中國美術論文精選(九篇)

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第1篇：中國美術論文范文

至于戲劇演出，由于戲劇是綜合藝術，由非常復雜多樣的各門藝術所組成，因此演出形式更是千變萬化。縱觀幾千年的演藝史，就是各種演出形式的不斷更迭變換的歷史。而現代演出的形式趨向于多樣化，不僅歷史上所使用過的各種形式都在使用，而且層出不窮地追求新的演出形式，標新立異，出奇制勝。對于形式的研究在世界各國已成為了一種時髦。舞臺已不再滿足于現實生活的復制，而要求更多的藝術加工和處理，使每一個戲都有它特有的表現形式，對觀眾具有更大的感染力和說服力。

舞臺布景有著它獨特的藝術語言，不再完全依賴于繪畫手段。各種新思想、新技術，被運用到舞臺上來。新的物質材料取代了木框蒙布的傳統布景方法。塑料、有機玻璃、玻璃鋼、鉛皮、銅片、金屬結構等，以它們特有的質感，直接與觀眾見面。而各種投映景的運用又使戲劇演出的形式活躍和富于變化。觀眾正是通過各種布景所給予的視覺信息，激發想象，加深感受。現代的舞臺美術應更多地運用形式感，在觀眾中引起一定的情緒反應，使戲劇演出達到預期的藝術效果。

在藝術創作中，一定的內容決定一定的形式。WWW.133229.coM形式受內容制約，內容又必須通過形式來表達。而在一定條件下，形式也可以反過來作用于內容，甚至在創作中起決定性的作用。形式本身也具有一定的審美價值。

為什么一個劇本可以有許多種不同的布景設計，而在戲劇舞臺上，同一形式又可以適應于許多個不同戲劇的演出呢？前者是一個內容可以用多種形式來表達，后者則是許多個內容可以用一種形式來表達。

中國戲曲舞臺演出是程式化的。一桌二椅，城片火旗，約定俗成，可以適用于許多不同劇目的演出。這些砌末道具本身也具有了一定的審美價值，有它相對的獨立性。同一組城片，可以演《空城計》，也可以演《古城會》。戲劇的內容不同，所使用的布景形式卻是相同的。猶如寶石，既可雕琢成人物，也可雕琢成花鳥果品，外形不同，而寶玉本身的晶瑩的美質是相同的。

舞臺美術家的任務是要創造戲劇演出的外部形式，它不是圖解，而是以劇本創造為基礎的一種再創造。他要在與導演和演員的合作中力圖體現劇作的思想，創造與之相適應的富有表現力的形式。這個工作常常要求藝術家付出艱巨的勞動，以旺盛的精力和堅毅的意志來努力完成。

第2篇：中國美術論文范文

關 鍵 詞：意象　中西異同　精神實質　風格特征

什么是意象？簡單地說，意象就是寓“意”之“象”，就是用來寄托主觀情思的客觀物象。意象理論在中國起源很早，《周易》已有“觀物取象”“立象以盡意”之說。不過，《周易》之象是卦象，是符號，是以陽爻陰爻配合而成的試圖概括世間萬事萬物的六十四種符號，屬于哲學范疇。繪畫上借用并引申之，“立象以盡意”的原則未變，但畫中之“象”已不是卦象，而是抽象的符號或者具體可感的物象。

在人類藝術發萌之初，東西方藝術表現形式十分相似。中國諸多巖畫與西班牙、法國等國的早期洞窟壁畫都能找到共同點，在手法上都使用了“意象”“象征”，有意識地運用繪畫符號記錄社會活動場景。由于各自的歷史原因，東西方藝術逐漸分道揚鑣。西方科學發展導致了繪畫藝術以解剖學、透視學、光學、色彩學、心理學為主的以寫實主義為核心藝術的產生，直到文藝復興之后才逐步產生出印象派、立體派等藝術畫派。而在中國，受著倫理、哲學、宗教諸多的影響，繪畫藝術步入了更高層面的意象主義軌道。

一

中國繪畫藝術，是在中國特有的歷史條件、社會生活、文化氛圍內產生、成長、壯大的獨特藝術形式，其創作思路、形式是以意象為重要核心的形神兼備的表現藝術。wWw.133229.cOm不管中國歷代的審美和繪畫技術差異有多么大，中國繪畫始終沒有偏離意象的軌道。形象塑造的意象性，可以說是中國繪畫最本質的要求。在構圖上有散點透視之形，在意境上有氣韻生動之說，從而產生“形神”關系之理，它在人物畫上表現為身心的關系；在山水畫上表現為天人的關系；在花鳥畫上表現為物我的關系。以至所有中國畫的傳世佳作都能達到其他畫種難以追求的空靈境界。

佳作誕生之前必有其雄厚的歷史文化根基，中國的畫家從儒釋道中吸取大量精髓又從繪畫作品中反映出來。孔子在《論語·雍儒》中言“智者樂水，仁者樂山”，這種把道德觀念與自然景物的欣賞聯系起來的說法，尤其對后世士大夫畫家的審美思想產生極大影響。文人畫家將這一觀點發展為“仁智者樂山樂水”，后發展為“樂山水者必為仁智者”，從而為儒家既有山林隱逸思想而又并不排除其“仁智”的品德與情操找到了根據，為意象藝術發展提供了更大的空間。老子有言“大音稀聲、大象無形”。他的所謂“大象”，就是他作為“道”的別名，道就是自然之道，也就是從客觀存在里綜合得出的真理。一切思想意識與學術文化都淵源于客觀存在，繪畫藝術也包括在內。但“大象”畢竟涉及到客觀存在的可聞之聲、可視之象與自然之理。所以，他的所謂“大象”，當指客觀世界上可視與不可視的一個整體。這個整體是抽象的也是概念的。所以，詩人就可“以意寫象”，畫家就可以“以形寫神”。所以說“大象無形”，正是為中國文人畫家作畫重“意象”找到了有力的理論依據。類似的根據還有如“大巧若拙”等。謝赫的《古畫品錄》以六法的標準系統地評點繪畫。謝赫將“氣韻生動”推為六法之首，充分說明謝赫推崇“意象”在繪畫中的地位。氣韻就是顧愷之所說的神似，謝赫自己也稱氣韻為神韻。謝赫時代的繪畫主要是肖像畫和人物故事畫，氣韻的本義是因人物的精神氣質而生動。后來，氣韻生動的范圍擴展到山水、花鳥等各種題材的繪畫，并且成為整個繪畫藝術性的一種衡量標準，甚至筆墨效果也包括在內。同時，如果沒有意象藝術的思潮存在，氣韻生動的含義也很難得到發展。

意象藝術的特點是“立意造像”。在具象藝術中由于透視學的限制，光、形就是一切，一切都很符合形的要求。而意象造型中的“象”，不僅是形，而是受中國傳統文化影響藏有深刻的含意，是象中有意、意中生象，立象盡意。中國繪畫的意象表現為“似與似不似之間”，目的是完成“不似之似似之”的一種作品的內在“神似”，這種“神似”僅僅只是繪畫作品的一種表現與表象，一種畫家的理念上的技法再現而已。要使作品內涵真正達到完美的“神”的境界，還需要畫家注入自身內在的豐滿的精神，以求“意”的最高境界。

傳統上意象藝術的中國畫，通常注重的是“身心”“天人”“物我”的關系，而欠缺的是揭示事物的本質所在。現代中國繪畫正以寬容的姿態和更開闊的視野注視、吸收世界各國的藝術表現形式，然而中國的繪畫必須蘊藏中國的人文哲學思想，必須注重博大空靈，必須注重民族文化精髓，必須努力通過學習和反思，不斷體驗生活，以畫家獨有的靈感去捕捉現代文明給予的啟示，并堅持中國特色的藝術傳統，不斷總結，才能使當代中國畫藝術在人類文明寶座中閃出燦爛的光芒。以中國第一代油畫大師的風景畫為例來說，李鐵夫的求實、徐悲鴻的規矩、顏文的嚴謹、林風眠的隨意、吳冠中的抒情等等也都各具特色。許多美術家都喜歡說，藝術中的民族情感和趣味對藝術家來說是與生俱來的，不論藝術家自覺追求與否。

