視覺傳達藝術課程精選(九篇)
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第1篇：視覺傳達藝術課程范文
裝飾藝術設計課程是一門理論與實踐相結合的課程，理論的講述旨在讓學生對裝飾藝術有一個整體的認識，裝飾藝術的學習，不僅僅是不同歷史時期的經典回顧，比如說在中國的裝飾藝術方面的學習，我們要掌握和學習不同歷史時期的裝飾藝術，然而隨著生產力的不斷發展，工藝的不斷進步，裝飾藝術的概念就在不斷地進行演變。傳統的裝飾藝術與現代的裝飾藝術的是隨著人們的設計觀念而不斷的改變與創新，在學習傳統的裝飾藝術的同時，要學習中國的傳統圖案和民間的圖案以及民間的傳統工藝，這些都為我們更好的學習裝飾藝術提供了豐富的創作靈感。
創新教學模式就是指在素質教育思想的指導下，教師與學生在積極參與教學改革的活動中，產生出新穎、獨特地教學價值的創造性教育活動形式。相對于裝飾藝術課程的創新模式應該注重它的產業價值與藝術價值的結合，這也是作為以應用性為主的藝術設計專業的創新性教學理念。裝飾藝術課程不要局限于單一的設計領域，它涉及到二維、三維、多維設計等各個不同專業學科方向。裝飾藝術課程涵蓋視覺傳達設計、環境藝術設計、工業造型設計、服裝設計等不同方向的設計原理、應用規律、實踐課程等教學內容，我們應該對裝飾藝術課程內容進行多元整合，裝飾藝術課程包括造型與色彩、材料與工藝等主要知識點，以產業項目設計作為課程創新教學模式，來滿足社會產業實用性人才培養的需求。
受到當代的社會思潮，藝術觀念、審美情趣等因素以及社會經濟與科學技術的不斷發展，裝飾藝術課程怎樣更好的服務于藝術設計課程的培養目標，怎樣使我們的學生在學習的過程中學會適應社會多變的經濟產業需求，適者生存。在理論與實踐相結合的教學方式下，提倡藝術與技術的完美結合，而形成一種有目標性、功能性、價值性的創新性裝飾藝術課程的教學模式。在我們的實際教學過程中，大膽的嘗試與產業項目設計相結合，裝飾藝術來源于生活，而高于生活，裝飾藝術的設計宗旨是為了美化生活和豐富我們人類的物質生活與精神生活而創造和營建一個舒適的生活環境，一切為了“美”。美化我們的心靈，美化我們的生活。在裝飾藝術設計課程內容與上海永亮紡織品有限公司聯合進行了大膽的嘗試。由企業為學生提供毛巾的下角材料，結合學生的獨特設計創意，做出了以毛巾為材料的裝飾藝術作品。這樣的教學內容既激發了學生的創作激情又為企業增添了幾許新意。裝飾藝術課程鼓勵學生們在有些時候可以脫離熟悉的裝飾藝術理念，大膽的去探尋其他設計理念，嘗試其他的途徑，以此來產生新的視覺效果，好的裝飾藝術作品，會讓欣賞者感到意外、驚訝、甚至是手足無措，這就是裝飾藝術的魅力所在。在教學的過程中不斷轉換新的教學觀念，更好的完善課程結構。教學創新就是要給學生創造條件，更好的發揮學生的主動性，使學生能夠主動的選擇、改造和利用這些條件，發揮課程所帶來的真正作用。
第2篇：視覺傳達藝術課程范文
一、大學"視覺文化"課程和專業
晚近以來，視覺文化課程在歐美大學本科和研究生不同層次上開設，有的學校開設了視覺文化專業。以下我們選擇幾所西方大學的視覺文化專業或課程設計，以期了解這一領域專業和課程設置情況。
