同，是在舒緩中隱含著激情，是在平淡中深透著真摯……

四、認真傾聽旋律，仔細品賞音樂表達的感情及意境

對優美的音樂作品，任何文字的詮釋都是蒼白無力的，文字難以完全具體地表達或描述音樂那豐富多彩的內涵。因此，要深入理解音樂那美妙的意境，必須細心、反覆地聽辨旋律，體味其中奧妙，喚起我們對某種情緒、某些畫面、某個生活片斷或者是有關故事的理解和聯想。當古琴、古箏、笛子、二胡、琵琶、大鼓等民族樂器演奏的樂曲自你的音箱流瀉而出的一剎那間，你可以清楚地感到，在空氣中流動的是：山、水、落葉、冬雪……那是千古的生命里的一份說不出、道不盡的感覺，那是你從未領略過的中國古典音樂之美……

《十面埋伏》是中華古典音樂的精華部分，傳統琵琶曲之一，描寫公元前202年楚漢戰爭在垓下最后決戰的情景。漢軍用十面埋伏的陣法擊敗楚軍。項羽自刎於烏江，劉邦取得勝利。是一部以歷史背景為創作原材料的古典名曲，全曲分十三個段落，三個部分，環環相扣，氣息相通，整首曲子宛如天成，氣勢滂沱，緊張處飛鳥禁聲，游魚沉底，殺氣騰騰。《十面埋伏》是琵琶曲中的精華，領悟了《十面埋伏》的全部，琵琶曲中的種種玄機也就昭然若揭了。而當你明白了琵琶，領悟了琵琶，那么你也將站在琵琶撥動的弦間窺見音樂最深處的奧秘，音樂的靈魂是不分彼此的。胡琴和橫笛不同的只是地域和音色，而它們承載都是演奏者最動心、最動聽的靈魂聲音……

第3篇：古典音樂的作用范文

將古典音樂融入到當前的鋼琴發展當中，實際上對于我國鋼琴的發展道路具有不可替代的意義和作用。如何有效的將古典音樂的柔美進行現代化的創作，與鋼琴演奏有機的結合起來，就成為當前鋼琴發展中的重要關注點。

一、古典音樂的發展和介紹

1.古典音樂簡介

所謂的古典音樂鋼琴發展，并沒有一個具體的年限，大致主要是古希臘古羅馬時期的一種古典主義風潮，也主要是因為法國啟蒙主義運動的深入，將這一思想帶到了鋼琴音樂發展當中。古典音樂在鋼琴演奏中最富有代表的形式就是奏鳴曲，而古典鋼琴的代表也主要是維也納古典樂派，著名的海頓、莫扎特以及貝多芬都是維也納古典樂派的成員。這一樂派的音樂創作風格和鋼琴演繹風格對于后續的世界鋼琴發展史都具有不可替代的意義和作用，同時也為鋼琴的發展提供了更多的技巧要求。

二、古典音樂的特征分析

1.奏法要明確

在古典音樂的發展道路中，維也納古典樂派作出了杰出的貢獻，同時他們也為后人進行鋼琴演奏提供了更多的典范和要求。首先，古典樂派非常注重的就是奏法技巧，在鋼琴的演奏當中有許多的奏法，比如連奏、非連奏、斷奏、半跳音等，這些都是鋼琴觸法的基礎。而古典音樂利用鋼琴進行演奏的時候，更是需要對于每一種奏法進行明確。

例如連奏的演奏技巧，主要是手指不能輕易的離開鍵盤，并且在演奏過程當中，盡可能不要將手抬高或者離開，不得不離開的時候再進行手指的抬起或者移動。對于連奏而言，每一個音符都應該飽滿且富有情感，注意對于音符時值的保持，使得每一個音符都能夠達到應該保持的時間。而相對而言，在鋼琴演奏當中，斷奏是比較難以把握的一種奏法，對于初學者來說相對較難，斷奏也可以稱為跳音，所以實際上演奏斷奏的時候也應該手指輕觸鍵盤，避免因為過于短促而出現音樂演奏中的停頓，使得演奏整體受到影響。

2.踏板使用存在技巧

鋼琴主要有三個踏板，這三個踏板對于演奏古典音樂都有著完全不同的作用。首先應當明確三個踏板分別是延音踏板、柔音踏板和持續音踏板。延音踏板使用相對較多，主要就是保持音與音之間的連貫，在每個音符完成之后才能更換。每一種踏板都有著不同的作用，對于不同曲風的音樂也有著不同的技巧和應用要求。

3.裝飾音的應用

裝飾音是鋼琴演奏過程當中必不可少的一種風格和特點，主要是沿襲了古典音樂鋼琴演奏的基本風格，一般常見的裝飾音有顫音、波音、回音等，每一種裝飾音都有著不同的要求。

例如波音一般來說只允許出現三個音，但是根據主音的長短最多可以增加到五個音，可是對于逆波音來說就只能出現三個音，這是古典音樂鋼琴演奏的要求，也是沿襲到后續鋼琴發展中的技巧和要求。

