藝術議論文精選(九篇)

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第1篇：藝術議論文范文

關鍵詞：藝術教育，環境藝術設計論文投稿

高校公共藝術教育是能夠培養具有健全人格的高素質人才，有并且利于傳播先進文化，從而有效的推進素質教育的實施。但是由于領導的重視不夠，課程建設不完善，以及師資條件的缺乏等種種問題，導致公共藝術教育在高校中的情況不容樂觀。

一、當前高校公共藝術教育中存在的問題

（一）高校公共藝術教育管理的模式與體制缺陷

當前高校的公共藝術教育管理缺乏科學的、系統的規劃，很多高校的公共藝術管理不是存在管理責任主體混亂、權責不清的問題，就是存在無人管理，權責不到位的問題。雖然當前高校管理工作者已經認識到公共藝術教育管理的重要性，也在一定程度上增加了公共藝術管理的關注度，但是很多工作都流于形式，表面工作多，實際深入工作開展少，有的高校雖然成立了相應的藝術教育管理機構，但是這種機構往往是應付政策而成立的，缺乏思想上真正的重視，也就無法發揮實際的效用。所以高校對于公共藝術教育的管理上仍帶有隨意性和間歇性的色彩。課堂教育和文藝活動是目前高校公共藝術教育的主要形式，但是這兩種教育方式都存在一定的問題。首先在公共藝術課堂教育方面，教學內容、教學方法和教學方式都存在問題，并且在課時安排上往往無法體現公共藝術教育的重要性。其次在校園文藝活動方面，活動內容和形式較為簡單，很多活動都存在敷衍了事、程式化現象嚴重等問題，缺乏創新性。缺乏與之相匹配的平臺的構建，大學生藝術實踐的思維空間沒有得到充分的體現，不論是理論教育還是活動實踐都缺乏的實際使得大學生的藝術修養難以內化，大學生的總體藝術修養偏低。

（二）高校公共藝術教育課程設置缺陷

在高校課程設置方面，公共藝術教育課程設置存在嚴重的缺陷。尤其是在綜合性大學中，公共藝術教育課程往往被作為選修課程存在，這是因為與高數課程、英語課程相比，公共藝術教育課程的實用性在短時間內并不明顯，以經濟功利為發展推動的綜合性大學往往忽視了公共藝術教育的作用，只注重學生實用技能和知識的培養，而對學生的精神層面需求較為忽視。在這種情況下，學生的精神素養、情感道德和價值導向就缺乏正確、科學的教育和指導，沒有體現以人為本的宗旨，不利于人文素質的培養，阻礙人的個性的發揮，束縛創新能力的發展。目前我國很多高校在人才教育發展方面的理念不盡相同，但是從經濟社會和人才培養的長遠角度看，高校不應當將就業作為考量學生成功與否指標的指標，應當將就業作為人才發展的重要途徑和方式來指導人才培養的質量，促使大學生在德、智、體、美、勞等方面全面發展，這也是社會主義初級階段的一個重要組成。

（三）高校公共藝術教育缺乏可操作性評價機制

目前我國各個高校的公共藝術教育缺乏可操作性評價機制。由于各個高校對公共藝術教育的認識不同，在教學目的和教學任務方面都存在著較大的差異，不同的高校在公共藝術教育方面的投入、師資隊伍建設等方面也有所不同，因此目前還無法在全國范圍內形成關于公共藝術教育的統一標準，科學標準的操作性強的評價機制缺失。由于沒有統一標準的評價機制，很多高校的教師甚至是學生在公共藝術教育的教學和學習熱不高。學校內部也沒有形成科學的公共藝術教育評價體系，不論是在教育評級人員選擇方面，還是在公共藝術教育評價指標確定方面都存在較大的隨意性，這些對高校公共藝術教育教學的科學開展造成了一定的影響。

二、對當前高校公共藝術教育的幾點建議

（一）優化公共藝術課程設置

公共藝術教育的最終目的旨在將高校學生培養成為具有高尚道德情操和正確價值觀導向，并且擁有較高的審美能力、良好心智和創新精神的全面發展的人才。在課程設置方面，首先要在公共藝術教育內容和形式上進行創新和優化，要從高校發展實際和學生實際出發，認真研究符合當前高校教育特點的公共藝術教育內容和教育形式，積極探索和創新，要將公共藝術教育與高校的辦學精神、教育理念和校園文化進行緊密的結合，充分的體現高校的發展特色和內涵，豐富教學內容。另外，可以通過聘請校外專家的方式將與公共藝術教學有關的文藝主題講座、座談會和討論會等加入到公共藝術教育課程體系中，舉辦文化沙龍、學術論壇等，通過多樣化的方式激發全校師生學習公共藝術教學的積極性，活躍校園教學氛圍。以本校經過改良后的公共藝術課程體系為例，在經過對學校實際師資情況和學生藝術需求的考慮之后，本校的公共藝術課程體系以兩年為一個周期，每個學期開設四門藝術方面的必修課，分別涉及了美術、音樂、電影和書法四個方面，學生每學期學習一種藝術課程，兩年就能把這些全部修完，拿到應有的學分，這種課程體系是基于對學生藝術感興趣的方向和藝術對學生的影響而考慮的，根據實際情況，每一門選修課還都有適合學生自身的分類，如音樂可以分為樂理類、鑒賞類和樂器類，學生可以根據需要和自身對藝術的興趣進行合理的選擇，從而促進藝術課程的開展與普及。這種課程體系設置就是較為綜合的課程體系設置，同時在課下我們還注重為學生提供接觸名師的機會，每周開辦一次藝術論壇，邀請力所能及范圍內的藝術家為學生開展藝術方面的講座，讓學生在和大家的接觸中陶冶自身的情操，獲取課堂上無法獲取的一些關于藝術的經驗和寶貴的藝術體驗等。

（二）加強師資隊伍建設

公共藝術課與專業藝術教育不同，教學對象是普通的大學生，不是藝術專業人才，因此教師在教學過程中要轉變教學方式，將專業的藝術知識轉變為大部分學生能夠輕松學習和掌握的內容，教學方式不僅要通俗易懂，傳授知識，而且還要刺激非藝術專業的大學生對公共藝術教學的學習興趣和積極性，這就對教師的教學能力提出了更高的要求。首先，學校要加強對公共藝術教師的培訓工作，通過專題培訓、外出考察和交流方式等提高公共藝術教師的專業教學能力和素養。其次，教師也要通過網上自學、經驗交流總結等方式不斷提高自身的綜合素質能力。另外，高校也充分認識到建立一支高素質、穩定的教學隊伍的重要性，通過多種方式刺激教師加強學習、強化競爭機制，推動教師不斷對公共藝術教學進行創新和改革，制定相應的人才發展規劃，強化培訓，建立掌握扎實理論知識、高素質科研水平和綜合教學能力的教師隊伍，為高校公共藝術教育的順利開展提供可靠的保障。

（三）完善硬件設施的配置

高校公共藝術教育的硬件設施可以和本校的藝術學院設施進行一定的互通有無，但是一定要有獨立的部分，由于藝術學院和高校公共藝術教育相比課程更為繁重，所需要的也更為專業，所以高校公共藝術教育的硬件配備應該以不影響藝術學院授課方面為基礎，從而開展對藝術設施和設備的考察和配置，但是在基礎設施的使用方面，如學校的琴房和畫室等，也可以在不影響藝術學院教學的情況下讓公共藝術教育體系中的同學對藝術進行一定的認識。這就要求學校對于高校公共藝術教育有所重視，在這方面進行一定的撥款和處理操作，從而使得高校公共藝術教育的課程負責方面有足夠的資金對藝術教育需要的硬件進行采購和配備，如樂器、繪畫用具、藝術表演用服裝等等一系列物品和參加藝術展覽等活動的經費。這樣才能使高校公共藝術教育的管理更加完善。

（四）健全對于高校公共藝術教育的評價體系

高校公共藝術教育也要和其它的教育形式一樣，要對它進行及時和準確的評價才能更好地反映出高校公共藝術教育在學校的具體實施程度如何，這個評價體系也是管理所需要的一部分，在這種情況下學校需要對自身的評價體系做出公共藝術教育方面的部分改善，提高教育評價體系的可靠性和可操作性。在評價的方式上，高校公共藝術教育可以采取多種多樣的評價方式，如在傳統的調查問卷模式上針對每位老師的具體授課內容進行問卷編制，并以此問卷在教育后的統計數據作為高校公共藝術教育體系中重要的可量化的數據被體現出來，在教師互評的模式上增加學生對教師的評價模式，這是高校公共藝術教育評價中主觀評價的重要環節，這種主觀評價雖然不能量化，但是和數據相比，這種評價更帶有人情味，可以讓我們在更為直觀的角度看出教師在高校公共藝術教育中的具體表現如何，以此來確定本校的公共藝術教育的目前水平，增強高校公共藝術教育的管理能力。

第2篇：藝術議論文范文

關鍵詞：書法；意象；藝術構造；意象構造

一、書法中的意象表達及其藝術構造性

東漢許慎《說文解字序》說：“書者，如也(或若也、或也)”。如什么呢?茲摘梁武帝蕭衍《古今書人優劣評》數則：“鐘繇書如云鵠游天，群鴻戲海”；“王羲之書字勢雄逸，如龍跳天門，虎臥鳳闕”；“蔡邕書骨氣洞達，爽爽如有神力”；“韋誕書如龍威虎振，劍拔弩張”；“蕭子云書如危峰阻日，孤松一枝”；“索靖書如飄風忽舉，鷙鳥乍飛……”康有為《廣藝舟雙楫·碑評》曰：“《爨龍顏》若軒轅古圣，端冕垂裳。《石門頌》若瑤島散仙，驂鸞跨鶴。……《元燮造象》如長戟修矛，盤馬自喜。《曹子建碑》如大刀闊斧，斫陣無前。”漢蔡邕在《筆論》中說：“為書之體，須入其形，若坐若行，若飛若動，若往若來，若臥若起，若愁若喜，若蟲食木葉，若利劍長戈，若強弓硬矢，若水火、若云霧、若日月，縱橫有可象者，方得謂之書矣!”元鄭杓認為蔡邕的“象”就是“意象”。姜澄清先生也認為這指的是“創作者心中應存其意象”。“形者象也，勢者意也。”韓玉濤先生對書之勢做如是說：“勢就是風骨，勢就是境界，勢就是意象”。由“書——如——象(像)——意象”的邏輯推演我們可以得出結論：書者，如也，如意象也。