1.美國華盛頓大學(UniversityofWashington)的視覺文化課程(本科)授課教師：AlexanderCampbellHalavais(halavaisu.washington.edu)課程說明：課程集中在以下理論的閱讀和討論上：視覺和符號傳達與知覺、認知和社會關系的關系。課程將從社會學和心理學開始，進入到知覺研究、美學、符號學、空間研究和信息環境設計等領域(該課程在網上教學)。授課內容：第一周：知覺理論閱讀材料：柏拉圖，《洞穴寓言》；埃柯，《一張照片》；曼諾維奇，《知覺的工作》第二周：視覺知識和權力理論閱讀材料：米歇爾，《意圖和人工性》；馬特拉和馬特拉，《文化工業，意識形態和權力》；萊維，《藝術和賽博空間的建筑》第三周：符號閱讀材料：圖夫特，《逃避平面國》；迪爾凱姆，《三種信仰的起源》；伯克，《人的定義》；弗洛伊德，《拜物教》；榮格，Aion；索緒爾，《任意的社會價值與語言學符號》第四周：社會符號學和創造意義閱讀材料：巴特，《照片的信息》；馬克思，《商品拜物教和秘密》；霍杰和克萊斯，《社會符號學》；費斯克，《電視：多義性與流行性》第五周：視覺的機制閱讀材料：拉塞，《形象分析導論》；本雅明，《機械復制時代的藝術品》；羅維，《電影形式與敘事》第六周：模擬閱讀材料：鮑德里亞，《仿像與模擬》；埃柯，《在超現實中旅行》；萊姆，《第七次突圍》第七周：作為視覺域的城市閱讀材料：魏特姆，《物理空間》；西美爾，《大都市與精神生活》；芒福德，《隱形城市》；米歇爾，《進入生活的計算機》第八周：信息環境閱讀材料：哈拉威，《虛擬狗宣言》；麥克盧漢，《機器新娘》；克盧茲，《本世紀的十大界面》；克茲維爾，《精神與機器即臨的融合》第九周：狂歡、交游、混亂和文化壅塞閱讀材料：貝伊，《時間自動區域》；埃柯，《走向一個符號游擊戰》；萊里，《屏幕》
2.澳大利亞莫納什大學(MonashUniversity)視覺文化研究計劃(研究生)研究計劃說明：視覺文化學科包括藝術史和藝術理論(包括建筑)、電影和電視研究。研究生研究或課程包括以下一些領域：中世紀和文藝復興時期的藝術和建筑，1920世紀歐洲藝術和建筑，澳大利亞藝術和建筑，美學藝術和建筑，電影和電視研究，攝影、藝術畫廊和博物館研究，亞太藝術等。研究性學位：哲學博士學位藝術研究碩士學位澳大利亞藝術研究碩士學位畫廊和博物館研究碩士學位課程性學位：澳大利亞藝術課程碩士學位畫廊和博物館課程碩士學位課程資格碩士學位藝術研究生證書視覺文化教師證書3.美國加州大學河畔分校(UniversityofCaliforniaatRiverside,本科)專業名稱：電影與視覺文化主修：電影與視覺文化主修課程提供關于電影、電視、錄像、多媒體和視覺文化的多學科考察，首先強調歷史與理論，其次強調生產，主修課程由三組課程構成：1)電影與視覺媒介；2)電影、文學與文化；3)人種志、紀錄片與視覺文化。輔修：電影與視覺文化輔修課程提供對于電影、電視、數字多媒體和視覺文化的多學科考察，突出理論和歷史而非生產，以便培養學生的媒體知識。課程選錄：電視藝術導論；當代藝術批評導論；數碼成像導論；現代西方視覺文化；電影研究導論；世界電影批評方法；視覺人類學導論；電影與媒介理論；電影與媒介史專題；媒介之間：藝術、媒介與文化；大眾媒介與通俗文化；居間攝影；社會性別、性征與視覺文化；種族、族性與視覺文化；電影與視覺文化專題；高級攝影實踐；腳本寫作；舞蹈與視覺研究；電影與媒介體裁專題；國際電影、獨立制片電影和另類電影；比較電影研究；高級數碼成像；攝影史：20世紀；日本電影與視覺文化；電影、錄像與藝術：理論與歷史。
第3篇：視覺傳達藝術課程范文
藝術設計相鄰專業的分類：字體設計、室內設計、建筑設計、園林設計、廣告設計、包裝設計、裝禎設計、服裝設計、動畫設計、工業設計、招貼設計、標志設計、花卉設計、游戲設計、界面設計等。通過針對裝飾藝術設計的課題式教學模式的研究，實現具備明確的教學目的，以及融合性的培養方案，用藝術設計領域前沿課題把不同藝術設計專業貫穿起來，整合藝術設計各專業方向，將綠色化設計觀念輸入設計者的血脈，使學生的設計創作緊密聯系社會，朝著人——設計——社會——人的優化方向發展，在社會環境中建立藝術設計綠色生態圈。