4.注意音階和琶音的演奏

琶音和音階的練習一直都是鋼琴演奏的重點。而古典音樂鋼琴練習的琶音和音階訓練主要以車爾尼的作品為主。車爾尼作品中主要就是注重音階和琶音的基礎性作用，對于不同的演奏技巧都有不同的區分和著重訓練點。

例如音階主要在四個八度之內，主要訓練手指的耐力和速度等，對于鋼琴演奏基礎的訓練具有重要意義。而琶音與音階相似，強調的主要是手指之間的間距，體現出手指的獨立以及對于鍵盤的距離感，對于鋼琴演奏以及古典音樂技巧的引入都有很大的幫助。

三、古典音樂對鋼琴學習的意義

1.加強了鋼琴學習的技術性要求

古典音樂對于鋼琴學習具有重要的技術性指導意義。在世界鋼琴發展中，古典音樂鋼琴演奏模式很多時候都深深的造成了對后續鋼琴演奏的影響。

例如肖邦的練習曲，基本上每一首曲子都有著不同的技術要求，并且在整首曲子當中，都有著固定不變的注重點和練習點，豐富多樣的鋼琴技術練習法對于鋼琴學習具有指導意義。亦或者肖邦f小調練習曲實際上就被他賦予了無盡的柔美和悠揚，在整首練習曲當中，主要都是三連音演奏和兩個聲部的貫穿，對于訓練手指的靈活和手臂的柔軟以及訓練演奏者的情感表現力都具有重要的作用。

2.增強了鋼琴學習的歷史意義

由于古典音樂具有很久的發展歷史，所以對于現代鋼琴的教學和學習，具有很強的歷史意義。在肖邦之前的一些鋼琴演奏者或者創作者，都更加注重對于鋼琴技術的要求，強調演奏技巧，而肖邦則在其基礎上融入了大量的情感色彩，使得鋼琴演奏具有更加明顯的情感意味。所以古典音樂在鋼琴演奏中的發展，不僅僅實現了鋼琴演奏技巧的突破，更在肖邦之后實現了鋼琴演奏情感和表現力的彰顯，成為世界鋼琴發展史上又一座里程碑。

3.完善了鋼琴教學內涵，實現了“古曲今創”

實際上古典音樂在當今鋼琴演奏中的利用，很多時候，也可以體現出“曲今創”特點。任何的演奏技巧以及情感表現力在后續的發展當中都會有所變化，每一個人對于情感的把握和對于鋼琴演奏的理解也會有所偏差。所以實際上古典音樂在當今鋼琴發展道路上還具有一定的古為今用之感，有機的將古典音樂的特點和柔美與現代鋼琴演奏結合起來，體現出一種更為深刻的鋼琴演奏之美。

第4篇：古典音樂的作用范文

也許很多準媽媽馬上會想到是選古典音樂還是現代音樂？

是選民族音樂還是流行音樂？其實，用古典或流行的標準來選擇胎教音樂，

正是準媽媽們常常出現的一個誤區。

選擇胎教音樂的三個標準

其實，胎教音樂的選擇與古典還是現代并沒有直接的關系，對于胎教音樂的選擇通常需要依據以下幾個標準：

音樂的節奏要與人的心跳頻率接近。大約每分鐘60 － 70 拍。節奏不能過快，太快的節奏會使胎兒緊張。但并不是說舒緩的音樂就好，過于平淡或單調的音樂也不好。搖籃曲或重復單調歌詞的音樂，可能很快地讓孕婦和孩子睡著，這樣就不能達到胎教的目的了。

音樂的頻率范圍不能超過2000 赫茲。這是因為胎兒的腦部發育尚未完整，其腦神經之間的分隔也不完全，因此，過高的音域會造成神經之間的刺激串聯，使胎兒無法承擔負荷，造成腦神經的損傷。輕則在出生后聽不到高頻范圍的聲音，重則有可能導致失聰。

音樂的節奏不能過于強烈，不應有突然的巨響。胎教音樂中不能使用較強節奏的架子鼓等打擊樂器，因為架子鼓的“咚咚”聲和子宮內的胎音混合在一起，形成一種不協調的雜亂無章的混亂節奏，會給胎兒帶來不良的刺激。另外，音樂中如果出現突然的巨響，會給胎兒造成驚嚇。

根據這三項標準來選擇胎教音樂，不管是古典音樂還是現代音樂，民族音樂或是流行音樂，只要是不符合這三個標準的，都不能作為準媽媽的胎教音樂使用。

此外，胎教音樂不宜過長，五至十分鐘的長度是較適合的，而且要讓胎兒反復聆聽，才能造成適當的刺激。等到胎兒出生之后再聽到這些音樂就有熟悉的感覺，能夠令初生嬰兒有待在母體內的安全感，對于安撫嬰兒情緒相當有效。