書法之所以具有意象性首先在于其載體——漢字本身的象形性特征。我們知道，漢字是由圖像符號轉化而來的，在早期的書法作品如甲骨文和金文中，還能隱約看到古人造字的圖畫性特點。但若據此認為書法意象性僅由漢字的象形特征決定就不夠全面了。裘錫圭先生在《文字學概要》指出“由象形變為不象形，是字體演變過程中最容易覺察到的變化。在整個古文字階段里，漢字的象形程度不斷降低。古文字所使用的字符，本來大都很像圖形。古人為了書寫的方便，把它們逐漸改變成用比較平直的線條構成的、象形程度較低的符號，這可以稱為‘線條化’。”公認的最具表現力的書法形式則是最為簡化的行書、草書，這也說明了書法的意象絕不僅是狀物擬態的模仿，應該有更深層次的內涵。而作為意象性另一端的“意”也并非文字本身的釋義。舉例來說明，中國的文字書寫具有雙重意象。第一層意象是對事物的寫征意象，屬字的本意。如“劓”，《說文》云：“刑鼻也，從刀。”這是相當古老的一種鼻刑，刑始于兵，這種酷刑應是古老的征戰中以割鼻報功演變而來。“劓”字的本意，給人是一種殘酷的意象。然而作為書法書寫出來的“劓”字，其字形的另一層意象則可以讓人感覺到，左右偏旁的繁簡疏密之間，就像一老一少相持而立，相安和諧。而書法的藝術意象就在于這第二層意象，這是書法藝術的象外之意象。文字書寫之所以上升為書法藝術，是這第二層意象性在起決定作用。

可以看出，書法意象不是由漢字本身的象形性和表意性單獨構成的，而應是一個多角度，多層次的構造結果。即是說書法意象是由創作者的主體投射，書寫過程中的形式表達和欣賞者的聯想和對作品背景的反觀共同構成的。正如楊小清先生所說的“藝術雖不是客觀的，但也不是主觀的。藝術是‘類’的客體主觀性在AB投射中由C的‘虛化’規則定位的，這是藝術存在的極其重要的屬性。”書法意象正是這樣通過作者、作品、欣賞者三位一體共同構造，并受時代審美趨向和藝術規則影響而形成的。所以書法意象的形成不是死板的、具體的，而是變化的、虛化的，是在特定的時空范圍內由主客觀相互交匯作用產生的審美體驗。

二、書法意象表達的邏輯指向

既然把書法意象的形成看做主客體雙方共同構成的審美過程，可以將書法意象表達的邏輯指向歸結為以下幾點：

1.立象以盡意，得意而忘象的內蘊

中國書法以“意象”論書的文化淵源可以追溯到《易》學思想和道學精神上。《周易·系辭》說：“古者庖犧氏之王天下也，仰則觀象于天，俯則觀法于地，觀鳥獸之文與地之宜，近取諸身，遠取諸物，于是始作八卦，以通神明之德，以類萬物之情。”《道德經》的第二十一章上說：“道之為物，惟恍惟惚。惚兮恍兮，其中有象；恍兮惚兮，其中有物。”作為表意、表象的文字其文化指向是最初的意，作為表現文字美的書法恰恰通過合理的表達將這種美表現出來了。

古典書論中，最早將“意象”二字并提的是唐開元時期的書法理論家張懷瓘，他在《文字論》中說道：“探文墨之妙有，索萬物之元精。以筋骨立形，以神情潤色。雖跡在塵壤，而志出云霄。靈變無常，務動。或若擒虎豹，有強梁拿攫之形；執蛟螭，見蚴蟉盤旋之勢。探彼意象，如此規模。忽若電飛，或疑星墜，氣勢生乎流便，精魄出于鋒芒，如觀之，欲其駭目驚心，肅然凜然，殊可畏也。”他認為以翰墨構成的筋骨神情，足以體現萬物之精魄，已將書法的意象表現性表達得相當完整。清代劉熙載在《藝概·書概》一文之首指明“象”與“意”的關系：“圣人作《易》，立象以盡意；意，先天，書之本也。象，后天，書之用也。”應當指出，書法中如“萬歲枯藤”、“千里陣云”之類的自然物象，不是再現自然物之形，而是自然物象意態美的寫征。亦是說，書法表現的是自然客體的情趣。可見，書法中象有可見之象，如筆墨線條的特征；有不可見之象，即通過可見的筆墨在特定語境和條件下以聯想、通感的方式生成的象外之象。意，則書法所表現出作者的主觀情緒、神情和意志。書者的心情、情趣不可能直截了當或者一目了然地展示給欣賞者，而是通過藝術作品之象來“暗示”書者之“意”。意象二字一隱一顯，一本一用，概括得完整而精準，成為書法創作和賞評的基本要求和方法。

2.書法意象的自然取向

晉衛夫人的《筆陣圖》，其中將漢字基本筆畫以自然物態之象表述出來，如橫似“千里陣云，隱隱然其實有形”，點如“高峰墜石，磕磕然實如崩也”，其他如“陸斷犀象”、“百鈞弩發”、“萬歲枯藤”、“崩浪雷奔”、“勁弩筋節”，均是以自然之象比擬書法，成為后世書法理論的一大特色。唐李嗣真在《書后品》中評價王羲之書法時寫道：王右軍“正體如陰陽四時，寒暑調暢，巖廊宏敞，簪裾肅穆。其聲鳴也，則鏗鏘金石；其芬郁也，則氤氳蘭麝”；其草行雜體“如清風出袖，明月入懷，瑾瑜爛而五色，黼繡摛其七采”；其飛白體“猶夫霧觳卷舒，煙空照灼，長劍耿介而倚天，勁矢超騰而無地”，“又如松巖點黛，蓊郁而起朝云；飛泉漱玉，灑散而成暮雨……”這其中“有天時意象，有景觀意象，有人物意象，有色彩意象，有聲音意象，有香味意象，有膚覺意象……”書法作為藝術表現形式必然是人類追求自由，渴望窺見自然變化奧秘的手段，因此以自然之象喻書或是由書想到自然之象，都如馬克思所說是“對自我本質力量的確認”的表現。

3.書法意象的人文取向

“若而書也，修短合度，輕重協衡，陰陽得宜，剛柔互濟。猶世之論相者，不肥不瘦，不長不短，為端美也……瘦而露骨，肥而露肉，不以為佳；瘦不露骨，肥不露肉，乃為尚也。”骨肉、筋骨、肥瘦等是人們最初用人體意象類比論書的范疇，也是常見的方法，如“顏筋柳骨”是也。書法中人的意象美，也在由表象到內在的發展。由此推及楊雄的“書，心畫也。”三國鐘繇《筆法》：“筆跡者，界也；流美者，人也。”書法美的賞鑒本身就體現了古人對自己身體的認可與欣賞，正如黑格爾在《美學》中說：“自然美的頂峰是動物的生命美。而最高級的動物美正是人類形體的優美。”對由人創造出的文字以美的形式表達出來的書法給以人體美的類比不能不說是古人確認自我的自信顯現。

書法意象的人文取向還表現在人的氣質品味由書法作品中的反觀。姜夔說：“自然長者如秀整之士，短者如精悍之徒，瘦者如山澤之癯，肥者如貴游之子，勁者如武夫，媚者如美女，攲斜如醉仙，端楷如賢士。”梁武帝《古今書人優劣評》覺得：王僧虔書如王謝子弟，奕奕有一種風流氣骨；蕭子云書，心胸猛烈，鋒刃難當；羊欣書如婢作夫人，羞澀不真；袁崧書如深山道士，見人退縮……

三、書法意象的構造過程

1.創造過程中的意象構造

首先是意在筆先的構思過程，王羲之所謂“意在筆先”的“意”，“并不是指某種抽象的道理，而是指具有藝術完整性的構思成果，也就是在形象、理性和感情相統一基礎上所構想的具有完整性的藝術形象”。作者在創作之前一定會對作品的整體風格、技法選擇、氣勢風韻等作出一個全面的構想，在腦中形成一個整體化的形式，并在紙上臆想出結果。然后是創作過程中的具體操作，不談具體技法，從空間構成上看，主要是對空間塊面的分割。如果把書法創作看作用黑色的顏料在白紙上作畫的話，整個書寫過程就是以長短、粗細、濃淡不同的黑色線條將白紙空間塊面分割開來，造成疏朗、緊密、渾圓、尖峭的不同空間塊面，這種黑白對比的空間構成是形成書法意象的物質形式，對于審美意象的生成有著重要作用。最后是創作過程中的調整、安排，這可以分為創作中和創作后兩個階段。創作中的調整主要指對章法構成的安排，這其中涉及陰陽、剛柔、動靜、疏密、巧拙、濃枯、暢澀等一系列對立風格技法的調和、轉換。其目的是要達到古人所說的中和的審美要求。創作后的調整是指物化形態的變換、調變，如紙質書作的裝裱、石刻、木刻等，這些形態轉換對書法表現效果將會產生新的作用，如裝裱產生的立體化效果，掛于壁上的可視效果，石刻的凹凸效果，經風雨殘蝕的金石(這是非主觀性的，但其拓本可以算作再創作的作品)效果都將對書法意象的生成造成影響。

經由以上幾個步驟，書法作品被創作出來，它的物化形態之中蘊涵著作者及其所處時代、社會的風格特征與審美取向，這些都將沉淀為書法意象的內質，伴隨著欣賞者的發掘而顯現為藝術化的意象。

2.欣賞過程中的意象構成

普通欣賞者面對一件書法作品首先想到的是它的內容，即它用文字表達的那些詞句是什么。這是不為專業鑒賞家和書法家本身所肯定的，因為書法不是寫字。雖然在古代相當長的時期內，書法的實用性與藝術性是不分的，但這并不能說明古人欣賞書法是從實用性角度出發的，否則為何成篇累牘的書論以形象化的詞句贊美書藝，而沒有哪個稱某位書家書寫清楚、工整，便于識別。事實上到了文字成熟以后，書家們所孜孜以求的恰是突破篆隸那種對稱、規范的書寫風格，因而行草書成為最便于表達書法家個性風格的書體，過于規范缺少變化的書寫則動輒被給以“如排印板”、“狀如算子”的詬病。可見欣賞者首先應關注的應該是形式而不是內容。

對于書法作品的形式欣賞是一個由總到分再由分到總的過程。先是整體觀照，可以見到所書作品的大小，是何書體，字數多少，風格特征，這一步驟能使我們得出整體的評價，即書作是剛是柔，是雄強是秀俊，在心中生成或威武將軍或羅綺美人的人格形象；或雷霆閃電或微風拂柳的心理感受。接下來細賞作品，可以見到字的大小對比，長短安排，虛實映襯，方圓變化，濃枯調和，章法上的起承轉合，疏密穿插……這一過程具有歷時性，如同欣賞音樂和舞蹈，當音符傳至鼓膜，動作映入眼簾，觸動心靈，喚起美感，但前一音節與動作將不再復現，僅是作為完整作品的一個環節和作品本身不可分割。這時的欣賞者看到的將是流動的意象顯現，或如壯士扼腕，或如美人含羞，或如獅子搏象、或如鶴游碧霄，總之作品隨欣賞者活了起來。最后還是會進行統觀式的賞析，但這時的觀照不同于最開始的，經過前兩個程序的欣賞者已被作品的藝術魅力所帶動、感染，不自覺地將那一系列美的感受回味，回頭再來看作品，真是滿紙活物，無需通過目光的移轉整幅作品已動了起來。當然受欣賞者文化修養、見識閱歷等因素的影響，每位欣賞者的構造結果不會完全相同。但可以共通的是通過聯想與通感對書作中的自然物象特征與人自身生命力量的把握。

[參考文獻]