二、裝飾藝術設計課題式教學模式的建設
目前關于藝術設計教學模式的研究依然存在一定的問題，這主要表現在：側重于各藝術設計形態及其創作技術的本體性研究居多，而對于整體藝術設計教學模式建設及其必要性進行探求性的研究則很少。國內各高校在結合自己的特色，制定了一系列的藝術設計教學的方針和政策，資料顯示：中央美術學院是兼有設計與藝術創作并且二者互為學科支撐；清華美院則以信息設計服務為自己的辦學特色；中國美院是以數碼藝術創作為主要創作團隊；浙江大學主要依托“計算機輔助設計與圖形學國家重點實驗室”，在數字技術支持與藝術表現的結合上進行辦學模式的探索；北京師范大學數字媒體藝術專業則更多從教育體系的研究出發，強調學科理論體系的研究以及課程體系、教學體系和教材體系等人才培養體系的建設。這些高校是國內藝術設計院校及專業的典型代表，是國內藝術設計教學研究領域的領軍者，具備一定的權威性。課題式教學模式的建設對于提高和加強各專業之間的緊密聯系和知識共享起到了一個橋梁的作用。佳木斯大學美術學院已建成版畫工作室、漆畫工作室、纖維工作室、雕塑工作室、攝影工作室。各工作室擁有較完備的教學設施。針對藝術設計專業課程多而雜的特點，學院在課程設置上要求各專業具備的基礎技能、創意能力、項目實現能力等一系列核心技能。形成了以專業負責人或課程負責人主持領銜的工作室制模式的課程體系。裝飾藝術課程體系已逐步將“創新、技藝、技能、生產”融為一體，具有系統性，關聯性、互為促進性、知識生長性與均衡發展性等特點。“工作室制”的成立，對加強實踐教學環節，提升高校一線藝術設計專業中青年教師教學、科研能力；改善高校藝術設計課教學狀況，提高中青年教師的藝術設計業務能力及學術水平，都有極大的提高。裝飾藝術設計專業的特點是實踐，“工作室制”是以在工作室中進行實踐為教學的模式，課題式教學模式的建設是關鍵。課題式教學模式”以在工作室中進行實踐教學的人才培養模式，以課題式教學模式為核心，注重傳承與創新，以在工作室實習為平臺，模擬真實工作任務為教學內容。形成以應用為主，注重工藝制作和思維創意，培養學生綜合能力的課程體系和教學內容。以裝飾藝術設計中漆畫藝術為例，在研究漆畫課題式教學模式研究中，漆畫工作室積極向其它藝術學科汲取養分。綜合繪畫、雕塑藝術、視覺傳達等專業的視覺理念和特殊材料的運用，都為漆畫帶來新的思路。同時學院積極舉辦各種研討會，探索與運用“產學研”的教學改革與課程運行模式。在裝飾藝術課題式教學模式的研究中，佳木斯大學漆畫藝術收獲頗豐。2003年在學校和美術學院大力支持下，漆畫藝術工作室成立。2003年首屆漆畫展到今天的2010年第十一屆國展，佳木斯大學漆畫藝術從無到有業已走過幾個春秋，學校以黑土文化為底蘊，繼承創新，開拓出一條屬于自己的道路。省展不計，全國美展入選獲獎34幅。其中單項展最高獎“鳳凰獎”一次，優秀獎3次，五年一次全國美展提名獎一次。改革傳統裝飾藝術課程模式。漆畫創作依托創作基地為平臺，教學、培訓、研創融為一體，使教學、社會經濟、藝術價值同步得到了提升。
三、總結
第4篇：視覺傳達藝術課程范文
關鍵詞： 校本課程 民族英雄 視覺傳達藝術 微攝影
學校開設校本課程已有三年了。第一年開設校本課程的時候，看著文科教師開設了文學、時事類課程，理科有著許多生活實踐、應用科學類科目。那么，美術應該開設什么課程呢？
我校地處鄉鎮，沒有城市的嘈雜、躁動，少了城內常見的畫展、書法展等藝術氛圍。鄉鎮內沒有隨處可見的高樓大廈、霓虹燈，沒有雕塑、壁畫和涂鴉，只有鄉野田園、山林溝壑，一切是那么淳樸自然。在這樣的環境下，我應該開個什么樣的校本課程映襯這個大環境呢？