優秀的胎教音樂

依照上面所說的三條標準來選擇胎教音樂就會發現，其中古典音樂占了相當大的比例，但這并不能說明所有的古典音樂都適于胎教。一部分古典音樂（特別是巴洛克音樂）因為其節奏和母親的心跳旋律相近，所以對胎兒和新生兒有啟發和安撫的作用，巴赫《G 線上的旋律》、莫扎特《21號鋼琴協奏曲》、韋作特《D 調廣板吉他協奏曲》、舒伯特《鱒魚》鋼琴和提琴五重奏，這些都是不錯的選擇。

音樂胎教，快樂情緒最重要

第5篇：古典音樂的作用范文

[關鍵詞] 電影音樂 古典音樂 運用

doi:10.3969/j.issn.1002-6916.2012.15.009

自電影誕生至今，電影音樂作為這門綜合視聽藝術中的重要角色，伴隨著電影的發展也愈加凸顯出其重要性。早期默片時代，音樂就加入了電影的放映過程，由樂隊現場演奏音樂，據說是為了掩蓋放映機的噪音；在默片的發展及成熟階段，出現了專門為電影放映而灌錄的唱片，在樂曲的選擇上盡可能的符合電影的節奏和所傳達的情緒，從而填補了聲音的缺失；有聲電影的出現，使電影音樂有了更大的發展空間，發展至今的電影音樂不僅豐富了“視聽盛宴”，更為電影基調的營造、人物的刻畫、主題的表達等藝術表現提供了更多的可能。

傳統意義上的電影音樂，泛指在電影中出現的音樂、歌曲。從配樂創作的角度，電影音樂可以分成原創電影音樂和非原創電影音樂。原創電影音樂，是指作曲家為電影專門譜寫的樂曲；非原創電影音樂，是將業已完成的音樂作品配用在電影中，包括古典音樂、流行音樂、流行歌曲等。在現代電影工業體制下，電影音樂已超越了電影本身，優秀的電影音樂常被單獨分離出來制作成“電影原聲帶”（Soundtrack）包裝銷售，成為電影“后產業鏈”中重要的一環。

在非原創電影音樂中，對古典音樂的運用由來已久。對于古典音樂的定義，歷來說法不一，一般意義上的古典音樂，主要是指從中世紀的格里高利圣詠直至19世紀末葉創作的音樂，包括巴洛克音樂、古典主義音樂、浪漫主義音樂等不同時期、不同體裁的音樂；而狹義的古典音樂被人們理解為一種帶有古典風格的音樂。古典音樂有著極其復雜的配器及和聲走向，不僅可以由龐大的交響樂隊演奏或伴奏，也可以由人聲或獨立的樂器來完成，其完美的音響與精致的藝術構思是其它風格的音樂無法比擬的。由于音樂大師們高超的演奏技藝和嘔心創作，使古典音樂具有深刻的思想和內涵，迄今為止古典音樂仍受到世人的欣賞和關注，其豐富的藝術表現力是世人所公認的。[1]

隨著電影藝術的發展，電影音樂呈現的內容和形式也更加豐富，流行音樂、搖滾樂和電子音樂因為其鮮明的時代特征和流行性，在現代電影中被廣泛運用；而在深化電影主題、刻畫人物、表達電影深層次的意義和電影背后的隱喻等方面，有著嚴謹構思和深刻內涵的古典音樂顯然更適合電影，運用得當的古典音樂給電影起到畫龍點睛的功效，甚至使電影得到了某種意義上的升華；而電影之于古典音樂，也為古典音樂大師的作品開辟了新的視角。

一、電影主題的渲染和烘托——電影《立春》中藝術歌曲和歌劇詠嘆調的運用

顧長衛執導的電影《立春》講述了一個小城市音樂教師王彩玲的故事，展現了她不甘平庸，勇于追求自己的夢想，渴望真愛，孤傲虛榮、生動感人的豐滿銀幕形象，電影中藝術歌曲和歌劇片段恰到好處的運用，有機的融入劇情的發展，適時而準確地表現了主人公的情感，渲染和烘托了影片的主題。

電影一開始，在王彩玲的畫外音之后，由奧地利詞作家烏蘭和作曲家舒伯特創作的藝術歌曲《慕春》便響起。這是一首春天的贊歌，歌唱了春天的來臨。歌中唱到：“那溫暖的春風已蘇醒。它輕輕地吹。日夜不停，它忙碌地到處創造。空氣清新，大地歡騰，可憐的心哪，別害怕!……”這首歌曲是王彩玲重要性格的真實寫照，表現了她屢遭挫折，但仍對未來充滿憧憬的一面。音樂伴隨著畫面，交代了人物、地點、環境，起到了點題的作用。