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第3篇：藝術議論文范文

關鍵詞藝術意義藝術家藝術作品藝術活動

談到藝術，我們毫不猶豫地可以說出一系列藝術作品，同時我們可以舉出無數的藝術家。但是，當我們真正追問是什么使他們（它們）成為藝術家和藝術作品的問題，藝術的內在本質究竟是什么時，我們又變得茫然起來。藝術是什么？對于此，前人已經提出了各種各樣的回答，而且接著他們的思考，我們仍可以繼續回答下去。在前人已經提出的所有解釋中，任何一種解釋都不是沒有道理，但是任何一種解釋也并不是有道理，我們即使將所有的解釋加在一起也還無法說明什么是藝術。

“藝術是什么？”這一藝術定義問題本身作為一個傳統的形而上學的命題，與“美”的定義等問題一道，在西方現當代美學尤其是英美分析哲學美學中成為一個主要的問題，并且已被認為是一個沒有實體的自我循環的假命題而多被詬病。此前從狄爾泰已經開始對藝術的本體問題不作追尋，他的探討退出了本體問題而討論藝術的意義。他認為藝術在上下文中才有意義；藝術在特定的歷史中才有意義；藝術在人們的興趣（關注）中才有意義，因此不存在沒有前提（先決條件）的藝術。分析哲學的先驅喬治·E·摩爾認為，“美”不是一個自然客體，故不能采用像自然科學下定義的方式來加以界定，而只能采用直覺來把握；早期維特根斯坦也認為美屬于不可言說的東西，對不可言說的東西，人們只能保持沉默。著名分析哲學家艾耶爾則斷定，由于美學的命題基本上沒有實指，所以都是“妄命題”。因此，美國美學家莫里斯·韋茲和肯尼克，都根本否定給藝術下定義的做法，宣稱藝術是不可定義的。所以，在這些理論來看，藝術什么也不是，什么都不是的就是藝術，藝術的本體在它的賓詞后沒有成立的可能性。

但是這種沒有可能的可能性，恰恰是我們思考的起點。對藝術的本質問題的追問的不可置否性，在現代藝術中顯示的最大意義，就在于它顯示著并不具有實體的藝術，也就是這種無有的存在，如何在人的心靈中變現為實體的藝術活動、藝術家和藝術作品。很顯然，面對“什么是藝術”這類問題，我們并不是要放棄對藝術的追問，而是要改變這種本質主義的追問方式，必須首先思考藝術之為藝術的心靈特質，放在對人的藝術活動的考察上，使我們的思考直接從“什么是藝術”的問題前的問題開始。通過藝術活動的分析，進而從藝術作品、藝術家、藝術接受等所有的藝術活動的相互關系，也就是藝術與心靈的關系中去尋求藝術的意義。

一、藝術和藝術作品

探討藝術問題，通常我們首先從分析藝術作品入手。根據經驗，我們很容易判斷出藝術品與非藝術品，我們在聆聽音樂、欣賞繪畫、閱讀小說、觀看舞蹈等藝術活動中，不假思索地認為它們都是藝術品，而且我們會有意識地去評判它們的藝術水平的高低。但問題也就隨之產生了，我們憑什么說它是藝術品或是非藝術品，如果作為藝術品，它們的水平高下是如何確定的，我們判斷的基準在于什么，也就是說，藝術作品是什么？這個問題的內在含義也就是，在我們所面對的眾多物品面前，如何判斷哪個是藝術品，藝術品符合什么條件才能被稱為藝術品，我們怎樣確定藝術品的水準的高低。顯然，我們通常的判斷是建立在對作為藝術品的基本構成的涵義的理解上，這種判斷在我們當下的話語系統中是有效的，比如在特定的時限或氛圍中，可是一旦超出這個范圍，問題可能會變得復雜起來。究其實，我們對藝術品和非藝術品的追問，回到根本上也就是對藝術問題的追問。因為我們在劃分藝術品和非藝術品時，我們已經存有了藝術的觀念在指導著我們這樣做，不管這種觀念是有意識還是無意識地支配著我們。這就是說，我們對藝術品本身的追問，也就隱含著對藝術問題的追問。所以，探討何為藝術作品的問題，實際上也就成了藝術探討的奠基性問題。但這一探究從一開始就顯得困難重重，問題遍布。

自柏拉圖、亞里士多德開始的藝術“模仿說”是雄霸西方千年的藝術理論，模仿說被作為經典的藝術理論在東西方產生了極大的影響，但實際上這一理論是直接以藝術作品為邏輯起點來探討藝術的。柏拉圖認為，世界的本質是理念，現實世界是對理念世界的模仿，作為藝術的藝術品又是對現實世界的模仿，這種模仿也就是不真實的、虛幻的。另一位哲人亞里士多德則肯定了現實世界的真實性，因而也就肯定了模仿它的藝術的真實性。后來古羅馬美學家賀拉斯也繼承了藝術模仿說，直到17世紀，古典主義藝術家們還提出了“藝術模仿自然”的原則，以再現現實為宗旨的現實主義文藝可以說是模仿說的最高發展階段。雖然，隨著西方現代藝術的崛起，在各種全新觀念的沖擊下，這一理論遭受嚴重的挑戰而變得如此不堪，但在我國當代的一些僵化和陳舊的藝術理論中還有極大的市場，以一種變形了的“反映論”藝術觀的面目出現。這一理論探討的是藝術的本質問題，但實際上卻是從藝術作品的問題開始的，分析了藝術作品和自然、理念、事物的關系。模仿說把藝術與現實世界聯系在一起，把藝術看成是再現和認識世界的一種特殊的方式，從藝術作品產生的源泉來把握藝術本質。然而，其根本問題在于，一方面它把藝術局限于“模仿”世界的認識論范圍；另一方面，它忽視了藝術創造的主體性。根本的問題也就在于把對藝術的探討以藝術作品為邏輯起點，這樣自然就把藝術的問題置換為藝術作品的問題。顯然，嚴格地講，藝術和藝術作品是有差別的，這樣一來問題就變得含混了起來。

因此，從藝術作品作為邏輯出發點來探討藝術的本質的主要問題就在于，這種探討首先就預設了藝術是一種現實的存在，認為藝術品是一種區別于自然、理念等的存在物，然后去探討它和世界的特殊的聯系。但在這其中有兩個不可回避的問題：其一也就是我們在前面提到的，在藝術之所以成立的預設中也就包含著藝術之為藝術的本質主義假定，反過來正因為有了這種預設和前提，藝術作品才得以成立和顯現。顯而易見，這自然就導致了對藝術的真實意義問題的掩蓋，其所探討的出發點即邏輯起點是藝術作品而不是藝術，但我們可以進一步追問，這些藝術作品存在的邏輯前提又是什么？藝術作品是怎樣從世界中剝離出來的？我們怎樣認定這些悲劇、史詩、雕塑等就是藝術作品而不是其他？這樣，藝術的意義的真正問題就掩蓋在本質主義的預設之中了，藝術的問題就變為藝術作品的問題。其二，既然藝術作品是藝術的現實存在物，它是對世界的模仿，它所體現的是藝術作品和世界的關系，那么，在這種關系中，藝術家作為這種活動的直接介入者，他的意義又何在呢？藝術家在這種模仿世界或理念的活動中，不介入自己的任何理解而機械、本真地模仿自然或再現理念，這幾乎是不可能的。反過來，恰恰是藝術家的活動，使得本真從遮蔽中綻出，使得藝術作品充滿了生氣，這樣，藝術家的活動正是決定藝術作品水準高低的主導因素。所以，單方面地從藝術作品出發來探求藝術問題，顯然就掩蓋和遮蔽了藝術的最基準的問題。也就是藝術的意義的真實問題。

藝術模仿說以藝術作品與世界的關系為其探討的主要問題，這在很大程度上限制了藝術的這種無限多樣的自由創造性，因為它一味地強調藝術和現實世界的完全的符合。但事實情況是，藝術就是藝術，它和現實就是不一樣的，繪畫中的顏色在現實中我們可能根本見不到，小說總歸是一種編造的故事，但它們卻又實實在在地影響著人，使人神情激蕩，思緒飛揚。為什么又會如此呢？顯而易見，用藝術作品和現實之間的這種生硬的關系來說明這些問題，已顯得極為力不從心了。這樣，就使得我們不得不又向前邁進一步，把探索的目光聚焦于藝術作品的現實來源，也就是藝術的制作者，即藝術家。

二、藝術和藝術家

藝術家，通常認為，就是藝術的制作者。藝術首先是藝術家制作出來的物品，自然地，是藝術家使藝術成為藝術，沒有藝術家，藝術似乎是不可能的，藝術家以及他的藝術制作活動是藝術的主導因素。邏輯地看，藝術活動首先是藝術家的制作活動，藝術作品也是藝術家的制作活動的最后結果。

隨著西方近性主義的高揚，人的價值，個性自由，人的主體性等問題得到了普遍的關注，浪漫主義藝術潮流也隨之勃興，藝術強調藝術家個性的自由張揚和展現，自由、創造、天才等概念成了這種潮流的主導性范疇，藝術家成為藝術的主導因素。與之相應的是藝術“表現說”對傳統的“模仿說”的反叛。18、19世紀的浪漫主義思潮，標榜“自我表現”，沖破了“模仿說”的羅網，“表現說”于是興起。表現說批評模仿機械復制，強調藝術必須以表現主體情感為主。康德最早提出“天才”論，強調藝術是天才的創造和表現，提出天才是和模仿精神是完全對立的觀點。在康德的先驗哲學中，主體性問題被強調到了極致，人是目的的問題是康德哲學的基本出發點，這樣，他就是從藝術家的活動出發，肯定了天才和創造在藝術制作中的巨大意義，他認為天才是一種天賦的能力，這種天賦因素是藝術的決定因素，這樣藝術家在藝術制作中的作用被康德充分地加以肯定了。德國浪漫派畫家德拉克洛瓦認為，人即使練習作畫，感情的表達也應該放在第一位。德國直覺主義哲學家柏格森認為，詩意是表現心靈狀態的。意大利表現主義美學家克羅齊更是干脆宣稱藝術即直覺，即抒情的表現。表現說把藝術本質同藝術家主體情感的表現聯系起來，突出了藝術的審美特性。中國的言志說、心生說和緣情說大致上是與表現說相類似的觀點。較之模仿說，表現說不是從藝術作品而是從藝術家作為邏輯起點來探討藝術的意義問題，更明確地來說，就是把藝術家的情感作為藝術的核心和關鍵性問題。但同樣可以看出，在這種以藝術家以及藝術家的情感為主導的藝術問題的探討中，照樣包含著對藝術更為極端的本質主義化的傾向。

首先，藝術活動是以藝術家為主體的活動，我們絕對不否認藝術家對藝術制作活動的意義，正因為藝術家的存在以及藝術家的制作活動的水準的高低，就自然決定了藝術作品的產生和水準的高低，否則那些非凡、偉大的藝術作品是不會產生的。但是，我們把問題拓展開來看，如果說，藝術家的制作的結果是藝術作品，推而廣之，就是藝術。那么，是什么使得藝術家的制作得以成立？也就是說成為藝術作品，成為藝術，是他賦予的他的制作品的風格，還是情感，還是其他？這些都無法說明這一問題，而且會使問題再一次陷入到循環論證中而無法自拔。進一步的問題也就是，在藝術家的制作活動開始之前或進行中，他是否明確或已意識到他正進行著藝術活動，是否明確他的制作的結果將是一件藝術品而不是其他，如果是這樣，那他已經就是按照藝術的模式和規則來進行藝術產生，那么，藝術的創造性又怎樣灌注其中，藝術家的主體性又如何體現出來呢？這些問題又涉及到了藝術的意義問題，這就促使我們從其他方面而不是從藝術家出發去探究。顯然，從藝術家為邏輯起點來探討藝術的意義，認為藝術家就是藝術的立法者，藝術家使藝術作品得以成立的觀點，同樣使得問題簡單化了。不難發現，藝術創造并非藝術家為遵守規則而遵守規則，實際上只是為了某種藝術創造才去遵守這樣或那樣的規則，藝術家不是遵循了某些規則而成就了藝術。因此，需要有另一種線索來研究藝術家是如何賦予藝術品的藝術性或者藝術質量以及藝術規則的藝術質量。