中國畫技法的核心是筆墨，不講究筆墨也就丟掉了中國畫基本的藝術語言。南朝謝赫在“六法”中講到“氣韻生動”為筆墨的最高境界。筆墨有一定的獨立審美因素，有抽象因素，但不是純抽象，筆墨與表現形象有機結合，創造意象，正是中國畫特色。西方繪畫中講究構成的方法，是從建筑中得到的啟示，可以增強畫面的整體感和力度，是筆墨所達不到的，也是中國畫應吸取的積極因素。因此，將筆墨與制作相結合，就可以大大增強藝術感染力。中國畫的筆墨處處都流淌著畫家情感的軌跡，是情感的一種張揚。用線寫形是中國人物畫造型最主要的課題，即使是畫人物小品的沒骨法也要有以線造型的基礎。“遺貌取神”“形神兼備”“傳神”是中國人物畫的最高標準，特別是文人畫成為中國畫的主流，更重主觀表現和情感抒發。在筆墨運用中以“骨法用筆”為核心，強調書畫同源、以書法入畫，重在一個“寫”字，而不是“描”，也不是“涂”。“寫”——正是情感的張揚和心靈的軌跡，文人畫將這種藝術實踐的體會總結到相當高度。西方的許多現代繪畫大師也是從東方藝術中悟到了這點。

二

西方油畫的風格樣式和技法語言多種多樣，神采各異。如意大利的古典、德國的凝重、法國的優雅、西班牙的瀟灑、英國的朦朧等等。因藝術家個人的藝術修養和性格愛好不同，畫風及志趣也各有風貌。筆者以為要擴大繪畫的外延可借助抽象藝術的表現形式。1942年在紐約古今漢美術館舉行“抽象藝術大師聯展”的目錄中有人寫到：“抽象藝術的造形包含了藝術家的生活直覺，是不受具體外表約束的自由發揮。”抽象藝術的實質注重的是直覺與造形，是事物在人腦里的印象，通過色彩、線條的構成或即興生成的藝術，是藝術家精神世界的隨機表現的藝術形式。如具有東方血統的康定斯基畫了大量的以“構成”“即興”為標題的抽象畫，作品以豐富色彩喚起人們精神性的感受，以及富于音樂性的協調之感。

盡管抽象藝術最早源于中國，但西方抽象藝術與中國的抽象藝術以及意象藝術在理念上有著很大的區別。中國的抽象藝術主要表現在中國書法上，最早的漢字甲骨文、金文通過結構的疏密、點畫的輕重、行舉的緩急把象形的圖畫模式逐漸變為純粹化的抽象的線條和結構。就像音樂藝術從自然界的群聲里抽出樂音來一樣，發展其相互結合的規律，用強弱、高低、輕重、疾澀、虛實、轉折、頓挫、節奏、韻律等有規律的變化來表現自然界、社會界的形象和內心的情感。

從表現形式上看，中西藝術中各取所需。西畫講構圖，國畫講經營位置；西畫講透視法（焦點透視），國畫講“三遠”法（平遠、深遠、高遠）；西畫對色彩研究至廣，國畫對墨色研究至精；西畫論刀法筆觸，國畫重骨法用筆，還獨有“十八描”和各種皴法。從內容上看，西畫風景提倡野外寫生（如印象派），中國山水提倡“行萬里路”“搜盡奇峰打草稿”（如荊浩的“寫生數萬本”）；同是對自然景觀的真誠描繪，油畫風景重光影色調，中國山水重形體結構；油畫風景偏重從自然整體中挑選和割取局部（如取景框的運用），中國山水則偏重將局部騰挪和拼裝整體（如“咫尺千里”的提法）；油畫風景擅繪實景是長處，下者易拘泥和呆板，中國山水擅繪大山大水是長處，下者易無序和空泛。

西方藝術語言和事物關系歷史發展的重要觀念，被引伸來解釋西方現代派藝術，說明西方思想與藝術（文化）發展的一致性。西方現代新派藝術家所思考的是同一類的問題，藝術家們用不同方式——不同流派風格來處理“語言結構”與“意象結構”的關系，在精神上是一致的。哲學家和藝術家都生活在時代之中，都是特定的時代的“思考”。

西方繪畫從15世紀到20世紀的發展，有兩個特點：一是“造形表象”與“語言所指”的分離；一是“表象事實”和“表象聯結之認定”的對應。前一個原則比較好懂，后一個原則相當難解。西方藝評家福柯說：“表象物”與用以表現這些“表象物”的手段（點、線、面、色彩等）之間要有一種對應關系，否則就不成其為“畫”。如他提到的馬格利特的《不是煙斗的煙斗》這幅畫，是在一個貌似穩定的畫架上，這幅在畫架上的畫，酷似教室里的黑板畫，而這個畫架的架子是不合比例的，似乎隨時都有倒塌的危險；但半空中卻漂浮著一個大的、像幽靈似的煙斗。我們當然不可從這里就去揣測馬格利特似乎要“畫”出一個“永恒”的“煙斗”的“理念”或“意象”來，但卻似乎很容易引起人們想到馬格利特對早年“字”“畫”游戲式的“分離”“游離”有一種積極的否定態度，當游離的“字”和游離的“畫”“破碎”后，“無名”“無字”的“物象”仍然高懸，雖飄忽不定，“惚兮恍兮”，但仍清晰如“畫”。其實這是馬格利特常用的手法，以真實畫面之間的獨特的處理，來表現“現實”與“夢境”“實境”與“心境”“物象”與“意象”之間的溝通關系。以獨特的手法來處理“畫面”正是藝術家的技巧所在。

還有克利的畫，力圖在“形狀”的結構中表現一種“符號”，同時又具有寫的成分。這種“畫”與“寫”的結合，使得物象變形，不易辨認。克利以結構來使形象變化，不惜割裂、扭曲實際形象以顯示這種結構。到了康定斯基那里這種思路的進一步發展，則干脆舍棄了任何具體的、可辨認的形象，成為“意象”的繪畫和“非表象的”的繪畫。在康定斯基的作品中，只有各種用以連接表象的手段：點、線、面、顏色，但卻無“表象”的“事實”，而只有惚兮恍兮的“意象”存在，觸動著每個觀者的心靈。這樣，康定斯基的畫，就成了一種新型的“幾何圖形”。“幾何圖形”本是一種“記號”，是“無形”之“形”，并無“實物”與其“對應”，為“無象”之“形”，從通常的繪畫史角度來說，康定斯基的畫是理智主義、科學主義的產物，它要表現的不是事物的表面形象，而是事物的“本質的結構”及“意象”。

抽象派繪畫，如同其他的現代流派（達達派、立體派等等）一樣，并不是要人們從繪畫中“看”出“什么”，而是要人們從繪畫中“讀”出“什么”，“感受”到“什么”。超現實主義以夢境幻覺視象來表現“心象”，抽象派以抽象形式來表現藝術家對世界的理解。在這一點上來看，中西藝術之間似乎又是殊途同歸，在“意象”的表達上又有了異曲同工之妙。

進入后現代文化情境以來，藝術無論是在觀念、材料還是在技法、形式上均走向了多維的綜合與多元的建構，那種單一的線性思維方式和孤立的藝術語言描述已逐步成為昨日黃花。目前，隨著世界經濟一體化的進一步推進，東西方的聯系日益密切，中西藝術（東西方）藝術之間進一步相互影響，相互借鑒，創作意識及繪畫風格會有越來越多的相同之處，而各個門類藝術之間也出現了融會貫通的局面，相互之間的門類劃分也日漸模糊難辨，特別是在美術界出現了“大美術”的概念，各門類藝術之間、各國藝術之間的交流呈現出一片繁榮景象。