《為藝術，為愛情》選自意大利作曲家普契尼作曲的歌劇《托斯卡》，是歌劇中女主人公托斯卡的詠嘆調。歌中唱到：“為藝術，為愛情，我衷心地愛護一切生靈！……但在這絕望時刻，為何啊上帝。為何對我殘酷無情？……”歌曲第一段落以音調不斷連續下行的句式表達了托斯卡壓抑的心境。第二段多同音重復和三連音節奏，是以憤懣的情緒對上帝的詰問。這段詠嘆調的第一次出現是周瑜要求跟王彩玲學唱歌，王彩玲在學校的琴房表演給他唱的，此時她完全沉浸在自己的音樂世界里，從內心深處唱出了她對命運的不滿和怨恨。第二次出現是王彩玲去報考歌劇院，劇院領導告訴她劇院根本不需要人，王彩玲唱著這首詠嘆調跪了下來。這首歌曲把主人公的失落、絕望、無助、脆弱充分表達了出來。在電影的結尾，導演以虛擬的手法，讓王彩玲站到了音樂廳的舞臺上，再次唱起了這首詠嘆調，呼應了影片開始時的《暮春》，使主人公“為藝術，為愛情”理想的主題得到了升華。

二、電影背后的深刻隱喻——電影《鋼琴家》中鋼琴曲的運用

電影《鋼琴家》由羅曼?波蘭斯基導演，改編自波蘭猶太裔鋼琴家席皮爾曼的自傳體小說《鋼琴師》，展現了鋼琴家席皮爾曼在二戰期間波蘭淪陷被迫開始逃亡，直到一位熱愛音樂的德國軍官被他的鋼琴曲打動，決定冒險保護他，在德國軍官的庇護下，席皮爾曼苦撐到二戰結束。

電影中運用了多首“浪漫主義鋼琴詩人”肖邦的作品。電影開始，1939年華沙的景象，肖邦的升c小調夜曲響起，接著鋼琴家席皮爾曼正在電臺認真的彈奏，直到電臺被德軍的炮彈轟炸，被迫終止。這首夜曲呈現出的憂思、哀傷的情緒契合了電影的開端，奠定了影片的主基調。在電影的結尾，這首升c小調夜曲再次響起，穿著禮服的席皮爾曼在舞臺上神情自若，沉穩淡定的彈奏，鋼琴曲的首尾呼應，印證了鋼琴家曲折的經歷。

影片中引用的另外一首肖邦的g小調敘事曲是全片的。饑餓的席皮爾曼在破敗的屋子里四處尋找食物，不料被德國軍官發現，故事的戲劇性達到了頂峰，接下來當德國軍官得知席皮爾曼是鋼琴家，把他引到鋼琴旁并示意“彈點什么”時，蓬頭垢面的席皮爾曼深吸一口氣，忍著饑餓、寒冷和恐懼，把一切復雜的情緒融入到了這首g小調敘事曲，德國軍官顯然是懂音樂的，他被席皮爾曼的才華和勇氣征服，下決心保護他，直至戰爭結束。肖邦是第一個將敘事曲運用到器樂中的作曲家，使它成為一種表現史詩性、敘事性、戲劇性內容的音樂體裁。g小調敘事曲根據波蘭詩人亞當?密茨凱維奇的敘事詩《康拉德?華倫洛德》而創作。作品講述了一位不堪忍受異族奴役的波蘭英雄以身殉國的故事，音樂情緒悲壯激昂、氣勢恢弘。[2]這首鋼琴曲的背后，是鋼琴家不屈抗爭和波蘭人民堅信勝利的隱喻象征。

已故的美國電影大師斯坦利?庫布里克在《2001太空漫游》中對理查德施特勞斯的交響詩《查拉圖斯特拉如是說》的運用被稱為這首曲子的“重生”，在他的電影作品《發條橙》中對貝多芬交響曲的運用都堪稱經典。著名美國電影弗朗西斯?福特?科波拉在其導演的電影《教父Ⅲ》中，最精彩的一段戲中，教父麥克爾一家在西西里觀看兒子出演的歌劇和劇院外進行的慘烈的黑幫仇殺形成了鮮明的對比，畫面與歌劇《鄉村騎士》的混合剪輯，制造了完美的意境結合，成就了影史上的經典段落，在科波拉的另外一部電影《現代啟示錄》中對瓦格納的歌劇《女武神》片段的引用也是全片最大的亮點之一。在電影史中，對古典音樂準確、恰到好處引用的例子不勝枚舉。

不難看出，準確、到位的運用古典音樂的電影，其導演大都是對音樂較敏感和有著較深古典音樂底蘊，且對電影中的配樂有著自己的發言權。古典音樂大師給世人留下了數量可觀的“寶藏”，其形式多樣、思想深刻，但顯然不是所有的古典音樂形式都適合電影音樂，電影音樂的片段性要求每一段音樂的相對完整，短小精悍，這與多數古典音樂結構嚴謹、較為冗長的特點相沖突；而電影整體風格的統一又要求電影音樂的基調相對的一致，這又引出了古典音樂與其他作曲家為電影專門做的配樂風格博弈的問題。因此，電影中古典音樂的運用是一個頗為復雜和謹慎的課題，只有找到合適的契機，使古典音樂“潤物細無聲”地融入電影中才能達到較高的藝術效果。

注釋

[1]羅展鳳《電影X音樂》[M]．三聯書店，2005

[2]張凱, 徐爽. 音樂在電影中的作用和意義——以電影《鋼琴家》為例[J]. 藝海, 2010,(12)