其次，藝術是一種以情感為主的活動，情感的激蕩構成了藝術活動的基本意義。但是，如果僅僅承認只有藝術家具備情感的表現能力，只有藝術家的天才能力才能超越事物的表面，捕捉到那最為動人的情感，那么，問題是這種情感能表現出來嗎？即使能夠表現，我們又如何體驗到這種表現呢？這里問題還是不少。正如我們前面已否定的，藝術本來什么也不是，我們不要試圖給藝術負載什么文化、情感等的因素在其中，但情感表現主義卻把模仿說中的再現自然或理念暗換為表現情感，這種情感中心主義，實際上沒有什么大的突破，反而以一種模糊的情感來惑亂視聽，使藝術被一種不知所云的神秘主義面紗所籠罩，或是成為膚淺的弗洛伊德主義者的某種陰暗、病態心理的暗示，把崇高的藝術變成了類似原始巫術一樣的神神道道的東西。本來情感使藝術充滿活力，但情感表現主義所要求的情感的意味和表現，實際上是對情感的一種貶低和嚴重的曲解。

從藝術家出發探討藝術的基本思路是，因為存在藝術家，藝術才成為可能，不管來自于理念還是自然，還是表現歷史、情感等，它的一個基本的前提是藝術就是藝術家的制作。其中關鍵的問題是，就是藝術家以及他們的這些有意識地向自然或理念模仿或是表現情感的活動，藝術才賴以成立，藝術品才從自然中分離出來。這樣，藝術家成了藝術制作的主體，相應地，藝術家之外的與之對立的自然、理念或情感則成了藝術的源泉和來源，是為客體。這是一種表面化的探求和本質主義的預設，因為根據這一觀點，我們自然可以推出，在藝術之前，已經存在著所謂的藝術之為藝術的實體，不管它是在自然或是理念、歷史、甚至情感之中，只不過是藝術家把它抽取出來而已，藝術家在這里扮演的是一個抽取的角色。這樣，自然而然就形成了兩個對立的因素：藝術的本體和藝術的諸現象，即藝術作為藝術的本質和藝術家、作品等，藝術之為藝術的東西自然地隱藏在事物背后，藝術家將它開掘出來，藝術家就成了藝術的代言人。

以藝術家為邏輯起點出發對藝術的意義的追問，使得藝術的意義探尋問題向本質主義更深地推進了一步，沿著這一思路下去，藝術欣賞或藝術接受就成了二次開掘的工作，作為藝術接受者的活動就是猜謎式的或是破譯密碼式的工作，我們面對藝術，就要愁眉難展、費盡心力地再次去找尋藝術家植入到藝術作品中的這種意義，但是，是否存在這種永恒的意義呢？這種尋找意義的活動是否構成了藝術活動呢？這種尋求意義的意義又是什么？解釋學藝術理論便試圖從藝術接受方面來完成這樣的工作。

三、藝術和藝術接受

當從藝術作品和藝術家出發對藝術的探討充滿問題時，大家不約而同地把目光聚焦于以往的理論中關注甚少或根本沒有關注的藝術接受問題上來。藝術接受包括藝術接受者及其接受活動，是對藝術作品的一種體驗、感悟和評價；在這種接受活動中，通過對藝術作品的現實的存在的感受和思考，我們可能會和藝術作品一起構成一個屬于我們自己的世界，獲得一種情感上的體悟和評價。顯然，這不單純是個體當下的評價、接受的行為，同時也是在文化和文明的作用下產生的行為。因為這種接受、評價、體驗的行為的復雜多樣性和易變性，就使得這一過程變得更加撲朔迷離而難以把握，所以，因其無序性和隨機性的特點，以往的研究多不予關注。但它確實是藝術活動中十分重要的組成因素，而且是藝術活動的直接發生者。20世紀以來的解釋學藝術理論便試圖以此為出發點來讀解藝術、藝術作品。

解釋學藝術理論把藝術接受作為藝術活動的主體，其基本觀點在于強調從藝術接受者出發的對“文本”闡釋和讀解的多樣性，肯定了藝術接受中“前結構”和接受中的誤讀和解釋的合法性，由此達到對傳統的藝術理論所認為的藝術的中心意義的消解。解釋學藝術理論從藝術接受出發探討藝術，是針對傳統的藝術表現論而言的，這一理論首先要詢問的是藝術中究竟有沒有這種恒定不變的意義中心，作為藝術接受活動的實質究竟是不是對這種恒定的中心意義的尋找。在這一前提下，他們認為，在藝術接受活動中，這種“前結構”，也即“歷史視閾”是影響接受的基本因素，它構成一種“合法的偏見”，所以，對于接受來說，不存在所謂的與文本符合或發現中心意義的問題，而是由文本和接受構成了另一個世界，在這一世界中，文本向接受者敞開，接受者也向文本敞開；故而，藝術接受中對藝術的理解，不是要指向那意義，進入藝術之中，絕對占有藝術所構成的世界，而是將自己是“非現實化”，將自己“暴露”給文本；在藝術接受中，是力圖和自我構筑的“他者”不斷地對話，形成一個不同的世界和新的視野。所以，解釋學藝術理論強調藝術接受對藝術的意義，不但主張藝術接受者對藝術意義的占有，而更為重要的是通過這種占有對接受者自己的創造和激發。這樣，傳統的藝術的永恒、普遍的中心意義消解了，藝術不再是反映現實或表現情感的東西，它沒有普遍的標準，永恒的意義，一切都在解釋和對話中不斷地展現，不斷地開啟著新的世界。在這一理論中，他們提出“讀者中心主義”的口號，力圖解構藝術作品、藝術家的在藝術中的意義，這樣，藝術作品的范圍大大擴展，藝術家的創造不再對作品具有決定意義，甚至作者徹底地從接受視野中消失了。

但解釋學藝術理論的局限也是顯而易見的，果真像他們所描述的，任何文本，在認識視界中是真理，而在審美視界中是藝術，全由接受者的讀解來決定，那么，藝術的意義的規定性幾乎等于零。這樣，藝術創造、藝術家甚至純粹的藝術作品都會從人們的視閾中消失，我們可能面對的一切都會成為藝術的世界，我們的一切活動都可能會成為藝術化的活動，在我們隨意性的指稱中，藝術就誕生了，那么，藝術還有什么意義和規定性而言呢？所以，這又不得不迫使我們把問題引向縱深。

從藝術接受出發來探討藝術的意義，對藝術的本質和中心意義的消解，強調藝術接受的意義，從而強調藝術闡釋的多元化和不確定性，這是現代哲學對傳統形而上學的反叛在藝術理論中的體現。這樣，在藝術接受的誤讀和敞開中，“我”和“藝術”構筑著世界，藝術活動成了藝術的意義探究的核心，藝術經驗和審美經驗則是藝術中主要強調的因素，對藝術的意義的探討就直接指向了人的心靈的意義的探討。在這里，藝術不再是模仿現實或理念等事物，或不再是情感的不斷表現，藝術沒有這個必要，藝術的意義變成了一種行動，一種構筑著“別樣”世界的活動，藝術的意義在于將自己“暴露”在世界中，世界向自己的一種展開和敞亮，正是在這種沉淪和上升中，藝術的意義開啟了。所以，解釋學藝術理論引人注目的地方就在于將藝術的意義的探討最終指向了藝術活動，指向了人的心靈。

四、藝術和藝術活動

從前面的分析我們看出，不論是模仿說還是表現說，不管是從藝術作品還是從藝術家出發來探討藝術，都包含有一個不可克服的問題，都企圖從讓藝術來負載一些什么東西在里邊，不論是作品中對世界的反映，或是藝術家感情的宣泄，都試圖把理念或情感的內質強加給藝術，這是一種本質主義對藝術的否定，它在給藝術賦予一定的本質的時候，恰恰就將藝術徹底背離了。所以，我們認為，對藝術的意義的闡釋的最大的問題是極端的知識化。人的任何活動都有相應的知識，歸納性的、解釋性的或是反思性的等等，藝術作為人的一種活動，也被限制在知識的規范中了，這在很大程度上應該歸咎于美學理論。作為藝術的規范性理論，美學理論已嚴重地背離了藝術，由于它過分的和極端的知識化傾向，使藝術被淹沒在空洞的理論中。而要試圖探討藝術的意義，除了擺脫這種空洞理論的束縛外，最主要的還在于溯本逐源，從藝術活動的本初談起。而解釋學藝術理論的努力則扭轉了這個方向，它更重視藝術是一種活動，在這種闡釋的行動中，藝術和接受對自我和世界的意義的構筑和開啟。因此，我們強調，藝術什么也不表現，什么也不反映，什么也沒有，什么也沒有的就是藝術！所以，對藝術的意義的探討，從藝術作品、藝術家或是藝術接受出發，最終都要歸結到對人的藝術活動的探討中去。

藝術活動的根本所在就是構筑另一個世界的活動。我們之所以提出藝術什么也沒有，什么也沒有的就是藝術的極端的觀點，并不是徹底的虛無主義和相對主義的遁詞，而是要徹底否定所謂的藝術批評和美學理論對藝術是什么的概念化和知識化的思考，藝術開啟的本來是一個非凡別樣而不同平常的世界，而我們的理論總是試圖將它納入到我們正常的世界中來思考，這就從根本上將藝術背離了。所以，我們所要否定的就是對藝術是什么的提問。因此，問題最后會變為藝術可能的意義，藝術能夠給予什么的追問，而這種追問只能再回到藝術活動中去探究，因為藝術活動是藝術的基本的和原初的起點。

如果我們以藝術活動作為藝術的意義問題的起點，那么我們又如何來描述藝術活動呢？人的活動紛繁復雜，究竟那些屬于藝術活動？面對這些問題，我們又會變得困惑。但是，我們先驗地認為人就是一個活動的主體的話，那么藝術活動也就是人的所有活動中的一種，這種活動的特殊性在于，它是一種再造另一世界的活動，它是一種心靈構筑意義的活動。