參考文獻：

[1]葛鵬仁 著《西方現代·后現代藝術》，吉林美術出版社 ，2000年

[2]（美）威廉·弗萊明 著，宋協立譯《藝術與觀念》， 陜西人民美術出版社 ，1991年

[3]易英 著《創造意義》，原載于《江蘇畫刊》，1994年

第3篇：中國美術論文范文

一、傳統民間美術的傳承方式

民間美術是一種帶有原發性的美術形式，它在傳承的過程中與人們的日常生活休戚相關，自誕生之日起就融合在人們生活的點點滴滴之中。“言傳身教”是中國民眾做人和育人的宗旨和手段，民間美術同其它民間文化一樣一樣也沒有脫離這一傳統。“言傳身教”在民間所承擔的技藝傳播作用，體現在以家庭為中心的技藝傳承環境中，是師徒、父子關系直接傳授的方式。從事民間美術創作的大多是沒有受過正規文化教育的農民，其創作經驗不可能通過文字進行傳播，技藝的交流只能通過“口頭”這一最為直接儉樸的方式將其技術經驗傳播給下一代。口頭語言不需雕飾，自然隨性，因此能更生動直觀的交流技藝。在這言傳的過程中民間藝人們創作了一些便于記憶的口訣，可以讓被傳播者比較方便記憶起創作的規律，是對民間美術技藝規律的高度概括，如惠山泥人的創作口訣，關于泥人造型要“先開相、后裝花，描金帶彩在后頭”；用筆要領“直線要直、曲線要曲”施彩講究“紅要紅得鮮，綠要綠得嬌，白要自得凈。”民間皮影口訣：“若要娃娃惡，鼻子挨眼窩”、“文人一根釘武人一張弓”等等。Www.133229.CoM在民間的師徒傳承中“身教“的情況可能比“言傳”多的多。在很多民藝傳播者自身文化和能力的限制他們或不能準確的表達出其技術精要的情況下，以實際操作來教育徒弟，徒弟觀察師傅技藝的“身教”就成為民間美術主要的傳播方式之一。

殷商之后，文字的出現為民間美術的傳播奠定了深厚的媒介基礎，民間美術也出現了借助文字傳播的方式，大大擴展了其傳播的范圍。出現了一些記載民間手工藝的理論專著和民間創作者所作的藝譜，前者帶有官方修飾的痕跡，如先秦時期的《考工記》、唐代《工藝之法》、明代《天工開物》等等。而藝譜以物相傳的民間美術，主要是通過譜子的形式傳播的，如畫譜、剪花樣譜、影戲譜、年畫版樣等等，這些民間藝術形式都有程式化的范本有的是集體的創作總結，有的是名藝人親手繪制的，有的則是借鑒其它藝術形式而從程式化的模式中套用而來的。童雖其來源不一，但都是經過不知多少代人的日積月累而逐漸積淀、完善和再創作而形成的摹本，這種傳播形式有利于普及和傳播。有利于民間藝人的交流。

民藝品傳播和圖譜傳播一樣屬于以“物”為媒介進行的傳播。但是它并不是在創作者內部的傳播，而是通過這些藝術品的購買者而將民間美術的技藝帶到四面八方。這種參與商品交換，又不局限于行業內部的傳播方式，使民間美術的傳播方式更加廣泛，其社會功能也隨之增強了。

二、民間美術發展現狀

民間美術的產生、傳播、發展都是與民眾的生產、生活方式密切相關的。隨著現代化的文化浪潮進入鄉村的每一個角落，傳統民間美術賴以生存的小農經濟迅速瓦解，人們的生活方式和價值觀也發生了巨大的變化。以機械化、自動化為標志的大工業生產方式，已在世界范圍內逐步取代手工勞動，在這種狀況下，許多民間藝術品被認為是過時的東西而被很多人摒棄了。

當代的民間美術保護者和美術理論家多是將民間美術作為一個古代生活形態的活化石來進行研究和保護，民間藝術品已經成為傳統藝術的一部分而保存在博物館之中，見證著一個古老文明曾經出現的輝煌。民間美術雖然作為一種傳統文化而被人們保護和學習著，但實際上，它的發展卻面臨著一個尷尬的境地。很多人對它的喜歡只是出于對一個存在著文化隔膜的逝去年代的懷念，民間美術在當代已經失去了其實用性，它和當代社會的經濟基礎與文化狀態都存在著巨大的鴻溝。

在這種缺乏時代經濟與文化背景的情況下，民間美術變成了一種針對西方文化的入侵，而被藝術家與文化工作者們所重新提起的“帶有本民族特色”的文化形式，很多專家對已經衰落了幾十年的民間美術進行了重新整理與研究，這些工作對民間美術的保護與振興都有著重要的意義。但是，我們應該看到的是，這種不分精華與糟粕的保護方式使我們看到的民間藝術并不能完全代表我們民間美術的真實發展狀態。甚至有些藝術工作者為了西方媒體對于“神秘東方文化”的好奇心和對“他者文化”的觀賞需求，而制造了一些“偽民俗”的藝術作品，混淆了媒體的視聽，使我國的普通民眾不能產生文化的認同感，而對民間美術的發展處于漠然的狀態。

三、民間美術發展的方向

第4篇：中國美術論文范文

坡評王維畫：味摩詰之詩，詩中有畫；摩詰之畫，畫中有詩。這句話奠定了文人畫的理論基礎。

畫于文人眼中，不過是做學者的余事，偶一揮毫，則發諸心臆。倪云林所謂“寫胸中逸氣耳”。傳統之文人畫，就是文人余事。王維，字摩詰，唐代詩人。他的詩清新恬淡，意境空靈蕭散。他以水墨畫著稱于世，開一代先風。以詩意入畫境，以畫境寫詩意，被后世評為文人畫的始祖。明代董其昌把畫史分為南北二宗，北宗以李思訓為宗，南宗以王維為祖。這就把宮體畫與文人畫從理論上分了開來。繼王維而后的五代畫家董源，繼承了王維的風格，寫江南真山水，神韻天成，為時代之巨匠。其弟子僧巨然，妙得天真，用墨秀潤，叢林疊嶂，氣韻氤氳，與師齊名。另有荊浩與關仝，則寫北方山水，雄奇險絕，料峭幽遠。并為四大家，世稱“荊、關、董、巨”。可以說山水畫到此，方是體用完備，六法俱善了。其影響之大，足以千秋而論。

宋代是文人畫興盛的時期。當時之文豪學士如蘇軾、米芾、文同等，莫不是書畫兼工，并稱一代之雄。“出新意于法度之中，寄妙理于豪放之外。”這些大家皆推崇王維，或以詩意入畫，或以畫境入詩。由于他們都是學者文豪，都注重于畫的意趣，并且是大書家，這就更加重視筆墨情趣，東坡所謂“天真爛漫是吾師”是也。米襄陽畫宗董、巨，直述王維，別開一派天地，多以點寫山水。其畫煙云飄渺，深邃蒼潤，微風帶雨，婉如撲面。世所謂“米點”。其子友仁，并稱“二米”。董其昌言“米家山謂之士夫畫。”所謂士夫畫就是文人畫。文人，每以文事著稱，或以畫名于世，皆是余興。其人博學，畫便多雅趣。有如此之大家，文人畫便昌盛了。

二、文人書畫的審美視角

1.傳統文人畫的特點

文人，大多為不羈之士。由于仕途的不得意，難展胸中抱負，由此而放跡山野，寄情于筆墨，銷胸中塊壘。以畫著稱于世者，大都是飽學之士。畫中難以盡意處，往往以詩言之。詩情畫意，這是文人畫最顯著的特點。