第一次接觸校本課程的時候，記得學校對校本課程的一個重要要求：必須具備鄉土文化特色。有歷史老師開設了“閩南建筑文化”，化學老師開設了“本地水源污染研究”，音樂老師的“南音欣賞”……我應該開個什么課呢？這時候看到校本課程開設說明里的一句話：“不受學科限制。”想到自己對歷史有所涉獵，喜歡研究我國歷史上各個時期的英雄人物，那么本土歷史英雄有哪些？最突出的就是鄭成功！
就這樣，我的第一個校本課程名稱出來了，“鄭成功人生事跡研究”，一個跟本學科并無關系的校本課程。我在這門課程中并不遵從歷史課本上重點介紹他事跡的線索，而是與學生一起探討明朝末年的“海賊王”鄭一官與田川氏對鄭森的影響，又研究了明末雙壁的鄭森與李定國間各自事跡，還對比了民族英雄鄭森與《貳臣傳》中的洪承疇（也是本土人士）。讓學生體會了一次英雄與時代的關聯。
但是，畢竟與美術學科并無關聯，令我有少了點什么的感覺。就這樣，在另一個學期，我開設了第二門校本課程。由于地緣問題，我校美術課只采用湘版美術教材中的《美術鑒賞》作為整個高中的美術教材，缺少其他比較有實踐性的科目。從小在鄉村長大的學生，至今仍有許多對美術的了解局限于“美術就是畫畫”，最多也就知道美術有國畫、油畫和書法。所以為了讓學生增加對美術另一面的認知，我開設了第二門校本課程“視覺傳達藝術探究”。
視覺傳達藝術是多門現代化藝術設計的總稱，要在有限的幾節課里讓學生理解這么復雜的內容是比較難的，因而只能是“探究”。在這一次校本課程中，我帶學生進入美術另一個新領域，讓他們了解隨著時代變遷大多數美術工作者們從事的行業。跟學生一起觀看了很多視覺傳達設計中的精彩作品，領略了一番視覺盛宴。學生看到了，原來一些簡單的物品經過精心擺設竟然那么好看（裝置設計）；原來雕塑可以不用石頭、金屬來做；原來工廠生產的產品包裝起來可以那么美……
一個學期很快過去了，在學生對一幅幅現代藝術設計的創意的感嘆中，視覺傳_藝術課程結束了。但是學生仍然有著意猶未盡的感覺，有些學生跟我提起對藝術世界的強烈興趣，希望下次校本課程中有著讓他們大開眼界的藝術內容。
在“視覺傳達藝術探究”課程結束后，我又想到了一個問題，怎么把藝術帶到同學們的生活當中？我開始調整下一次校本課程的開設方向，我要開一門學生喜歡又能在平時用得上的課程。這時，我觀察到學生受到現代信息社會的影響：智能手機已經成為標配。一放學，好多學生就掏出手機，認真與它進行著“溝通”；有的同學還時不時拿著手機來幾下“自拍”。
拍照，讓我想起在我校未能開設的攝影課，這是一個很大的遺憾。現在的高中生們幾乎都有自己的手機，手機相機雖然比不上專業相機，但隨著時代的發展越發變得強大，拍照的像素值動不動就是幾百萬。這時，我決定了自己要開設的新校本課程“手機攝影應用”。
手機自帶的相機相當于一個定焦相機，一些遠距離的物體與微距拍攝受到影響。但是它可以如同單反相機一樣裝上“鏡頭”，一些手機專用的長焦鏡頭、微距鏡頭、廣角鏡頭等可以在各大網店上購買到。這就解決了手機相機的弊端，提高了它的實戰能力。
第5篇：視覺傳達藝術課程范文
一、喬治•吉伊根的藝術教育理念
為了使教師在學校的環境中更好地發揮藝術批評教育的作用，更有效地創設教學環境和有利于教育策略的實施，在教學過程中樹立正確的教育理念頗為重要。吉伊根“以學生為本位”的教育理念為基于批評的藝術教育實踐提供了具有指導和決定性作用的價值前提，他明確指出：“批評不是當作一種評論的形式，而是作為一種探索的方式。”[4]這里的“探索”包含三層意涵。