首先，人的活動的特殊性，用馬克思的話來說，就是創造“第二自然”的活動，活動本身是自然向人生成的過程，馬克思在這里看到了人和自然的關系問題，但人的活動不僅僅體現為人和自然之間的活動，人也不僅僅是使自然向著他自己，他的活動的內涵應該更廣闊，馬克思這里所說的創造“第二自然”的觀點卻為我們提供了思路。由此可見，人的活動具有某種創造性，這種創造性就體現為人對另一世界的探視的努力，在這種探視中，他不是還原現存世界，而是力圖去開啟和敞亮可能的世界，這種可能的世界只能是藝術世界。不管是藝術制作還是藝術接受活動，都存在著這樣一種可能。所以，不管怎樣，藝術活動是一個使我們的世界“陌生化”的活動，這是一個極為樸素的事實，但這正是我們思考藝術的真正出發點。正是在這種制造陌生事物的活動中，我們在不斷地超越，超越現存世界有和無的隔離，在心靈中出現了另一世界，這就是藝術世界。藝術世界是心靈不斷地展示自己的運動，藝術家、藝術作品、藝術接受都可以包含在這個心靈的運動之中。藝術活動的本意就是心靈自我改造的意義，面對一件非凡的藝術作品，我們感悟到的東西，絕對不是現有的知識告訴我們的，或是藝術理論告訴我們的應該是什么的東西，而是對我們心靈的改造；藝術作品也不是一個常規的現實存在的物，它絕對不是知識的對象，而是一個開啟我們的世界面向心靈的物，藝術作品的本意是激蕩起我們的感受，是藝術作品驅使著我們，而不是我們審視藝術；所以，真正偉大的藝術家以及他的作品，應該就是不斷地刺激著我們的感覺，使我們進入到“我—藝術”的世界中，使之在思考中感受，在感受中思考，藝術就是著力于激發塑造新的心情，新的感受方式，是藝術的方式在制造著我們感覺的方式，而不是我們在不斷地規定著藝術的方式。

第4篇：藝術議論文范文

藝術理論論文3700字(一)：中國古典藝術理論與藝術學學科體系的建構論文

中國藝術研究院是文化和旅游部下屬規模最大的研究機構，一直致力于中國藝術的發展，并不斷地有新的開拓、新的想法、新的追求，現在創辦《藝術學研究》這份雜志，我覺得這對于中國藝術學的學科發展來說，是一件非常好的事情。

藝術學的學科設置及相關研究是近十幾年來逐漸興起的一個重要議題，最早大概始于20世紀90年代末、21世紀之初，教育部在國務院指導要求下重新調整高校的學科目錄，要縮減50%的學科名稱，需要將400多個縮減成200多個。我當時擔任中國美術學院院長，和時任中央美術學院院長的靳尚誼先生都參加了這次學科目錄調整的討論，當時就討論過藝術學科。從教育部和高校的管理角度考慮，有藝術學這樣的一級學科是有好處的，因為音樂、舞蹈、戲劇等藝術類學科比較多，統一起來利于管理。但是，從學科建制和學理層面上，能不能設立藝術學這樣一個一級學科，囊括音樂、舞蹈、戲劇、美術、曲藝、相聲、雜技等各門類藝術？這件事情我們當時心里有點沒把握。

之后，北京大學和北京師范大學想在藝術學的學科建構上有所作為。一次，在評教育部的重大理論項目時，這兩所高校都申報了藝術學理論體系建構的課題。不過，兩所高校所展開的角度不同。北大是希望建立一個完整的藝術學理論體系。北師大想先從調研著手，計劃把國內100多所設有藝術學科的綜合類高校和藝術院校都調研一遍，在此基礎上探索建構藝術學理論體系的可行性。我當時是總評委，覺得這兩個角度都有可取之處，考慮到兩所高校都想做這件事情，都在努力做，跟教育部的思路也比較一致，所以就給教育部科技司建議，不如都予以通過，批準他們去做。但最后據說只能有一個指標，至于花落誰家，進展如何，我就不知道了。

就這兩所高校當時所提交的課題申請書，其中北大的類似于王朝聞先生做的藝術概論，一塊一塊并置，美術還是美術、音樂還是音樂、戲劇還是戲劇、電影還是電影，各種藝術形式對應各個章節，比如說八種藝術形式就八個章節。作為藝術概論，作為教材使用可以，但是從學理上來看，這樣是不夠的。我也意識到這是一個值得深入探究的課題，但做起來恐怕不是太容易。不過，這么一來，倒是把藝術學的學科建制問題擺在了研究者的面前。以前大家可能沒有去深入思考這件事，只是覺得教育部歸口管理，比如說工科、理科，各自也都囊括很多專業門類，卻沒有人去建立一個工科，或者理科的學科理論體系。而當時北大和北師大之所以提交藝術學理論體系建構的課題申請，跟學科的發展建設也有關系。比如，學校想要成立藝術學院，希望囊括電影、戲劇、舞蹈、音樂、美術、書法等一切藝術門類，但生源有限，老師也有限，有什么辦法可以把這些都統起來一塊教，讓學生什么都會，他們大概有這層考慮。

以上所講是我經歷中兩個印象比較深刻的點。

當時的情況跟國內高校學科結構和建制的歷史背景有關，我們現在的思考也都是基于這個背景，即中國高校在20世紀50年代進行的院系調整參照借鑒了蘇聯模式，而蘇聯模式其實源于歐洲高校的學科設置模式，一門一門的并列方式。比如今天我們所討論的“詩、書、畫”，在50年代以來中國高校的學科結構里是沒有的，因為這是中國本土的文化。所以，我們的學科結構，包括要解決的問題都有這樣一個國際化的歷史背景。西方的學科體系在世界上為大家所公認，無論中東、南美等，世界各國大學里面的學科基本都是這樣的分類方式。而至于由此衍生出來的一些問題，比如我國傳統中詩、書、畫是如何緊密聯系在一起的，為什么我們現在把這個傳統弄丟了，當前語境下能否重續這個傳統，以及如何重續，等等。這些問題值得我們深入思考。

對此，我雖然沒有系統探究過，但覺得圍繞中國傳統這樣一個角度和立場去展開確實是一條可以試探的路，這跟教育部的學科結構不太有直接的關聯性，可以回避因學科結構所造成的那些困惑。但是，我們反過來也要認真思考，中國傳統文化藝術中的詩、書、畫之間，那種緊密的相關性是在什么層面上相關，這是我們首先要在思路、邏輯上理清楚、想明白的問題。

從廣義的文藝理論來說，20世紀50年代以來我們把文藝作品分為形式和內容兩個部分。這兩個部分是我國近百年來最常用的、或者最普泛化的一種研究切入方式。比如，在評論中國畫或者油畫的時候，談論較多的是畫作的內容或形式，表現的內容可以相同，形式卻不同，油畫用的是油畫顏料這種形式，國畫用的是毛筆和墨。這種分辨在當下西方理論中恐怕都覺得過于粗糙，但在我們現在的語境中還是比較有效的，可以把兩個基本部分區分清楚。以今天的議題為例，如果討論其中的相互關聯性，我認為主要體現在內容方面，比如說詩所描寫的內容，同時也是畫所描寫的內容，和書法稍有不同，但是書法又和字、詞、句這樣的文字表達聯系在一起。所以，詩、書、畫三者之間至少在內容上有比較密切的關聯，但關聯程度不一樣，還可以細分，比如詩和畫關聯性就很密切，相比之下，詩和書關聯性稍微弱一點，但是書和畫關聯性又很密切。這是一個層面。

第二個層面就是廣義文藝理論的形式問題。形式到底有沒有關聯？相對而言，形式上的關聯也要細化。比如，詩的形式和畫的形式顯然是兩個領域，詩是由詞、句、章節組成，語言當然是其最典型的形式；畫是由筆墨構成的，屬于可視的形象性的語言形式，或者叫視覺形式語言，而且是視覺形式語言中以中國的筆墨工具所形成的一種獨特的、在世界上幾乎獨一無二的形式語言；書法也是一種形式語言，書法具有實用功能，寫出來的字馬就是馬、牛就是牛，除了實用功能以外，書寫過程中筆畫抑揚頓挫所留下的痕跡又具有語言性，書寫的字本身就是語言，但是這個語言不是書法的本體語言，書法的本體語言是抑揚頓挫、枯濕濃淡所形成的語言特征。所以，書的語言特征跟畫的語言特征有密切的關聯性，叫作“以書入畫”，現在也有藝術家說是“以畫入書”。但是，“以詩入畫”是語言上的關聯性還是內容上的關聯性呢？我認為“以詩入畫”主要是內容上的關聯性，主要體現在我國文藝理論中的審美境界層面，即意境和境界上的關聯性，這其中有很多話題可深入展開。詩和畫在表達人歡喜、愛慕、悲哀、寂寞的感情，以及在感情中所達到的意境和思想境界上，有密切的關聯性。相比而言，書法只與其中的一部分有關系，比如評論王羲之的字“龍跳天門、虎臥鳳闕”，這就是對書法意境和境界的形容，但這個形容跟詩和畫的境界、意境又很不一樣，其中也有關聯，只是比較抽象，王羲之沒有畫出龍跳天門，也沒有畫出虎臥在什么地方。所以，我認為我們要仔細分辨不同藝術門類、不同研究對象之間的相關性及它們的區分和界限，這也是學界目前應該做的事。實際上，事物和事物之間的關聯經常是三維的、立體的網絡狀，把這其中的相互關系理清楚是非常重要的。

西方的哲學、美學、文藝理論非常豐富，傳入中國一百多年以來，對我們的文藝影響巨大。我認為這影響絕不是負面的，而是正面的，否則我們不知道其他的文化脈搏、其他地域的文明為人類文明作出了什么貢獻。如果我們不了解世界性大范圍的發展和歷史，我們就不知道我們中華民族的文明成果處于什么位置。在引入、翻譯、詮釋做到一定程度的時候，我們確實應該回過頭來多看看自己的文化傳統，有哪些東西是可以再拿出來重新加以研究的，不能像20世紀初期那樣用比較激進的、簡單的方式把傳統一棍子打死。在這點上，我覺得現在的時機較好，國家非常重視傳統文化的研究、繼承和弘揚，給我們提供了一個非常好的大環境。但這件事情要做好，不能關起門來自說白話，要響應中央的號召，做好中國傳統文化研究這項意義重大的工作，同時要把對我國傳統文化的研究放在國際化的平臺上、國際化的背景中展開，這樣才知道我們自己所處的位置。劉勰在《文心雕龍·知音》中說：“圓照之象，務先博觀。”同樣的道理，如果我們不知道世界上有白種人、黑種人，就會偏執一隅，以為全世界都是黃種人，而只有了解到世界上的其他人種，才會知道原來我們只是其中的一種。這樣的自我了解和自我設定既不是否定自己的優越性，也不是把自己看得一無是處，而是助于我們更全面、整體、客觀地看待、分析、解決問題。

20世紀80年代中期，我曾在也是由中國藝術研究院召開的一場學術研討會上，提出以中國傳統和西方現代為兩端的中國藝術的一個整體格局的構想，當時我所著眼的是中國藝術之后幾十年的發展走向。在這樣一個可以預測的歷史時段中，我認為我們文藝界的一個基本格局應該是棗核形的一個形態，一個尖端是對中國傳統的深入研究，另一個尖端是對現代西方的深入研究，中間是一個交融互動的混融區域，這個區域很大，但是兩端比較小。所以，我提議要加強兩端的深入研究，只有這樣，中間的混融區域才能夠蓬勃發展，才會混融出各種各樣有意義的成果，如果兩端研究做不好，中間的混融成果一定是淺薄的。如今距當時的那場學術研討會，已四十年過去了，回頭再看，我依然認為這兩端研究是一個根本問題，也是我國文藝界最需要研究的重要課題。