元四家中的倪云林，在當時就以詩畫并稱。筆墨多簡淡，清絕人寰。寫平江疏林，如讀王維詩，別有一種空靈的意境。到了明代，就更加注重詩、書、畫的合一。如董其昌，是書畫齊名的大家。所以以書入畫，是文人畫的又一特點。董其昌言“士人作畫，當以草隸奇字之法為之，樹如屈鐵，山似畫沙，絕去甜俗蹊徑，乃為士氣。”作畫要有書卷氣，要有書法味。

傳統文人畫，多以筆墨為主，設色偏于淡雅，重視筆墨的意趣。云林畫多用側鋒，用墨極淡，往往只是略施赭色；黃公望也好作淺絳，用筆用墨也很講究，干濕燥潤，極盡靈變，即使遠樹雜林，也是搖拽生姿，變化萬端。到了山人，筆墨更加簡潔，了了數筆中，充滿了無窮意趣。石濤“但出但入，憑翻筆底。”更是姿意縱橫，淋漓快意。其筆墨技巧之圓熟放達，少有人比。

2.傳統文人畫的禪意

禪是悟，是空。“空山不見人，但聞人語響，返景入深林，復照青苔上。”這里面有禪意。所以謂之空靈。坡言：摩詰之詩，詩中有畫；畫中有詩。此語如坐佛悟禪。以不似似之，這是悟道后的禪機。于是，白石老人就在似與不似之間了。悟禪就在于空處著想，空中無處不有。而蓄萬物于心，方能得空。空即性靈，即禪意，即無處可尋。

中國畫如參禪，妙在頓悟。

3.傳統文人畫的境界

禪家曰境界，境界者，超然物外也。中國畫首重意。何謂意——畫外之余意。即筆有盡而意無窮。畫家六法，第一“氣韻生動”。

縱觀中國畫史，文人畫一直占主導。大凡名家，皆以品格論高下，以胸襟定境界，又以學識增情趣。人品既高，畫的境界就高，何故？以其胸襟博大而增氣勢；學識淵博而生新雅。其見識不凡，意境便不俗。所謂平庸者畫數十年無長進，只一畫匠耳！

這即是文人，即是文人之境界。

三、以“抽象”為主的大意之美

1.中國傳統繪畫的抽象之美是傳統審美的凝聚和提練

“抽象藝術”在中國古代文人墨客的筆下，是用毛筆，徽墨和水，輕點細畫勾勒描摹的江南野趣，枯樹昏鴉，小橋流水和崇山峻嶺，大漠荒煙，塵漠絕跡。

中國文人在筆跡墨痕的遺落中，在世代相傳的口頌中，在摹寫筆畫中，記錄下心情和思緒，記錄下歷史更迭和變遷。于是，有了董其昌的《瀟湘圖》，范寬的《溪山行旅圖》，有了趙孟兆頁頫（fu）筆下的《鵲華秋色圖》，有了康熙時代《淳于帖》，有了流傳千古的《快雪時晴帖》，于是有了文人筆下的草書，有了山川秋水中的瀟灑，飄逸，有了林木蔥蘢的色彩，有了臨岸蹉跎的憂郁，有了忘懷山水的情懷……

中國文人培育的水墨痕跡，養成的“抽象”山水，育成的筆情墨趣，是一種散淡的文人情懷，是一種見之于山林的雅致。它是一種感性于自然，間離歸納后見于筆墨的提煉，是一種將性情與筆墨合而為一的審美抽象和一種對大自然山川的“移情”解讀，更是一種樂而忘返的思想境界。

2.中國傳統書畫的抽象之美中傳遞著中國式哲學的深邃

線與色中國式抽象水墨在間離和對自然山川的提煉中，形之于筆端，在水墨的氤氳中彌漫著對自然田園的歸隱，在簡單的黑白對比中升華著對老莊哲學的透析，在逸筆草草中尋求著對自然式山水的描繪，也在對宣紙和筆墨的執著中解脫著文人飄逸的靈魂。那些人物的衣紋，那些勾勒的輪廓，那些暈染的色彩，那些簡筆的概括，那些提煉的語言，將中國文人對世界萬象的觀察，思考和歸納傳神地表達出來。

在中國抽象水墨的傳達中，那些線條和筆墨是經過提煉的，經過思考的，經過審美過濾的，抽離掉對自然山川的吟詠和贊嘆，剝離掉純粹自然的表達，中國古代的抽象水墨是簡化的，單純的，是間離和提升的，是剝離自然內涵的東方式審美表達；中國式傳統水墨對自然物象的外形概括，對人物的精神傳遞，對自然山川的提升，在某種程度上表達著中國傳統文人的詩情畫意，傳遞著中國式宗教“寄情山林”的余興，傳統文人以“詩書畫一體”的和諧獲得精神和心靈的營養。

3.中國傳統書畫的抽象之美是一種中國式的精神表達

中國傳統文人作為中國式抽象水墨的主體，在創造一種具有東方式經典樣式的過程中，進行的是一種間離性的精神表達，就是在經歷生活跌宕起伏和仕途挫折后，將人生的抱負和理想的破滅幻化作對自然山水的寄情。將人抽離于現實世界之外，作為一個旁觀者觀察自然、社會，表達對世界的評判和一種態度。

把《莊子》中的“天地有大美而不言”引申為“道是美，天地是美，德也是美”。他認為中國藝術精神可以概括為以孔子和莊子所顯現出來的兩種典型。由此標準來看，孔子的精神世界雖然處于上下天地同流的最高處，也是物我合一，物我兩忘的藝術精神。以虛靜之心和“充實不可以已”的人生態度，在筆墨紙硯結構的世界里傳遞著人生的理想和境界之美。

參考文獻：

\[1\]董其昌.畫禪室隨筆.

第5篇：中國美術論文范文

關 鍵 詞：中學生 美術 興趣培養

興趣可以更好地促進學生的學習，如果學生對某門課毫無興趣，而強迫其學習的話，最后不但教學效果很差，而且會使學生更加厭煩這門課。所以，培養學生興趣是非常重要的一件事。當代中學生對美術的興趣遠不如小學生，尤其是接受普通美術教育的中學生，他們對待美術課并不是很熱情，這也是許多學校搞不好美術教育的重要原因。

美術作為空間藝術，它主要是通過色彩和形體等視覺因素來傳遞給人，所以具有直觀性，這比起數理化、語言文字等理性、抽象的學科更容易激發人的學習興趣，并且我們所生存的社會環境的方方面面都離不開美術，小到日常用品，大到建筑，美術都發揮著其重要的作用。因此，一個社會人不可能也不應該對美術一點興趣都沒有。那么為什么許多中學生對美術提不起興趣呢？我們又該怎樣去改變這一狀況，培養中學生對美術的興趣呢？這是一個值得探討的問題。

一

我們應該找出中學生對美術缺乏興趣的原因，在這里主要歸納為以下三種：

1.社會原因

社會原因是最根本的原因，這主要表現在整個社會對美術及其教育的重視程度上。最近幾年，盡管美術在我們社會生活中的地位有所提高，但是中學美術教育在廣大地區仍然處于一種副科之副科的地位，甚至是可有可無的狀態，并未實現其真正意義上的普及。WwW.133229.CoM

美術應該是一種全民都應具備的素質，而不應只屬于少數人。我們應該認識到，如果美術教育的這種副科地位得不到改變的話，就永遠無法受到真正的重視，從而實現全民性的美術教育普及。盡管美術教育有時以課外活動小組的形式出現，但是這與普通美術教育的全民性是不相符的，只能有一小部分的學生受到美術教育。

美術作為非中考、高考科目，給非美術專業的中學生造成了“美術不重要”的思想，在巨大的升學壓力下，他們又怎么會對美術這一副科提起興趣呢？

這種社會原因是受經濟影響的美術教育的發展離不開必要的經濟支持。目前，我國處于社會主義初級階段，雖然經濟正在飛速發展，但比起發達國家仍然存在著一定的差距，這種差距也同樣反應在美術教育的發展上。美術同樣會對經濟發展起促進作用，美國每年為了棉布藝術性的設計花掉大量的美金，日本僅動漫藝術的市場就達到4萬億日元。可見美術對經濟的影響也是不容忽視的，投資在美術教育上是絕對能夠實現其價值的。而現實是作為所謂“素質教育”的美術學科并未得到足夠的重視。