參考文獻

[1 ] 羅展鳳《電影X音樂》[M]．三聯書店，2005

[2 ] 張凱,徐爽.音樂在電影中的作用和意義——以電影《鋼琴家》為例[J].藝海,2010(12)

第6篇：古典音樂的作用范文

【關鍵詞】 古典音樂 影視動畫

在影視動畫中最具代表性的就屬迪士尼的動畫片了，它的故事幽默風趣，畫面色彩艷麗誘人，制作精良幾乎完美，它的動畫人物都令人熟知，被觀眾喜愛，配上片中的音樂，人物的動作展現的栩栩如生，使得他們的動畫片俘獲了全球萬千觀眾的芳心。而成為許多經典動畫片配樂的古典音樂有著功不可沒的作用，也可以說這是迪士尼動畫獲得如此成功的因素之一，古典音樂有著一種讓人沉醉其中的感覺。

在迪士尼的動畫影片中，配樂占據著極其重要的地位，其中有些音樂是為了動畫片的劇情需要獨立創作的的，有一些也是利用著名的音樂名曲來配合；讓它根據劇情的發展、場景的轉換、人物性格情緒的變化相互配合，運用相應的音樂元素，從多角度、多個層面、多維空間來表現畫面的內容，這些古典音樂本身就意義深刻，形式多變，在揭示主題、抒感、塑造人物形象、渲染氣氛方面有著其他音樂形式代替不了的作用，可以表達更為豐富深刻的寓意和內涵。

在迪士尼動畫片中，對于音樂的利用都是由動畫片的情節需要來決定，而不是單純的為了配樂而配樂。配樂之所以存在是為動畫片的敘事發展和情緒表達服務。而古典音樂的應用更是要與動畫片的內容和場景契合才可以將古典音樂的魅力發揮的淋漓盡致。在迪士尼經典的動畫片《幻想曲》中，將八首世界名曲恰到好處的貫穿在一部動畫中，與畫面緊密結合共同組合完成了一部妙趣橫生的童話故事，好像在我們眼前展現了一場盛大的音樂會。這部動畫片是富有想象力的藝術家們受到音樂的啟發所勾勒出來的圖案以及故事，讓我們感受到了不一樣的魅力。這八首世界名曲分別是：巴赫的《D小調托卡塔與賦格》；杜卡的《小巫師》；柴科夫斯基的《胡桃夾子》芭蕾組曲； 斯特拉文斯基的《春之祭》、貝多芬的《第六“田園”》交響曲；彭基耶里的《時間之舞》；穆索爾斯基的《荒山之夜》交響詩；舒伯特的《圣母頌》。

在電影的開始，一支大型的管弦樂隊作為背景，音樂是巴赫的《D小調托卡塔與賦格》，在動畫的部分藝術家充分發揮了想象力，把琴弓幻化成躍動的音符，又變化成起伏的音流，展現出在云霧中漫天飛舞的景象。第二段是柴科夫斯基的《胡桃夾子》芭蕾組曲，動畫中活潑曼妙的小仙女、俏皮可愛的小蘑菇、多彩的花朵和高貴游弋的小金魚隨著樂曲旋律的變化歡快的舞動，展現出它們在波光粼粼的池塘中、寂靜的樹林間歡快愉悅、互相嬉戲的歡樂景象，它們伴隨著樂曲的轉換翩翩起舞。第三段是杜卡的《小巫師》，可愛調皮的米老鼠變身成為了魔法師的徒弟，偷偷學習師傅的咒語后不小心卻弄成了漫山遍野的洪水，動畫中米奇與小掃把的動作與音樂的起伏配合的天衣無縫，看起來栩栩如生，更加展示了米奇調皮可愛的一面，緊張的劇情配和著音樂與畫面的完美結合是視聽的雙重享受；第四段是斯特拉文斯基的《春之祭》，讓觀眾在音樂中開始了對宇宙空無一物到現在的認識，畫面與音樂結合為我們介紹了宇宙的誕生、太陽系的形成、生物如何出現、恐龍的興盛與滅亡以及人類的成長過程等情景，這些景象隨著音樂的跌宕起伏不斷展現在我們眼前，好像讓我們身臨其境；第五首是貝多芬的《第六“田園”交響曲》，這部分的動畫描繪在虛構的住所中大家愉快生活的景象，在這里牧神在天使的撮合下勞作、相會、歡舞，獨角獸與小飛馬在歡快的嬉戲，過著無憂無慮、開心的生活，歡快的節奏與畫面的配合將作者的情感表達的更直接，雖然在其中也有狂風暴雨的緊張與害怕，但風雨過后依舊是彩虹的暢快與喜悅讓人感到愜意與舒服，片中動畫人物動作與配樂的呼應和結合更是把這種快樂傳遞給了觀眾；第六首是彭基耶里的《時間之舞》，描繪了一些體態笨拙龐大的動物跳舞的優美畫面，如有鴕鳥、河馬、大象和鱷魚等，場面有趣、可愛又不失精彩，舞蹈場面與音樂的配合相得益彰，給人以美的享受，讓我們對這首樂曲有了新的認識，不僅可以描繪人們參加盛大舞會的場景，也可以展現動物世界里各種可愛的動物翩翩起舞的場景；最后是穆索爾斯基的《荒山之夜》與舒伯特的《圣母頌》，這兩首風格完全不同的音樂結合在一起相輔相成，得到了意想不到的效果，《荒山之夜》中的陰沉妖魔與《圣母頌》中清純、樸素的虔誠祈禱前后呼應，揭示了邪不勝正、美好未來終究會到來的美好景象，以一個美好的幻想結束了《幻想曲》整部電影。