現在有一個非常好的優勢環境，信息的獲得前所未有的便利，便利的程度是我們在幾十年前根本無法想象的。環境是新的，任務是新的，但是我們要做好，終歸要從腳下做起。

藝術理論畢業論文范文模板(二)：播音主持藝術理論與教學研究論文

摘要：本文分析播音主持藝術理論的基本要素及其發展現狀、播音主持教學過程中出現的問題及解決策略，對目前播音主持藝術理論與教學進行了探究。

關鍵詞：播音主持；藝術論；教學研究；創新

一、傳媒視角下播音主持藝術理論的基本要素

電視是現代傳遞信息非常重要的方式之一，電視傳媒在開展的過程中，如果想要獲得更高的認可程度和觀眾的喜愛程度，就應該對播音主持人藝術形象和主持風格進行管理。為了獲得更多的觀眾，播音主持需要保持自己良好的形象和氣質。當然，播音主持人的藝術形象應該和主持的節目風格具有非常重要的聯系，只有注重整體風格的協調統一，才能讓播音主持欄目在未來的發展過程中獲得更多的機遇。

同時，播音主持人自身的素質和人格魅力也是非常必要的。播音主持與其他傳播媒介相比是一種有聲的藝術，所以播音主持的語言技巧對藝術內涵來說也是非常重要的，良好的藝術形象和適當的語言技巧有利于播音主持模式整體的突出和統一。

二、播音主持藝術理論的發展現狀及創新

任何一個時代在發展的過程中都具有獨特的藝術傳播方式。如今人們對信息的渴求程度逐漸加深，播音主持行業為了適應人們的需求也在不斷地發展著，人們對播音主持工作行業的重視程度也在不斷提高。然而在近幾年的發展過程中，媒體的類型更加豐富，人們接收新聞和信息的方式也在不斷擴展，這種現象對于播音主持行業也有著非常巨大的影響。

在新時代的發展現狀之下，廣播媒體行業受到其他媒體方式的強烈沖擊，在傳承傳統播音主持藝術中精華的部分之外，--也需要對傳統播音主持藝術的方式進行創新，只有這樣才能在發展過程中謀求有利的條件。

首先應該對傳統的播音主持觀念進行革新。很多人在業余生活中想要獲取更多的媒體消息和新聞，大多數的觀眾更愿意選擇一些視覺沖擊力更強的媒體方式。這就需要播音主持專業的學習人員不斷地增強自身的素質，學習新媒體下播音的理念。以一個更加全新的形式給觀眾帶來享受。在發展的過程中，也應該對高校的播音主持專業人才進行著重培養，讓其認識到創新對這一行業來說的重要性。

播音主持的專業技巧和素質對+播音主持人來說是非常重要的，在日常訓練和學習的過程中需要注重積累，單純地對語言進行培養是無法達到當今社會需求的，需要對播音主持的播放風格和節奏進行更加全面的把控，只有這樣才能夠給觀眾帶來更加全新的體驗。

三、播音主持教學中存在的問題及解決策略

播音主持在廣播電臺行業和電視臺中都有著不可或缺的作用，播音主持在如今的發展過程中已經成為了一門獨立的學科，各大高校也在著重培養播音主持方面的人才，這個學科在近幾年的發展過程中已經獲得了大量的經驗和成果。然而面臨其他媒體種類對播音主持專業的沖擊，傳統的播音主持教學方法已經顯露出越來越多的不足之處。首先播音主持專業與其他教學專業相比存在著一定的獨特性，由于這個專業在實踐的過程中，對于專業的技能有著非常高的要求，所以在傳統的教學方案中，應該針對教學的計劃和教師的創造性思想進行更加全面的開發。對實際教學過程中出現的問題，我們應該制定更具有針對性的方案，可以看出如果是單純的參考普通院校的教學模式是無法達到播音與主持藝術專業的要求的。應該根據目前市場現狀的分析和我國經濟社會對播音主持專業發展的需求及就業現狀等幾個方面更加明確地確定播音主持專業的教學目的和主要內容。

播音主持專業在開展教學的過程中，需要進行有聲的語言進行訓練。每一個學生對語言的個體理解和感悟都是不同的，所以就需要課程在開展的過程中更加注重老師與學生之間的互動，同時高校的教師應該對學生整體學習情況和學習的進度進行全面的把控。

第5篇：藝術議論文范文

鈞瓷藝術的創新是一個豐富的內容，其中包含許多具體的方面，共同構成了鈞瓷藝術的創新內容，主要有以下幾個方面。

1.工藝的創新由于鈞瓷藝術獨特的釉料與創作特點，其在工藝方面的創新是相對較少的。鈞瓷藝術的燒制講求“入窯一色，出窯萬彩”，其在燒制后的窯變效果是其鈞瓷無雙的決定性因素。在漫長的發展歷史中，鈞瓷燒制工藝的創新在多個層面均有體現。首先，在燒窯的材料上由最初的柴燒到煤燒，從炭燒到氣燒，雖然這是技術發展所帶來的變化，但不同的燃料所帶來的燒制效果也是不同的。其次，隨著材料科學的進步發展，人們逐漸也把創新的目光放在了釉料上，利用現代化學的研究成果給鈞瓷釉料帶來新的內容。

2.造型的創新在創作觀念變化的影響下，鈞瓷藝術的造型創新成為其創新發展的主要內容。鈞瓷的造型能夠最為直觀地傳達出不同歷史時期的社會特點和文化背景。從唐代的雄渾到宋代的典雅、元代的粗獷到明清的秀麗，進入現代以后的鈞瓷造型在融合歷代造型的經典內容的基礎上，逐漸融入現代陶藝創作理念，進而形成了多元化發展的趨勢。而在造型設計的類別上也有了極大的豐富，其中有日常器皿的類型也有陳設觀賞的類型，既有傳統類的造型類別，又有異型化、概念化的造型類型。這是鈞瓷造型在漫長發展過程中不斷創新的成果，也給我們呈現了豐富多彩的鈞瓷藝術。

3.題材的創新鈞瓷藝術的創作題材，與時代特征具有緊密的聯系。這一領域直接受到社會發展的影響，其中有被動的原因也有鈞瓷本身主動發展的內容，發展為今天鈞瓷藝術題材傳統與現代并存的局面。在鈞瓷產生的早期，其題材主要來源于中國傳統文化中的象征要素，這是鈞瓷藝術本身的傳統文化內涵，并一直保留至今。隨著時代的發展與觀念的融合，現代社會文化中的題材逐漸進入鈞瓷藝術的創作中，從而豐富了鈞瓷創作的內容，造就了今日鈞瓷藝術的多姿多彩。

4.鈞瓷文化的創新鈞瓷藝術所包含的文化內涵原本只是觀賞、擺放的器物，除卻表現當時社會的文化屬性以外，也是人們精神寄托的一種載體。但在當代社會，任何一種藝術形式都不再僅僅包含其本身所具有的內涵，而是更具有延伸的諸多文化內容。鈞瓷不僅是一種藝術形態與造型形式了，而且成為極具發展與影響力的文化聚合體。其創新不單純集中在器物本身，而是作為一種文化形成了諸多有價值的現實拓展。上升到文化層面的鈞瓷藝術，具有了在諸多領域展現魅力的能力。鈞瓷的創作及其作品也不再是一種單純的創作活動，而成為了一種精神能量，具有了形成完整產業鏈條的條件。鈞瓷藝術的創新不可一概而論，在明晰了鈞瓷藝術的創新內容后，我們可以結合文化創意產業的條件，有針對性地思考鈞瓷藝術創新的方法。從中找出最為合適與恰當的方法，最有效益地提升鈞瓷藝術的價值。文化創意產業對各藝術門類的促進具有一定的普遍性，而不同的文化藝術門類，也有自身的特定條件與特點，只有最符合鈞瓷藝術特點的產業條件才是最恰當的。

二、文化創意視域下鈞瓷藝術創新的方法

面對著當今發展迅速的社會環境，鈞瓷藝術的發展面臨著新的局面，也有了新的要求。選擇以文化創意的條件作為鈞瓷藝術創新的方法來源，就是要借助文化創意產業在運作模式與創新機制方面的優勢，最大限度地展現鈞瓷藝術所具有文化內涵的魅力，來促進鈞瓷藝術在新時期更好地傳承與創新。作為傳統文化與現代產業形式的結合，我們首先需要處理好一個關鍵的問題，就是創新與傳承的平衡。以鈞瓷藝術的傳統內涵為基礎，借助文化創意產業獨有的創意運作方式來進行鈞瓷藝術的創新。這并非是一個簡單的取精華去糟粕的過程，而是構建一種全新的文化發展模式，同時也是一個不斷改造更新、運用新內涵追趕時代精神的過程。通過對文化創意產業條件的分析以及對鈞瓷藝術創新內容的梳理，我們嘗試性地思考了鈞瓷藝術的創新方法，具體總結如下。

（一）從時代性的視角思考鈞瓷造型的創新從運作方式上講，文化創意產業有效發掘各種文化資源的特色，然后借助現有先進技術作為表現手段，實現最終的產業經營與發展。得益于信息化時代快速發展的文化創意產業，具有強烈的時代性特征。在文化創意產業的條件下考慮鈞瓷藝術的創新，能夠更好地把握鈞瓷藝術與當今時代的關系，突出鈞瓷藝術的時代性。時代性視角下，鈞瓷藝術創新并非是單純使其成為一種暢銷的商品，當今社會物質消費的極大豐富，使人們對于文化藝術產生了更為強烈的消費欲望。在這樣的條件下，鈞瓷藝術的創新更應該突出文化內涵，既作為傳統文化的載體，又作為當代文化傳播的載體，這也是鈞瓷藝術新價值的體現。

（二）把新的創意創作方式融入鈞瓷藝術創新的體系鈞瓷藝術需要通過把握時展趨勢以及挖掘時代精神，來實現鈞瓷文化與鈞瓷表現形式兩個方面的創新。鈞瓷文化的創新在于利用產業化發展的優勢，拓展鈞瓷藝術的文化內涵，擴大鈞瓷藝術的影響力，從而借助好的創意方式與條件，開拓出更大的市場，為鈞瓷藝術的產業化發展創造可能。鈞瓷表現形式的創新，主要體現在鈞瓷造型創新、題材創新等方面，重點在于有助于造就出具有創意的，貼近時代、貼近群眾生活的獨創性作品。文化創意產業的創意創新體系具有多樣化、多層次、多渠道的特點，能夠給鈞瓷藝術從造型到題材的創意性表現產生巨大的影響。

第6篇：藝術議論文范文

隨著當今世界全球化的快速發展，帶有民族文化氣息的傳統工藝美術文化被更多的人提到了繼承和保護的日程上。“民族的才是世界的”成為響徹大街小巷的口號。在歷史長河中，深厚的文化底蘊奔流在悠久的時光中。從藝術的分類來看，傳統工藝美術的范疇非常廣，對建筑設計、服裝服飾等都有所涉及。這些元素，單拿出任何一個都是傳統藝術留給人們的文化瑰寶，帶給人們深遠的余味，足以讓觀賞者有“繞梁三日”的深切感受。傳統工藝美術是我國非物質文化遺產的重要組成部分，屬于非物質文化遺產十大門類中的民間美術與傳統手工技藝，是一種活態的歷史文化資源。從現代創意方面來講，它是一種迎合現代社會發展所產生的精神實踐，是面對當今消費市場的創意產業鏈條。由此可見，傳統工藝美術與現代創意的高度結合是現代藝術設計領域必須面對的課題。