2.學校的原因

學校往往會受到社會大環境的影響。這個原因主要分為兩個方面：主要是校方和教師。

對于校方來說，通常以“升學率”為重，美術課在這種情況下就要退居二線了，所以美術課在課時安排、教學設施及工具、教師待遇等方面遠不如其他學科。這些前提條件都沒有搞好，很難對學生進行全面、系統的高質量美術教育。就算學生對美術很感興趣，在這樣的教學環境中又怎能得到更好的發展呢？

另一方面，也是最關鍵的一個環節——教師。美術教師的自身素質及其授課方式對于培養學生興趣是極其重要的。有些教師的授課方式或內容極為枯燥，連成年人都無法忍受，更不用說青少年了，這無疑使本來就對美術提不起興趣的學生更加厭煩，從而致使一節美術課變成學生“放松和娛樂”的時間，而不是學習美術知識和技能的時間。

3.學生自身的原因

有些中學生對美術缺乏興趣是受其自身能力的影響，他們往往是那些被稱為在美術方面毫無“天賦”的學生。這也是由于多年來我國美術教育中注重技法培養所造成的后果。他們的努力總是在這種大環境中不被承認，收獲很小，所以就形成了挫敗心理，自然就不會有太大興趣。其實，普通美術教育的對象是全體學生，它是對人的素質的培養，而不是將每個學生培養成美術專家。

另外，中學生隨著年齡的增長，他們已從少兒時期以形象思維為主的階段進入了抽象思維為主的階段，加上各方面的影響，他們的注意力也更多地停留在理性思維較強的學科。再加上中學生學習美術的動機并不明確，所以學習熱情就不那么高，而學習困難則相應比較大，這些困難反過來又會降低學習興趣，挫敗學習美術的積極性。

二

但是，我們不能因為各種困難而放棄或忽略對青少年美術素質和能力的培養，美術是人應具有的基本素質，因此應當及早地，至少在少年時期就開始加以培養，而不是當作一種可以隨意處置的游戲一般的東西來對待。所以對中學生美術興趣的培養，首先要將美術教育重視起來，在教學工作各個環節上都要做到位。

1.課時安排

作為一個全面發展的人，必須具備美術方面的知識，但是美術課在普通中學的地位處于嚴重失調的狀態。美術課程在中學的安排一般是一周一節，這已經很少了，而有些學校的美術課根本就是形同虛設，只作為其他科目的補習課出現。這就要求課時量的增加，而不應作為可有可無的科目給其他課讓路，讓學生有充足的時間系統地、全面地學習美術，這也使教師有充足的時間對學生進行美術興趣的培養。

2.教學設施及工具

除了課程安排，學校的硬件設施也應提高，讓學生在美術課上擺脫枯燥的學習環境。學校應配備專門的美術教室，教室里的布置應活潑自由，符合美術課的學習特點。

教具的運用也是必要的，一塊黑板、幾支粉筆，是無法使美術的特點得以發揮的。應適當引入高科技，美術主要靠視覺傳達給人，所以多媒體是必不可少的。如美術欣賞課，可運用幻燈片或放映美術記錄短片，吸引學生的注意力，不要忘記精彩的講解。

3.室外美術課

美術課可以讓學生走出教室，讓他們認識和發現存在于生活中的各種各樣的美術形式。這在一些比較落后的鄉村學校更為適用，這些學校的教學設施及工具比不上發達地區的學校，所以應更充分地運用校外的美術資源。比如，在當地自然風光較優美的地方進行戶外寫生，或者結合當地的民風民俗學習民間美術等等。

在欣賞課上，如果有條件應帶學生去博物館或參觀藝術展覽。在引導學生走進文化遺產和美術作品時，不要將我們固有的認識強加給學生，要尊重學生的感受和意見，鼓勵學生進行大膽地討論，避免積極性地壓制，這直接影響學生對美術課的興趣。

4.教師的重要作用

美術教師在培養學生興趣方面起著直接的、不容忽視的重要作用。學生主要靠教師的授課來學習美術，這是一個關鍵因素。下面是筆者關于教師提高學生對美術學習興趣的建議：

首先，要有活躍的課堂氣氛，美術課根據其自身特點來說，本來就是一個自由度較廣的學科，它沒有過于嚴格的評判標準和范圍準則，這也給了美術教師個人以更多的發揮空間。所以，教師應在課堂上鼓勵學生動手、動腦，放寬評價的標準，從各個方面入手發現學生的優點，及時給予肯定和鼓勵。

其次，技法在普通美術教育中并不是最重要的，重要的是要讓學生通過美術教育認識到美術與社會生活的關系，培養學生的創造力與想象力，以及運用美術思維、解決問題的能力。這種能力運用到其他學科還可以促進其發展，這可以從美術與其他學科的結合中得以體現。還有就是通過美術活動抒發自己的情感，陶冶情操，使學生成為品格高尚、全面發展的人。

再次，每個人都有自己的個性，也有自己的偏愛和弱點。美術是強調個性化原則的，它不像科學那樣追求絕對性和一元性。對于進行普通美術教育的中學生來說，應尊重和提倡他們在美術課上表現出來的個性和差異，同時也不能強迫他們學習美術的某一種類。教師應充分尊重學生的個性，尊重他們自己的選擇，允許他們的興趣轉移，廣泛地涉獵各美術領域。

最后，美術作為一門用途非常廣泛的學科，它與其他學科或多或少地有一定聯系，并且美術自身的彈性很強，教師可以嘗試將美術與其他學科相結合，打破學科界限，使學生在美術與其他學科的融會貫通中學習美術知識。從多個面學習美術，使美術變得更立體，使學生真正擺脫“美術無用”的錯誤思想，從而提高他們學習美術的興趣和積極性。但要特別注意的一點是：其他學科只是起輔助作用，要以美術知識和技能的培養為主，不要喧賓奪主，這是非常重要的。

第6篇：中國美術論文范文

論文摘要:風聞杜璞近來有大動作，于是，便不顧39度高溫趕到他的畫室，看看他究竟在半遮半掩地做些什么。才一進門，便從玄關處張望到整幅墻上掛滿了同一尺寸的近四十幅人物肖像油畫，男女老少，情態各不相同。

畫室中的杜璞正一臉嚴肅地對著模特作畫，他沒有欠身，甚至沒打一聲招呼，里外全是他美麗的夫人在端茶遞水。記者繞到杜璞身后，看看畫布上大體完成的作品，再打量眼前那位上了年紀，皮膚黝黑發亮的模特，猛一眼的印象是不很像，但再看兩眼，卻推翻了第一印象，覺得很精準，精準在神情的捕捉上，似乎將人物本身幾十年的生活經歷都濃縮提煉在了這張肖像上，表現出了模特本身在現場并未散發出的氣息來，不可謂不惟妙惟肖。

乘著模特休息的間隙，杜璞換上了一副輕松愉快的表情與記者對談起來，瞬間判若兩人。他的笑容爽朗，說話也大聲，說到妙處眼睛會瞇成一條縫，像是進入時光機器中挖掘最有趣味的片段或最精彩的光華與人分享，帶著點神秘，這份時不時的玄虛與他的音容形成了極大反差。忽然就想到了外界對他油畫“大器豪放、恬淡寧靜”的評價，若不是一個反差極大的人，恐怕也難有反差極大的作品問世，如是，杜璞倒應當是這樣一個人。