第7篇：古典音樂的作用范文

趙季平與陳凱歌于1984年合作電影《黃土地》，8年后合作《霸王別姬》，16年后合作《梅蘭芳》。《霸王別姬》和《梅蘭芳》都是以京劇為題材的電影，其音樂也都采用了京劇元素，區別在于，《梅蘭芳》中的音樂吸收了西方的管弦樂等元素，將中西方音樂文化結合在一起，而《霸王別姬》中的京劇元素則很純粹。《霸王別姬》絕對稱得上是一部史詩級的作品，無論是從電影本身還是配樂來說。配樂采用了京劇和昆曲等古典戲曲的元素，以《啟幕》和《落幕》為代表，打擊樂開篇，隨即弦樂效果散開出現京胡(京劇元素)，弦樂與京胡多次碰撞協調，京胡與弦樂、打擊樂相對峙，形成強烈對比。音樂中京胡從常態轉為離經叛道、執迷不悟、執拗脆弱是與程蝶衣的人物形象相對應的;而弦樂與打擊樂可以看做是程蝶衣悲劇的命運和無奈的社會現狀。音樂與電影同樣大氣磅礴，讓觀眾贊嘆不已。《大紅燈籠高高掛》則展現了一個封建家庭中四位妻妾爭風吃醋，卻無法逃脫悲劇的宿命的故事。該片中，四位太太在過門前都曾有屬于自己的個性特征，但都在不斷重復前一位的悲慘命運，第五位太太過門只是一個新的輪回，趙季平采用京劇的過場音樂為配樂，婉轉的女聲演繹出不斷輪回、轉變的節奏和曲調，與劇中人物反抗、掙扎的內心狀態和無法逃脫的悲劇現實，最終趨于同化、逐漸消亡的悲劇命運相契合。電影《活著》中，為了配合張藝謀使用的大量的皮影戲藝人的表演，趙季平也以皮影戲中的唱腔和秦腔為元素進行配樂的創作。

二、趙季平創作中的西方古典音樂元素

仔細聆聽趙季平先生的電影音樂，我們不僅可以從中發現大量的民族音樂的素材，體會到他對民族音樂靈魂的把握和挖掘，同時也能在趙季平先生的作品里感受到他對西方古典音樂技法的熟練把握。通觀他的音樂作品，我們可以發現其中的西方古典音樂元素隨處可見。例如《慶典序曲》作為其民族管弦樂曲的代表，其中的很多技法都是在吸收西方古典音樂的演奏形式上形成的;同樣的還有《喬家大院組曲》，這是為電視劇《喬家大院》所做的音樂，我們從音樂的和聲、復調、樂器上也可以深刻感受到西方古典音樂和民族音樂和諧的交融，有機結合。趙季平先生的音樂作品我們經常能聽到一段重復的音樂，這是趙季平先生音樂的一大特色，也正是其吸收西方古典音樂元素的一個表現。趙季平先生的電影配樂并不僅僅局限于傳統的音樂構筑方法，而是積極吸收西方古典音樂的調性，例如巧妙運用各種遠關系轉調、調性對比、離調模進等各種手法。這種將中國音樂元素和西方音樂結構構筑相結合的形式也是中西文化交融的一個完美體現。仔細分析趙季平先生電影音樂中的材料的發展手法，會對作品中的材料的放大和緊縮有一個很深刻的體會，因為這兩者正是趙季平音樂中常用的寫作手法。他會選取一些平常他人或許已經用慣的短小音樂材料，在其基礎上有意識地對這部分音樂做在不同的調性上的發展變化，例如采用擴大這個材料的時值或者是刻意縮小，甚至是對這個材料進行一個完全的變形。從趙季平先生音樂整體上看，我們可以發現趙季平先生對曲式結構的處理一般是沿用西方和中國民族音樂中多采用的較為短小的一部曲式、單二部曲式、單三步曲式，但是他在繼承的基礎之上又做了革新，主要表現在他對各段音樂材料的引入和銜接以及尾聲的處理上都帶有自己鮮明的印記。趙季平先生整體安排調性邏輯，體現不同調性色彩對比不僅體現在上述兩個方面，而且也表現在配器的手法，我們很難發現在趙季平先生的電影音樂作品中有單純的民族樂器或者是西方的管弦樂隊。在他的作品中大部分都是將中西方的樂器完美結合，在以管弦樂器為樂器的基礎上結合民族樂器，使其帶有鮮明的民族特性。