1.傳統工藝美術與現代創意的發展和傳承

需要規范由于市場經濟的推動，廣闊的消費市場使傳統工藝美術得到了優化升級和高效利用。但從工藝美術的發展情況來看，雖然它的適應能力大大提高，卻仍然有一些問題有待解決。傳統工藝美術的發展和完善需要時間和經驗的積累，以及政策環境、法律規范的保障。由于經濟利益的推動，一些人忽視了工藝美術作品的質量問題，打著“創新”的名號進行劣質的模仿，對傳統工藝的形象和價值產生了負面影響。如，在天津楊柳青年畫的正品門店銷售中，一張2開純手工繪制的傳統年畫價值為800～3000元，而部分假冒偽劣產品只要50～200元。其實，傳統的年畫需要制作人員進行長達數十道工序的手工繪制和加工。有些商家利用印刷的方法，仿制出外觀與正品極其相似的復制品，降低價格，嚴重打擊了傳統工藝美術創作人員的積極性。即使有一些新穎、具有實踐性的設計理念也沒能得到很好的利用，不能在有效的時間內做好市場調配，長此以往，不規范的工藝市場會降低產品質量。因此，相關知識產權的保護有待增強。

2.傳統工藝美術與現代創意的市場定位不明

晰人們常說“藝術源于生活而高于生活”，指的是在創作工藝美術產品時，相關的設計需要呈現日常生活中所看不到的驚艷創意。創作人員通過大膽創新，帶給人視覺沖擊力和設計美感。在市場經濟條件下，傳統工藝美術的發展和傳承需要更加貼近生活。傳統工藝美術的消費市場有著重要的發展特點。傳統工藝美術普遍符合不同性別、不同年齡的大眾審美，對消費層次的區別并不明顯。但是，長久不更新的產品會讓人們產生乏味的感覺，固守陳規就不能更好地擴大消費市場。為了加強傳統工藝美術的創新，應該對工藝美術產品進行現代化的創意、升級和研發，以便迎合地區差異、文化差異所造成供求關系的變化。

3.傳統工藝美術與現代創意設計

結合的人才培養為了更好地傳承和發揚傳統工藝美術，需要對該項目的人才進行大規模的培養。從傳統工藝美術的大趨勢上看，由于小作坊、家族式的創造規模所限，很多項技藝在一代代口口相傳中流失。很多年輕人也看到了這樣的情況，想參與到傳統工藝的隊伍中卻又無門可循。這些受過高等教育的藝術類人才，是傳統美術工藝與現代創意設計的絕佳結合。對設計創意類人才的培養需要進行相關的專業培訓。年輕人思想活躍，個性獨特，想法新穎，掌握了現代科技和產業知識，是建筑設計、服裝設計、工藝品設計的領頭軍。現代創意的價值在于其并非天馬行空的想象，而是建立在深厚理論基礎上的創新。加強創意設計的人才培養需要系統性的規范。

二、加強傳統工藝美術與現代創意結合的相關策略

為了使傳統工藝的運用能夠更加廣泛，要組建相關設計文化創意產業。從根本上說，文化創意產業成為我國著力發展的高端產業，也為中國的傳統工藝美術行業提供了重要的發展機遇和廣闊的發展空間。為了加強傳統工藝美術與現代創意的相關結合，可以從模式改革、技術創意、人才強化幾方面進行改革。

1.規范傳統工藝美術與現代創意融合的措施

在傳統工藝美術發展的過程中，要利用先進的科學技術加大傳統工藝產品的科技含量。廣大相關工作者要積極主動地引導企業產品的研發與設計，從而不斷改進產品的適應范圍。規范傳統工藝美術的生產和設計，不僅能夠促使企業進行積極主動的產品研發，還可以利用先進的科技占領市場的銷售份額。企業在提高自身產品質量的同時可加大生產力度，對于保護和繼承傳統工藝美術、保護文化知識產權，形成嚴謹的市場規范非常必要。如，在蘇繡的生產中，手工的繡品固然受到大眾歡迎，但是相對高額的造價、較長的生產周期使其漸漸無法滿足注重效率的現代社會的需求。在一些大型的蘇繡生產廠家，廠方應用了大型機械和計算機操作程序，對產品的前期設計、配色、配圖、配線進行機械操作。這樣一方面大大節省了前期不必要的人工費用，另一方面在不影響產品質量的情況下加快了產品的生產效率。只有對產品自身進行深刻認識，才能對市場具有精準的定位。

2.豐富傳統工藝美術的創意文化基因

傳統工藝美術與現代創意的結合具有重要的意義。對傳統工藝品的創意，為現代設計、工藝跨界的創意提供了更廣闊的方向。如，將手工生產的方式方法擴大，從而符合不斷發展的現代生產和營銷的個性化風格，不斷滿足現代人對文化和藝術享受的各項要求。在這樣的設計和改革中，還可以參考國內外系列傳統工藝美術的案例，如朝鮮族繪畫、日本的陶俑等。文化創意產業成為我國著力發展的高端產業，也為中國的傳統工藝美術行業提供了重要的發展機遇和廣闊的發展空間。為了豐富傳統工藝美術的創意基因，對材料的選擇應該適當改進。如，廣州的牙雕原本是用珍貴的象牙雕刻，可是象牙在我國禁止銷售，廣州牙雕藝人改變了雕刻材料，使用質地較為相似的動物骨頭，一方面解決了材料來源的問題，另一方面逐步提升了這一傳統工藝的表現力，在這個基礎上創造出了不同款式的雕刻產品，擴大了自身的影響力。融入現代創意豐富了傳統工藝美術的文化氛圍，使工藝美術內部之間的交流和跨界更加融洽。

3.培養扎實的專業復合型人才

當今，人才的培養是發展傳統工藝美術的重中之重。為了將傳統文化發揚光大，對人才的培養要提到工作日程上。傳統工藝美術人才的培養需要政府、學校的共同努力，從而形成濃厚的設計氛圍。培養扎實的專業復合型人才更需要建立精簡的教育項目，相關教育部門和機構應該出臺一些政策和措施，以應對市場的人才需求。

三、對傳統工藝美術融合時代創新的幾點啟示

1.堅持進行適當的手工原創傳統

工藝美術本質上是人們生活生產實踐的產物，起到了美化生活的作用。一方面，傳統工藝美術是生活的必需品，起到了生活工具的重要作用。另一方面，這些實踐物品也具有強大的裝飾作用，為裝飾家庭環境提供了良好的輔助。傳統工藝品要具有產品的文化性、歷史性和情感性。傳統文化的手工特點決定了它的獨特性、創造性，同時它兼具了地域特點和人文特點。在普及機械化制造的今天，傳統手工業被逐漸替代，手工創作的溫情也逐漸消失。為了保護手工原創的設計，在時展的歷程中，創作者應該不斷加強創新，堅持適度的手工原創，守護手工藝術的獨特發展，使其散發特有的魅力。

2.將傳統工藝美術設計

融入日常生活將傳統工藝美術融入生活，并進行有效的創造，才能保持原有的意味。在對傳統工藝美術進行創意發展的過程中，把握企業改革和創新的度非常重要，不能背離傳統文化的本質精髓，從價值觀念和道德情感上進行顛覆。創作者應取長補短，創造出適應現代生活的藝術之美。工藝美術是一門綜合類造型藝術，將傳統工藝美術設計融入生活需要遵循藝術的發展規律，充分重視材料應用和技術創新。尤其是一些現代風格濃厚的家具設計、室內設計，要不斷融入傳統文化的深刻內涵，運用新的思路、新的方法、新的材料進行各種樣式的創新。一些本土的工藝美術加工機構在自身的藝術轉型中獲得了很大的成功。如浙江黃巖工藝美術，經過了十多年的發展，逐步實現了傳統工藝和現代工藝的高效結合。這種“1＋1＞2”的絕佳融合實現了文化元素的多項互補，在提倡中國優秀的傳統手工藝的同時，重視產品的時尚發展和創新。在項目研發中，傳統工藝美術需要運用精巧的工藝技術征服大眾，用現代的設計美感刺激人們的消費欲望。在這樣的項目發展中，轉型成功的案例比比皆是。如，山東絹人的制作中不乏繁瑣復雜的工藝過程，為了實現絹人玩偶的規范生產，相關責任人對絹人的制作進行了現代化經營。在模型初始階段，進行流水化作業，在鑲嵌掐絲等工藝上去繁就簡，轉變成更符合現代化審美的生產。為了使傳統工藝美術產品得到繼承和發揚，需要從不同的角度進行全面掌握，使傳統文化走向現代化發展的大舞臺。

四、總結

第7篇：藝術議論文范文

在紛繁復雜，瞬息萬變的當今時代，人們的生活環境已經被各種各樣的信息覆蓋，有文字、聲音、視聽、音樂、圖片等等，在科技與信息高速發達的社會里，變化無處不有，無處不在，傳統的藝術形式形態受到了前所未有的挑戰。有一些藝術種類與時俱進，在傳統的基礎上，吸收現代科技元素，兼容并蓄，蛻變成具有傳統與現代相結合的藝術形態，適應當今社會需求的藝術作品。

攝影作為一門新興的藝術形式，在藝術世界的王國里，它有獨特的藝術魅力所在。攝影具有科學性以及藝術性，也就是說攝影首先依賴的是科學技術（攝影設備），進行拍攝，但是，所拍攝的內容則具有提煉生活表象的藝術（創意創新）作品。攝影藝術是一門視覺藝術，是憑借圖片內容給人以欣賞的藝術。它與繪畫有相似之處而又不等同于繪畫，攝影與繪畫的區別在于作品的表現和反映的內容不同。畫家根據生活現實景致作為參考依據，加上自己對生活的理解和感受，可以自由地發揮和改變，所創作出的作品一定是在生活的基礎上融入畫家的主觀意識的藝術作品。攝影則不同，攝影必須是客觀地反映現實，再現事實，這就是攝影的基本特征。但這也不是說攝影作品中就沒有藝術性了，相反，攝影作品的優劣取決與攝影師的技術水平，藝術修養和高超的觀察能力。一幅攝影作品，拍攝的角度選擇，光影效果的選擇，瞬間的把握，聚焦的控制等等因素決定于這幅作品的藝術水準。所以說，攝影具有技術性和藝術性的融會貫通。現實的景物被攝影只是它所給予人們的是視覺的再現事實，而藝術攝影是一種表現生活、超越生活的表現形式，是以主體意識把攝影作為一種藝術手段進行創作，以抒發個體的感情，表達個體對生活的感受，并把自己的觀念和藝術風格融入作品當中。攝影不是對生活原貌的簡單復制，而是把自己的思想和對藝術的理解融入攝影作品之中，所以，攝影就不單單是一種技術，而是一種藝術創作，這種技術和藝術的相互融合統一，就是藝術作品的最終完美體現。攝影藝術關鍵之處在于“創意”。有人說，創意是攝影的靈魂。這句話在我的藝術實踐中感觸頗深，在以往的攝影經歷過程中，每一次無不被攝影作品的單調、重復、呆板和陳舊所困擾。要想創新和出新必須在攝影作品中有一個好的創意，要有一個好的主題、好的構思，好的角度，來表現攝影的內在含義，給人以耳目一新，別開生面的感覺，進而體會作品所表達內容的感受，潛移默化地傳達作品的寓意所在。創意至關重要，創意也包含了創新，二者缺一不可。