今年大半年多數時間，杜璞都在做一件事——《新老蘇州人系列肖像》的創作，這是他為建國60周年而特別準備的，此系列的第一幅作品動工于新年的第一天，而今，距收工之時指日可待，稍后，杜璞還將請每位模特寫感言，同時，自己也寫下在創作過程中對每個人的感言，而后，辦專場畫展，最后，結集出書。wWw.133229.cOM這一系列動作均于國慶前完成。

“今年是建國60周年，因此，我也將畫出生于1949年及以后的60位各條戰線上的普通市民，以人來表達這一甲子的變遷。”這60位市民來自社會各個階層，有民警、演員、農民、教師、建筑工人、作家、保安……還有剛一周歲的兒童。

“人是形成社會的元素，肖像最能反映人與社會的關系，從眼睛、皺紋、表情等可知他們各自的家庭是否幸福、工作是否如意、生活是否快樂，這些歲月的印跡都會自然而然刻畫在臉上，我試圖通過這一張張神情各異的面容，去說明建國60年來的偉大進程。通過記錄當下，以期承前啟后。”杜璞道。

當天，杜璞要畫兩個人，一位是正畫著的來自東山的農民，一位是街道主任，記者問這位只見過杜璞一回的宋老伯，怎么就敢把自己交托給一位陌生人來畫，淳樸的老人說：“杜老師曾在我家門前一小時內現場畫過兩幅作品，我覺得他畫得很好，我每天與這些景物照面，都沒覺得它們那么好看。所以，我相信杜老師。他叫我來，我就來了，來了，才知道是這么大的一個計劃。”老人家專注地盯著畫布上的自己喃喃道，有點出神的樣子，像是想到了些什么往事。

“今年本來是要畫世界遺產的，但是，國家就像自己的父親，你說父親60歲了，做晚輩的能不表示一下么？而一名職業畫家，除了畫畫外，還能有什么別的表達方式呢？所以，我就擱下了原本的計劃，花了大半年的時間，雖然也中斷過，比方說4月去了云南，但是，大多數時間都花在這上了，我覺得很值，也很開心。”杜璞由衷道。

在人們的熟知中，杜璞擅長的是風景，中央美院博導邵大箴稱贊他“有廣闊的藝術視野，不拘泥于形式，著重寫自己對自然景色的印象與感覺，注重對客觀物象神韻的把握，筆觸雄健有力，充滿意趣。”而江蘇省美術家協會副主席張華清也曾撰文稱“強烈中顯示出柔和，單純中蘊含著豐富，把自然美與意境美熔入畫幅中，富有詩情畫意。”著名美術評論家、教授丁濤說：“杜璞的油畫中常常帶有一股國畫的寫意味……他的方形色塊和平面構成感，會令不少讀者想起塞尚，但我想他的出發點和目標，都是以東方人的傳統視覺經驗為參照的。”

就是這么一位被充分肯定的風景畫家，卻畫起了并不拿手的人物，杜璞自己也說這是項挑戰，不過，戰績甚好。杜璞指著墻上的幾幅畫說：“你看，我初期的肖像，人物總提不亮，面部層次也不分明，但現在，已不會再有這樣的困擾，而且，現在畫畫的速度也提高了很多。可以說，這陣子集中力量的畫肖像，是受益良多的。”

杜璞一向是個有計劃的人，世遺會召開期間創作的世界遺產組畫28幅，成為聯合國第28屆世界遺產大會唯一特展畫家，是中國的世界文化與自然遺產專業畫家；伴隨昆曲抬頭創作的《牡丹亭》大型組畫，又把他推到了風頭浪尖上。每一步的發展都精準地踏在了時代動向的關節點上，致使他新世紀以來逐漸贏得了國內外聲譽，他本人對此并不諱言，并認為“東一榔頭，西一棒”的創作方式是對藝術生命的耽誤。

其實，杜璞一路走來，都是按著既定計劃，以堅持不懈的努力走進了他設定的夢想里。

杜璞曾經從商，而且干得不錯，這讓他看上去不像位純粹的藝術家。他呲牙咧嘴的笑容里，有著毫不掩飾的張狂勁，這股勁，體現在作品中，就是一種顛覆，他顛覆油畫，他的畫中線條總是扮演著極為重要的角色。說他將國畫中的大寫意拿來在畫布上揮毫自在也好，說他用西方技法在國畫造境中涂鴉撒野也罷，總之他讓讀者在視覺追逐中對形體都不太在意了。

中國畫的一些抽象在形式上是與油畫水火不容的，但杜璞樂于顛覆。同時，他也顛覆國畫，用西方油畫中的筆觸，諸如強烈的色彩，去顛覆國畫的原則。幸而，在杜璞的大顛覆下，讀到的不是混亂，不是自我矛盾，雖然不時左奔右突，痛苦沖撞，但他的畫與人一樣，在極富侵略性的表相下，內里，蘊含的是恬淡和一份內斂的秀逸。

第7篇：中國美術論文范文

中國畫的發展離不開美學思想的積淀，尤其是在中西方文化交流頻繁的基礎上，其思想更具融合性。中國古典美學是當代美術教育思想的基礎，一是強調傳統儒學思想美與善的統一，借助于儒家對“五色”、“五味”“、五聲”的論斷，深刻闡釋審美與藝術的表征關系，從精神美與情操的陶冶上提出對人的心靈的關照。二是道家美學思想中真與美的統一，道學家將“悟道”、“觀道”“、體道”作為對道學理論和審美思想的表征，并從還原事物的本原上來闡述超越人世的自由境界。三是楚騷美學中儒道思想的混合，將儒學的高尚情操與道學的自由奔放融合一體，以開啟思維的情懷。四是禪宗美學中的美與禪的統一，佛家思想汲取各類文化思想并從解脫和認識上倡導“梵我和一”的世界觀，以淡薄空靈的心理追求澄清的內心感受，將藝術與審美主體的內心感受提升到極高的境界。西方美學思想主要是圍繞藝術與人、藝術與自然、藝術與社會來進行研究，如亞里士多德提出的傳統美學理論模仿說，將“藝術模仿于自然”作為其藝術理論的重要思想；現代派美學思想是以印象派為傳統藝術與現代藝術為分水嶺，印象派反對古典派，利用現代光學理論和實踐，從對光的研究中來表現繪畫藝術。

2當代美術教育對中國畫創作的利弊分析

中國畫在創作中受到當地美術教育的影響，一方面在推動中國畫的創新中，也束縛了傳統中國畫的時代步伐。在創作題材上，中國畫取材豐富，尤其是對現實生活的客觀梳理，如宋代畫家梁楷的《潑墨仙人圖》，就以潑墨方式來刻畫人物的面目神情，從而凸顯簡略放逸的創作格調。而與傳統中國畫題材選擇相比，當代美術教育一方面繼承了傳統中國畫的題材格局；另一方面也從創作理論知識的系統化上，為美術教育拓寬了天地。但需要強調的是，隨著現代信息技術，尤其是網絡化的今天，高科技技術對中國畫創作題材的影響，如對照片的臨摹，也大大弱化了繪畫者的基本功，降低了對中國畫創作中觀察力的表現。在創作技法上，中國畫主要有寫意、工筆兩種，但隨著西方油畫、現代設計等門類的出現，使得當代美術教育在技法上革新了傳統中國畫的創作手法。一方面油畫的創作技法拓寬了中國畫創作方式，沖破了傳統材料的束縛；另一方面新穎的創作技法反而忽視了中國畫創作手法的獨特性。例如，曬鹽法在創作中，利用水墨摻入少量堿，調勻后在紙上作畫，待到不汪水時用干燥的鹽面撒下去，使其變化，等到預想效果時再用干燥的紙來固定。

3當代美術教育對中國畫的影響與應對思路

當代美術教育注重審美觀念的提煉，而在表現作品時則從形式感受和審美情調上來創作，傳統中國畫將“清、淡、雅、俗”作為審美標準，而當代美術教育則更加凸顯藝術思想的融合。因此，在中國畫的發展方向上，需要從以下幾個方面來加以改善：