以電影《梅蘭芳》的配樂為例，這首被陳凱歌導演評價為“風情萬種”的電影音樂配樂正是他將中國國粹京劇元素和西方古典音樂相結合獲得成功的典型案例。很多音樂家也曾經嘗試過將民族音樂和西方古典音樂相結合，但是這兩種不同風格的樂器放在一起往往會發生音色“打架”的現象，音樂十分刺耳。但是趙季平在《梅蘭芳》中卻巧妙以西方管弦樂隊為主要形式，結合了包括琵琶、簫在內的民族樂器，兩種不同風格的樂器在趙季平先生的精妙的安排下。達到了水融的效果。這部電影音樂作品之所以出彩很大程度還在于趙季平先生做了一個新的嘗試。他突破了以往傳統的將每個人物根據固定主題發展情節的安排，而是大膽創新，將重點放在了人物內心世界的表現上，致力于人與人之間的關系刻畫。除此之外，趙季平先生對電影音樂的創新表現在他將作品融合進電影中的情節，在此基礎上將傳統的寫作手法和西方古典音樂的音樂形式結合在一起，《輪回》(《大紅燈籠高高掛》的插曲)就是很好的例證。在這部作品中，中西元素再次完美結合，管弦樂和京劇、女生合唱達到一個新的和諧高度。作品的形式也采用了固定主題變奏，一個下行的小三度作為主題的動機表現出嘆息音調以此來展現人物的悲劇命運，這些都是趙季平先生這部音樂作品中獨有的形式，也只有這樣才能更加彰顯電影主題，表現幾位太太的悲劇的輪回命運。

第8篇：古典音樂的作用范文

關鍵詞：流行音樂；民族與古典音樂；課堂；融合

中圖分類號：G632.0 文獻標志碼：A 文章編號：1674-9324（2014）37-0072-02

在“流行音樂進課堂”這個討論了多年的話題塵埃落定之后，“讓古典、民族音樂進課堂”這個教育部十年前就發出的呼吁近期又重被部分教育專家提起。這兩種觀點貌似沖突，其實并不矛盾，兩者不是你死我活的關系，不應對立起來。我們要做的，是取長補短，讓兩者在音樂課堂中并駕齊驅。那么，怎么樣才能更好地讓古典、民族音樂與流行音樂互相融合，使音樂課堂更有吸引力？下面就這個問題略談淺見。

一、古典、民族音樂與流行音樂在學生中的現狀

曾有一個音樂教育研究課題組，在一所初中學生中做了關于“你喜歡的音樂體裁”的調查，其中喜歡古典音樂的占調查人數的9.3%；喜歡民族音樂的占48%，喜歡流行音樂的占100%。這項統計，雖不一定非常精確，但有一點可以肯定，其他學校也存在這種情況，而且，農村中學喜歡古典音樂的人數比例還會更低！還有調查表明：現在大約有80%的中學生能唱10首以上的流行歌曲，而大多數學生對于音樂課上所教的歌曲能流暢地演唱的則寥寥無幾。面對如此現狀，作為音樂教育工作者，我們如何讓學生有選擇地吸收流行音樂，與此同時快樂地接受古典、民族音樂熏陶，讓其與優秀的流行音樂在音樂課堂中齊頭并進？從個人多年中學音樂教學實踐中，總結出了以下幾點體會。

二、解決的策略與途徑

1.老師自身首先要更新觀念。有部分音樂老師，不能與時俱進，老在過去自己所學的領域中自我陶醉，拒絕接受現代的東西，鄙視流行音樂，認為流行音樂膚淺、俗氣；不從學生實際出發，以個人好惡來確定課堂教學的內容，自己喜歡美聲，就想讓學生也喜歡帕瓦羅蒂、道格拉斯；自己喜歡笛子，就不厭其煩地讓學生聽《梁祝》、《沉思曲》。這無形中拉開了師生間的距離，不利于教學。我們應該知道，在現實生活中，有曇花一現的“高雅”音樂，而流行音樂中也有優秀之作。因此，老師要胸襟開闊、雅俗共賞，這樣才能適應學生的不同需求。

2.培養學生對流行音樂的鑒別能力。青少年學生特有的生理和心理特征決定了他們對流行歌曲的偏愛，但同時，他們還沒有具備完善的鑒別優劣的能力，難免會受到負面的影響，這就需要教師對學生進行正確引導。通過對部分流行歌曲進行舉例、分析，使學生認識到，在鋪天蓋地撲面而來的流行歌曲中，不乏優秀作品，但部分的流行歌曲，在藝術性上是比較單薄的，缺少營養價值，只能成為過眼煙云；更有些歌詞直白的流行愛情歌曲，不適合中學生年齡特點，如果不分優劣全盤吸收，不僅起不到音樂陶冶性情的作用，反而給學生的心理健康帶來消極影響。