如何能夠把自己的攝影作品脫穎而出，引起人們的關注，我想就是在創意和創新上下功夫。1.要突出攝影作品的主題，首先立意要深，攝影創意要注重想象力和創造力的發揮應用。創意就是開拓和創新，攝影的創意一定要做到：“人人心中有，人人筆下無”的思想內涵。所構思的攝影作品標新立異，獨出心裁。這樣才能達到立意深刻，創意獨特，與眾不同。2.攝影的畫面要創新，一幅好的攝影作品要達到以下幾個要素：吸引力、沖擊力、震撼力，攝影作品的構圖設計一定要出其不意，讓人們意想不到，在情理之中又在意料之外，這樣就能收到意想不到的效果。3.創新表現形式，手法新穎，別具一格。攝影是一門技術和藝術的結合體，在每一幅攝影作品中都離不開這兩點，在攝影過程中，一定要掌握好技術手段，掌握最先進的科技技術，利用角度的選擇，光影效果處理，畫面的取舍，突出的景致或人物，瞬間的拍攝，這一切都要靠技術手段完成。做好這一切是攝影作品的一部分。當攝影作品呈現時，人們在欣賞作品的畫面美麗精致之余，要揣摩攝影作品的思想內容和藝術審美。也會在作品中發現攝影師的藝術個性、審美取向、思想內涵等等。

綜上所述，創意是攝影作品的靈魂，創新是攝影作品的技術手段和表現形式，只有通過二者的結合融會貫通地體現在攝影作品中，才能達到理想的效果。

作者：楊志宏

第8篇：藝術議論文范文

在紛繁復雜，瞬息萬變的當今時代，人們的生活環境已經被各種各樣的信息覆蓋，有文字、聲音、視聽、音樂、圖片等等，在科技與信息高速發達的社會里，變化無處不有，無處不在，傳統的藝術形式形態受到了前所未有的挑戰。有一些藝術種類與時俱進，在傳統的基礎上，吸收現代科技元素，兼容并蓄，蛻變成具有傳統與現代相結合的藝術形態，適應當今社會需求的藝術作品。

攝影作為一門新興的藝術形式，在藝術世界的王國里，它有獨特的藝術魅力所在。攝影具有科學性以及藝術性，也就是說攝影首先依賴的是科學技術（攝影設備），進行拍攝，但是，所拍攝的內容則具有提煉生活表象的藝術（創意創新）作品。攝影藝術是一門視覺藝術，是憑借圖片內容給人以欣賞的藝術。它與繪畫有相似之處而又不等同于繪畫，攝影與繪畫的區別在于作品的表現和反映的內容不同。畫家根據生活現實景致作為參考依據，加上自己對生活的理解和感受，可以自由地發揮和改變，所創作出的作品一定是在生活的基礎上融入畫家的主觀意識的藝術作品。攝影則不同，攝影必須是客觀地反映現實，再現事實，這就是攝影的基本特征。但這也不是說攝影作品中就沒有藝術性了，相反，攝影作品的優劣取決與攝影師的技術水平，藝術修養和高超的觀察能力。一幅攝影作品，拍攝的角度選擇，光影效果的選擇，瞬間的把握，聚焦的控制等等因素決定于這幅作品的藝術水準。所以說，攝影具有技術性和藝術性的融會貫通。現實的景物被攝影只是它所給予人們的是視覺的再現事實，而藝術攝影是一種表現生活、超越生活的表現形式，是以主體意識把攝影作為一種藝術手段進行創作，以抒發個體的感情，表達個體對生活的感受，并把自己的觀念和藝術風格融入作品當中。攝影不是對生活原貌的簡單復制，而是把自己的思想和對藝術的理解融入攝影作品之中，所以，攝影就不單單是一種技術，而是一種藝術創作，這種技術和藝術的相互融合統一，就是藝術作品的最終完美體現。攝影藝術關鍵之處在于“創意”。有人說，創意是攝影的靈魂。這句話在我的藝術實踐中感觸頗深，在以往的攝影經歷過程中，每一次無不被攝影作品的單調、重復、呆板和陳舊所困擾。要想創新和出新必須在攝影作品中有一個好的創意，要有一個好的主題、好的構思，好的角度，來表現攝影的內在含義，給人以耳目一新，別開生面的感覺，進而體會作品所表達內容的感受，潛移默化地傳達作品的寓意所在。創意至關重要，創意也包含了創新，二者缺一不可。

如何能夠把自己的攝影作品脫穎而出，引起人們的關注，我想就是在創意和創新上下功夫。1.要突出攝影作品的主題，首先立意要深，攝影創意要注重想象力和創造力的發揮應用。創意就是開拓和創新，攝影的創意一定要做到：“人人心中有，人人筆下無”的思想內涵。所構思的攝影作品標新立異，獨出心裁。這樣才能達到立意深刻，創意獨特，與眾不同。2.攝影的畫面要創新，一幅好的攝影作品要達到以下幾個要素：吸引力、沖擊力、震撼力，攝影作品的構圖設計一定要出其不意，讓人們意想不到，在情理之中又在意料之外，這樣就能收到意想不到的效果。3.創新表現形式，手法新穎，別具一格。攝影是一門技術和藝術的結合體，在每一幅攝影作品中都離不開這兩點，在攝影過程中，一定要掌握好技術手段，掌握最先進的科技技術，利用角度的選擇，光影效果處理，畫面的取舍，突出的景致或人物，瞬間的拍攝，這一切都要靠技術手段完成。做好這一切是攝影作品的一部分。當攝影作品呈現時，人們在欣賞作品的畫面美麗精致之余，要揣摩攝影作品的思想內容和藝術審美。也會在作品中發現攝影師的藝術個性、審美取向、思想內涵等等。

綜上所述，創意是攝影作品的靈魂，創新是攝影作品的技術手段和表現形式，只有通過二者的結合融會貫通地體現在攝影作品中，才能達到理想的效果。

作者：楊志宏

第9篇：藝術議論文范文

國外阿爾比研究主要針對阿爾比戲劇中的主題、人物、語言、戲劇形式及表演等方面，從荒誕派戲劇、人文主義、自然主義、存在主義等視角進行探討。馬丁•艾瑟林考察了《動物園的故事》和《美國夢》中的荒誕性，把阿爾比歸為美國荒誕派戲劇的代表；而克里斯托芬•比格斯比則認為，盡管阿爾比采用了許多荒誕派手法，但他卻超越了荒誕派，賦予了劇中人物一種自由主義的人文關懷；麥克•魯騰伯格認為阿爾比是社會革命家，他的戲劇是對動蕩的20世紀六七十年代的美國社會的回應和抗議。當代的評論家則將阿爾比置于更廣闊的世界舞臺上去審視阿爾比戲劇中的宗教、倫理、道德和人際關系、社會責任。國內阿爾比研究開始于本世紀初，散見于美國文學史、美國戲劇史或文集的部分介紹性的章節之中。除此之外，有十幾篇碩博論文和期刊文章詳細探討了《動物園的故事》和《誰害怕弗吉尼亞•伍爾夫？》中的荒誕派手法和存在主義主題。至今，國內尚未有專著對阿爾比及其劇作，尤其是中、后期劇作進行系統的研究。與尤金•奧尼爾、田納西•威廉姆斯和阿瑟•米勒相比，國內學者確實怠慢了阿爾比，并未對其做深入、系統的研究。

二、阿爾比的戲劇藝術

阿爾比對戲劇創作并沒有發表過系統的理論和觀點，他的理念散見于評論和采訪之中。他曾經在《箱子和主席語錄》的序言中澄明了他的戲劇創作理念：“一個劇作家……有兩種責任：一是探討‘人’的生存狀態；二是探討他所從事的藝術形式的本質。在這兩方面，他都必須嘗試著改變。在第一個方面，很少有嚴肅的戲劇會贊美人的生存現狀，因而劇作家應努力去改變現狀；而在第二個方面，藝術必須向前進，否則就會枯萎、凋謝，因而劇作家應努力革新先驅們早已付諸實踐的藝術形式。”阿爾比的戲劇創作實踐正是圍繞著人和藝術兩個方面展開的。

（一）探討人的另類向度在探討人的方面，阿爾比與貝克特不同，前者強調人的生存狀態是人自由選擇的結果，打破幻想、勇敢面對現實就有獲得救贖的希望，而后者強調人的生存境況的荒誕和無意義，人處于一種無從選擇的絕望境地。如果說貝克特想要喚醒的是人的痛苦意識，那么阿爾比則是想要喚醒人的生存意識，這也是貝克特戲劇與阿爾比戲劇的不同之處。阿爾比戲劇關注的多是美國后工業時代中缺乏生存意識的人，這與赫伯特•馬爾庫塞所描寫的“單向度的人”不謀而合，這種“單向度的人”，即“喪失否定、批判和超越的能力的人，這樣的人不僅不再有能力與追求，甚至也不再有能力去想象與現實生活不同的另一種生活”。《動物園的故事》中的彼得、《誰害怕弗吉尼亞？》中的喬治等都體現了在社會中喪失否定、批判和超越能力的人。阿爾比認為，現代人應打破后工業社會強加的意識形態，直面現實、尋求溝通、拒絕單向度的意識形態，提倡否定性思維，這樣人才算有意識地活著，才有獲得救贖的可能。阿爾比用他冷靜的思考，書寫了樂觀的生存哲學，即通過戲劇人物的生存境況來激發人的生存意識。敢于打破幻想，直面現實，創造聯系，尋求溝通，既體現了人的尊嚴和能動性，也體現了人的生存狀態的另類向度或可能性。

（二）探討戲劇藝術的另類向度在藝術方面，阿爾比對戲劇的發展和革新負有強烈的使命感，他竭力通過各種實驗戲劇撼醒沉睡中的美國戲劇，為美國戲劇舞臺注入活力。阿爾比的戲劇創作在挑釁人的生存意識的同時，也在挑釁彌漫于美另類向度———論愛德華•阿爾比的戲劇藝術及其在中國舞臺上的改編袁家麗南京林業大學外國語學院主題。古往今來，千百個愛情故事訴說著戀人間的寸斷衷腸，千百段悠揚旋律吟唱著愛情的癡迷。如上文提到的《旗袍》，主人公戀著那穿旗袍的女子，愿生生世世與之相會，朝朝暮暮。《蜀繡》中，繡娘將對丈夫的思戀融在那一針一線中，將千千萬萬“剪不斷，理還亂”的愁緒埋藏在華麗的蜀繡中，期待錦帕能成為夫妻間的鴻雁。流行歌曲中蘊涵的“家國”“懷舊”“愛情”情感繼承了器物文化所表達的文化內涵，使人們在歌曲的傳唱中領略傳統文化的魅力。

三、藝術表現：樂器•唱腔•服飾