（1）重視繪畫形式的豐富與深遠。中國畫十分注重繪畫形式語言的表現，而形式語言既有對構圖的布局，還有對造型的定格，以及色彩的運用，從而表現出畫家的情志與理想。顧愷之在探討繪畫構圖時，提出“置陳布勢”的原則，理論加謝赫提出“六法”思想，都從中國化的構圖形式來凸顯其地位。例如《，清明上河圖》在構圖上分為三段：一是對汴京郊野風光的刻畫，以人物、環境來凸顯其氛圍。二是以汴京市區街道為對象，對高大的城樓、繁華的都市進行細致描繪。三是以具體的人物情態為主體，以焦點透視和散點透視的方式來觀察自然事物，從而表現出濃厚的情感色彩。再如宋代馬遠的《寒江獨釣》，其構圖特色是留白，將留白作為藝術語言來表現嚴謹的創作手法。利用簡單地勾勒來表現水紋，借助于俯身垂釣的老者來融入江水浩渺、寒氣逼人的情景。中國畫在造型上，也是講究視覺的真實性，尤其是在點線面的構成上，凸顯線的質感，使得事物生動傳神。例如，在吳道子的《送子天王圖》中，對于龍、火焰、神像的刻畫是利用線條來表現的，其質感與動感栩栩如生。這種將主觀與具象的聯合，正是基于對點線面造型藝術的精彩運用。

（2）強化對藝術審美意象的創新。藝術創作的關鍵在于對審美意象的表征，劉勰在《文心雕龍》中提出“獨照之匠，窺意象而運斤”，從意象的選擇與情感的融合上凸出事物的形象與意趣，從而提煉出客觀材料的想象力。對于藝術審美來說，中國畫的審美特征是對美學思想的凝練，更是從美學的高度來觀照事物的審美，以實現全方位、深層次的對審美特征的展現。例如，在中國畫中的山水、人物、鳥魚等元素的創作中，需要從藝術表現手段中來融合審美意向，凸顯時間、空間、視覺、聽覺和造型的表現，以強化對觀者審美感受的豐富。例如，李苦蟬的鷹，潘天壽的荷，徐悲鴻的馬等，其題材與內容雖不一樣，但其在藝術審美上卻表現出高度的綜合性。當代美術教育在倡導自主性和創新的同時，也需要從中國畫的學習中，汲取對大自然、生活的細致觀察與思考，從中來體現畫家的思想與情感。

（3）關注對創作思維的激發和培養。中國畫在創作中不能拘泥于古法，而是應該從創作思維上來融入多元理念。研究中國畫，分析當代美術教育，都需要從不同視點來觀察事物的個性和特征，不同的人其感受也不同，對自身情感的影響與表現也是差別的。因此，在創作中國畫中，一方面要從自身品格的洗練上追求高尚；另一方面從創作手法和題材選取上，不拘泥于時間、地點、客觀事物的限制。曾說“這個借鑒和沒有這個借鑒是不同的，這里有文野之分，粗細之分，高低之分，快慢之分。”對于中國畫的創新，應該從長期的實踐與積累中，一方面向傳統學習，一方面要善于總結和發現，以推進藝術存在的廣度和維度。

4結語

第8篇：中國美術論文范文

論文摘要：賈克梅蒂用現象學式的直觀,在視覺和意識的不斷感知和流變的過程中,通過抹去重畫、反復描繪的方法,直指物象存在的真實狀態,以追求新的表現方法。

2002年夏天，當我在香港藝術館第一次看到自己向往已久的賈克梅蒂的素描時，我的心被深深震撼了。一個蘋果、一個杯子和一把椅子，如此平凡的物象，在他的視覺方式中竟然能表達得這樣動人心弦。于是，我便自覺地走近了賈克梅蒂的素描作品，探索他的素描方法。

賈克梅蒂1901年出生于瑞士，他的父親是瑞士印象主義畫家，也是他的啟蒙老師。1922年賈克梅蒂定居巴黎，他早期受立體主義的影響，后參加超現實主義運動，但從1935年開始，他便主動切斷了與這個時髦運動的聯系，重新回到自己的故鄉，從事繪畫和雕塑工作。1966年去世。

那么，走近了賈克梅蒂的素描作品，我們能看到什么呢？

在賈克梅蒂的素描作品中，大部分是描繪了他自己工作環境中的物象，這些物象都是生活中常見的東西，但卻被他直覺地表現出來，他千方百計地在人與物之間尋找一種關系，希望得到一種共同語言，并按照自身的理解去創造新的表現方式。

賈克梅蒂的素描始終結合著他在觀看過程中的具體描繪。賈克梅蒂這樣說過：“繪畫藝術只是一種看的方式。”他又說：“重要的是避免一切先入之見，試圖只看那些存在著的東西”。這里的“看”，其實就是現象學式的直觀，強調要返回事物本源，由此，我們可以理解為在描繪的過程中，應該嚴格地限制在直觀中直接呈現出來的現象，拋棄一切主觀的視覺經驗和意識成見，完全依靠本質的直覺去觀察物象，或者說是用眼睛去思考問題，努力尋找出一種最接近自然的視覺形象來，就象初生嬰兒一樣純真地觀看世界，完全在一種放松的狀態下，去發現所表現的物象與整個環境的關系。WwW.133229.Com這些對于一個成熟的畫家來說又是何等困難！但賈克梅蒂卻孜孜不倦地實踐著用本質的直覺去思考問題、觀察物象，并把自我完全融入于物象之中，用主體的心靈去聆聽物象的心聲，因此，他的作品已經超越了對象，超越了自我。

賈克梅蒂的素描從一開始都不是預先設計的，隨著他觀察時間的推移，在視覺和意識的不斷感知和流變的過程中,不斷地否定和肯定他所追求的東西，他把握對象，直指物體存在的真實狀態。賈克梅蒂曾經說過：“寫實主義在于原樣模寫一只杯子在桌上的樣子，而事實上，所模寫的永遠只是它在每一瞬間所留下的影像。你永遠不可能模寫桌子上的一只杯子，你模寫的只是一個影像的殘余物。當我看一只杯子，關于它的顏色，它的外形和它上面的光線，能夠進入我每一次注視的，只是一點點某種很難下定義的東西。這點東西可以通過一條條線，一個個小點表現出來，每次我看這只杯子的時候，它好像都在變，也就是說，它的存在變得很可疑，因為它在我的大腦是可疑的，不完整的。我看時它好像正在消失……又出現……再消失……再出現……，它正好總是處于存在與虛無之間。這正是我所想模寫的。”

賈克梅蒂的素描力求在靜止的畫面忠實記錄著描繪對象不斷變化的過程，捕捉對象自身的存在方式。在人物寫生的過程中，模特兒所擺的動作有時難免會有移動，賈克梅蒂為了想要準確地捕捉模特兒的外形，就用線條在畫面上來來回回進行調整，做到及時修正模特兒微小移動的形體變化，賈克梅蒂不介意直接在畫面上修改，他倒是認為這些改動不正是讓你能看到他繪畫的整個過程嗎？

因此，賈克梅蒂每次作畫時，都會毫不猶豫地將上一次畫的物象刪改、抹掉，再按此時的感覺去重畫，再抹掉，再重畫。賈克梅蒂認為這種通過抹去重畫，反復描述的方法，會大大加深了他對描繪對象的理解，體驗著他所認知物象的真實。賈克梅蒂的這種描繪方式，使得充當他模特的諾德時常處于精神崩潰的邊緣，心想是什么緣故使得賈克梅蒂的創作如此艱難，如此缺乏自信？誠然，賈克梅蒂這樣反復的工作，并非他猶豫不決，而是他精確的演繹。所以，賈克梅蒂所描繪的畫面到處呈現出不斷修改過的密密麻麻的鉛筆痕跡，并形成了痕跡疊痕跡的效果，畫面看起來完全是草圖性質。