第9篇：古典音樂的作用范文

五年前張航通過考試成為中國歌劇舞劇院交響樂團的首席小提琴，那是的他只有23歲。如此年輕就成為國家級院團的首席，這在中國的歷史上創造了一個新的記錄，這件事至少說明了幾個問題，首先說明了張航的小提琴演奏水平出類拔萃，在一向講究資歷的音樂圈里，如果只比別的老琴手強一點點，是絕對拿不到這個位置的，其次，也表明了國家院團的一種新的開放姿態，更多地給予年輕才俊以施展才華的機會，為中國古典音樂的發展納入新鮮力量。在中國歌劇舞劇院這院交響樂團首席這個位置上，張航展開了他追逐音樂夢想的翅膀，五年時間，從一個天才少年蛻變成為具有國際范的小提琴大師，盡管到今天他才28歲。

張航出生在云南，啟蒙老師是他的父親。從4歲起，父親就開始教他練琴，在云南遍訪名師，那時候，父親騎著單車，背著琴，帶著張航踏上了他的音樂之路。不負眾望的張航表現出了異常的音樂天賦，小小年紀就在昆明的小提琴大賽上奪去了少年組的冠軍，在全國少兒小提琴比賽中獲得第3名，更堅定了父親將其培養成才的決心。父親決定帶他走出云南。尋找更高明的老師，第張他們來到了成都。成都音樂學院是個高人輩出的地方，在當今中國樂壇有著舉足輕重的地位。在那里，父子二人大開眼界，用張航的話說：“成都的水平比昆明高，而且高得不是一點點，不在一個級別上”。在成都停留了一段時間，父親決定帶著張航來北京，因為這里才是中國古典音樂最發達的地方。張航說：“我記得那時候從昆明到北京要做三天兩夜的火車，50多個小時，火車是綠皮的，沒有空調只有風扇，我和父親買一張臥鋪，兩個人擠在一起，下車的時候，渾身都是火車上那種特有的怪味。每年，

到了寒暑假，我們就來北京，找音樂學院的老師學琴，我的小學時代就是這樣過來了，差不多有5、6年這樣的時光。來了那么多次北京，我只記得車站和琴房，那都沒去玩過，也不知道北京到底什么樣，學琴的孩子是沒有童年的。”

舍棄了童年的張航練就了過硬的童子功，1997年，張航考入了中央音樂學院附中，結束了北京昆明之間的奔波，開啟了音樂之路的新征程。2003年張航順利成章地考入中央音樂學院，順從著名演奏家梁大楠。在校期間多次代表中央音樂學院在全國及臺灣地區演出，2004年赴德國參加貝多芬音樂節大獲好評。于2004年北京國際音樂節中獲弦樂金獎。2007年以優異的成績畢業后進入了由著名指揮家胡詠唁先生創辦的中央音樂學院交響樂學院攻讀演奏家文憑并獲全額獎學金。同年考入中國歌劇舞劇院交響樂團并獲得樂隊首席的殊榮，成為中國古典樂壇最年輕的樂團首席小提琴。

2007年至今多次在國家大劇院，保利劇院，北京音樂廳，中山音樂堂擔任小提琴獨奏演出，尤其以《梁祝》的獨奏獲得業內專家的一致好評，并且觀眾反響熱烈，除此之外由他和另外幾位杰出的青年音樂家組成的中國UNO MUSIC室內樂也在北京音樂廳，深圳保利劇院成功的舉行專場音樂會。2008年應湯加國王喬治，圖普五世的邀請赴湯加演出，并得到主席特使，中國駐湯加胡大使的高度贊譽。2009年受外交部、文化部委派，作為中國音樂家小組成員赴印度尼西亞進行兩國文化交流演出并擔任音樂會小提琴獨奏，獲得中國駐印尼大使章啟月女士的褒獎，稱“真正體現了祖國的軟實力，為中印良好邦交做出自己的貢獻”中國文化部及駐印尼大使館特發表揚信。印尼政府要員，工商界人士等對中國音樂家小組在雅加達藝術官的演出給予了最熱烈的掌聲。

2009年與美國舊金山芭蕾舞團在北京保利劇院合作演出芭蕾舞劇《天鵝湖》，并擔任樂團首席，受到美國國家芭蕾舞劇院首席指揮，Gharles Barker的高度贊譽，稱“張航是一位杰出的小提琴家，發音清晰，技巧與音樂表現力無可挑剔，同時他還是位出色的樂團首席，我給予他最高的評價”

踏著優雅的琴聲，張航走上了自己的星途，然而，經歷的越多，張航的思考也越加深入，使命感越強烈。張航說：“中國的古典音樂差距太大了，能真正在國際上獲得認可的也就是郎朗一個人，力量太單薄了，而且古典音樂、嚴肅音樂完全是靠國家來支撐和運轉，沒有形成社會力量，缺乏社會基礎”在業務上精益求精的張翰，希望自己不僅僅是獨善其身，更進一步地用音樂來兼濟天下，為中國古典音樂的發展多做些事情。以此為出發點，張航參與了一系列影視劇的拍攝，他希望通過這些方式和渠道，讓更多的人感受到音樂的魅力。古典音樂不應該固守在殿堂之上，將大眾拒之千里。應該敞開心扉，以開放的姿態，結合現代流行文化，深入民間。