如果我們看了賈克梅蒂的人物素描《安麗德》，剛開始時我們會覺得畫面上的線條很零亂，當你再細心觀察那渾沌一片，似乎顯得亂糟糟的線條痕跡時，你就會發現畫面人物其實是由橫線、豎線、斜線和弧線的組合而成，這些線條組合是沿著一個十字坐標展開，并組成網狀般的秩序結構，所有線條都趨向畫面中心，而這個中心就是人物的面部，在這個中心之中，所有的線條又引向鼻端，并在鼻端這里反復強調，形成一個實體。這些線條在指向中心同時，又在相互交疊運行著，形成內聚，而身體的輪廓線卻散落著，若隱若現地迷失在茫茫的空間里。賈克梅蒂把邊緣線藏匿于背景里，大大加強了畫面的次序感和節奏變化，使人物的形象在觀者的眼中產生強烈的視覺縱深感和令人琢磨不定的心理感受。

再看了賈柯梅蒂的風景素描，幾乎任何一個有受過藝術教育的人都會在作品面前感到困惑，這一堆亂槽槽的東西是什么呀？其中有一張稱為風景素描的作品很難讓觀看者認同，在雜亂的線條中．依稀可辨的花園小路被堆積在畫面中間的一側，像是漂浮在空中的巴比倫花園，畫面上方稀疏的線條如行人留下的蹤跡。這些看上去非常雜亂和草率的線條，其實，這都是賈克梅蒂作畫時不作刻意修飾而留下的整個過程的痕跡，仿佛他暫時離開畫架，回頭還需繼續工作。因此，畫面的許多地方還有意保留著未完成的狀態，賈克梅蒂認為這是藝術作品真實的表現。

綜合上述，賈克梅蒂的素描表現方法是對傳統的視覺模式的反叛、他將現象學的觀察方式引入繪畫領域、嘗試用抹去重畫、反復描繪的方法,來刻畫表現對象在“不斷流變、不斷生成”過程的視覺印象,力求運用新的表現方法，達到他對物象真實的體驗。他的繪畫理念，對處在復雜、多元藝術環境下的中國藝術家具有深刻啟示意義，引導著更多的藝術家走向成功的道路。

參考文獻：

第9篇：中國美術論文范文

關鍵詞：藝術融合與統一景觀設計繪畫藝術

景觀設計的基本表達方式和建筑一樣，是繪畫。在景觀設計學成為獨立的一門學科之前，園林藝術（或園藝）和建筑是平行發展的；建筑師不僅是設計建筑，還兼顧園林的設計和室內空間的設計。自從1919年由德國著名建筑家、設計理論家沃爾特·格羅皮烏斯創建世界上第一所設計學院“包豪斯”設計學院，才使現代藝術設計教學有了統一的標準。

一、繪畫史的變革

自從人類開始產生意識以來，繪畫是最能反映人類生活的一種藝術形式。早在2萬年前的石器時代就出現了人類用繪畫來描繪對生活的真實記錄與感受。隨著人類文明的不斷進步，繪畫的形式也變得更加豐富。從古典主義到文藝復興，在道立體主義、構成主義、風格派，繪畫藝術不僅在表現形式上發生了巨大變化，在內容形式上也通過藝術家們的不斷嘗試創造出了反映時代精神和人文思想的新作品。

繪畫藝術是在歷史變革中首當其沖的藝術形式。wWw.133229.COM19世紀以來，藝術資助力量雖資本主義的發展急劇改變，藝術服務的對象不再僅僅是封建貴族階級，而是富裕的資本家，操縱藝術市場的是畫廊和藝術沙龍，藝術家不必畫權貴喜歡的題材，而廣闊的市場中有自己更大的選擇，因此出現了新藝術的探索。對繪畫藝術變革最早做出反應的是“印象派”，隨著印象主義在繪畫技法和題材上的改變，印象派畫家開始在繪畫中反映時展，利用光學發展的成功，改變固有的色彩體系，創造了一個視覺革命的神話。

當塞尚開始用色塊的相互序列來構件物體的空間，尋求各種關系的和諧的時候，“立體主義”這個影響歐洲新藝術變革的繪畫形式開始產生，它的出現直接影響了現代建筑、現代產品和現代平面設計的形式基礎。隨著巴布羅·畢加索和喬治·布拉克的不斷交流，探索，最終使“立體主義”在歐洲廣為發展。立體主義的產生給當時正處在新城市不斷建立，而又想擺脫傳統束縛的建筑家門很大的啟發。

二、繪畫對景觀設計的影響

1858年紐約當局希望在城市中央預留一塊土地作為城市公園，旨在使城市之中有一片可供市民休憩的綠洲。后來被譽為現代景觀之父的奧姆斯·泰德與同伴卡爾弗特·沃克斯的作品“草坪”贏得了組織者的青睞，自此開始了他的公園和景觀設計之路。奧姆斯·泰德的設計把城市中的林蔭大道、城市公園、城市醫院庭園、濱水地帶及城市廣場以及各其他部分聯系起來，使城市成為一個有機整體。奧姆斯·泰德的設計不僅受到英國田園牧歌風格和優美如畫風格的影響，還在其作品中充分表達了對空間的理解以及場地分割的處理手法都成為了今后景觀設計中的經典。

位于西班牙巴薩羅那得居里公園，是西班牙天才設計師安東尼·高迪的作品，實際上這個公園他只完成了一半，最早的設計構思是有居里提出的，他希望高迪能幫他設計一個英式園林，而高迪則希望把這個公園設計成為和周圍鄉村環境和諧融為一體的公園。他在這個項目中身體力行，最具特色要數公園里那色彩斑斕的陶瓷鑲嵌，高迪借鑒印象派繪畫中“點彩”的技巧，運用細小的各色陶瓷來塑造形象、繪制畫面，陶瓷片在陽光的照射下會產生混合效果使圖案更加立體豐富，而且畫面上的各種純色會因對比關系而顯得更加明亮。這種瓶貼方式具有巴薩羅那后來的超現實主義藝術大師胡安·米羅的風格，只不過高迪的畫是立體的。有時真的難以界定到底是景觀影響了繪畫還是繪畫影響了景觀。

在從立體主義到風格主義、印象派、結構主義一步步抽象的過程中，進一步的發揮了立體主義的理性結構和特色，通過方形和矩形中填充三原色來把形式簡化到只有縱橫的線條和原色。蒙特里安認為：“黃色是光線運動的象征，藍色是天空的象征，紅色是黃色和藍色在晨曦時的細語交談。”彼得·沃克在他的作品中很好的闡釋了蒙特里安的繪畫理念，不論在他設計的德克薩斯的沃斯堡伯納特公園還是德國慕尼黑的凱賓斯基酒店前院中，我們都可以看到他用矩陣行列式布置的植物或穿插的道路來強調人工強化的自然已與野外的自然狀態的完全不同了，運用色彩的層次來喻示空間的變化，同時運用不同材質色塊的區分來強調人工環境對自然環境的升華。

三、結語

現代景觀設計可以選擇的材料越來越多，創造出的視覺效果也越來越豐富。隨著科技的進步投影技術、激光技術、還有聲光電等新科技的日益成熟，景觀設計師們將有更多的選擇。繪畫藝術對景觀的影響并不是近代才有的，我國古代園林就有將自然山水搬入院中的做法，“清風拂綠柳，白水映紅桃。舟行碧波上，人在畫中游。”是對繪畫與自然景觀相互對照的最好描述，那是的園林讓人分不清是在畫中還是在現實中，一步一景的優美景致和如夢似幻的四季變換中的讓人有在畫中游得感悟與陶醉。

景觀是一門在“大地上作畫”的藝術，是藝術家在現實中對理想的表達，隨著人們審美水平的提高和新的藝術形式不斷興起，景觀設計必將更加迷人。

參考文獻：

[1]王受之，《世界現代建筑史》.北京：中國建筑工業出版社1999.p96