第一，強調學生通過對作品的批判性解讀，探尋作品中所暗含的社會觀念、價值和信仰，將審美體驗放在它所在的社會背景中感受，研究審美與意識形態的互動，分析作品與自我的關系，不僅加深學生對藝術作品中美的理解，也促進他們確立對社會生活的看法和積極的自我認同。[5]誠如吉伊根所說：“批評探索為自我理解和社會理解的培養提供了可能。”[6]可見，他把藝術批評的側重點從評價藝術本身，轉移到通過理解和鑒賞藝術來培養學生的批判性思維能力和自我意識上來，凸顯出由藝術表達到社會批判、由藝術創作技巧到藝術評價的重心位移。
第二，學生在教師的引導和啟發下，以問題導向為主脈，對藝術作品進行多方位、多角度的發掘和探究，充分發揮自己的主觀能動性和挖掘自己的創造潛能。教學并非單向傳遞的過程，師生之間、學生之間應共同交流討論，實現知識、價值建構的雙向互動。從某種意義上來說，在教學過程中教師既是學生的引導者又是學生的合作者。[7]
第三，應把藝術作品的含義和價值放在一個相當廣闊的知識領域來解析，這需要學生與具有不同文化背景的各類藝術進行外延性的、擴展性的交往活動，這就涉及開放的心態、對話的意識以及追問和比較的自覺。故而，既要注重學科之間的交叉滲透，也要重視學習內容的多元文化取向，學生應積極主動地吸納不同民族、種族和社會群體的文化。[8]吉伊根還強調：“學生不僅要學習傳統藝術，而且應學習當代藝術，還要學習審美藝術和應用工藝美術、民間藝術和高雅藝術。”[9]可以說，對藝術作品的評價是建立在對藝術作品所蘊含的審美價值、人文歷史和文化背景等的充分了解的基礎上，同時也是學生主動探究、整合多元文化的過程。
可見，“探索”意味著學生學習的主動性、探究性、創造性和開放性，確立了學生是教育的原動力和根本，在教學過程中，最大限度地開啟學生的內在潛力與學習動力，使學生由被動的接受性客體轉變為主動探究的主體。“教”始終圍繞著“學”來開展，使教育過程真正成為學生自主自覺的活動和自我構建過程。
二、吉伊根教育理念的啟示———促進我國高校藝術教育發展的對策
藝術教育強調尊重學生的獨特個性，推崇創新合作，主張以開放、平等的態度尊重和了解不同民族和國家的文化，并保有其獨特性。因此，我們必須改變以往單一灌輸的傳統教學模式，與時俱進，開拓視野，才能適應時代的需求。受吉伊根教育理念的啟示，我們應該結合我國的實際情況，采取有效的教育策略，促進我國藝術教育的發展。
（一）確立以人為本、以學生為本的主體教育思想吉伊根強調學生在學習過程中的主體地位，意味著不僅將學生視為教育的對象，更切實地將他們看作教育過程的平等參與者、合作者、教育與自我教育的主體。為此，應了解并尊重學生的感受和體驗、需求和愿望，并在尊重的基礎上愛護學生、了解學生和與學生溝通。實際上，以人為本的教育理念，也是對教育質量負責、對學生負責的具體體現，英國藝術教育家赫伯•里德（HerbertRead）也說：“對一個生命負責的責任寄托在我們身上，而我們對他們不應有絲毫支配的跡象。”[10]因此，這樣的教育理念更應在藝術教育實踐中去貫徹。反觀我國目前的藝術教育現狀，在諸多方面尚存不足。例如，我國慣有的灌輸式教學方法，使學生缺乏質疑和批判精神，不善于獨立研究、發現和解決問題，忽視了藝術教育在完善人格、提高素養等方面的作用。這在很大程度上是由于教育觀念沒有轉變過來而造成的。而隨著時代的發展，教學過程越來越傾向于“教與學”的雙邊方向發展，以個性塑造為價值取向，培養學生的品質和發展學生的批判性思維，已變得日趨重要。所以，要順利地實施教育措施，首先應切實改變教育觀念，確立以學生為本的主體教育思想。唯此，才能走出藝術教育的誤區，真正有效地改革藝術教育的課程，落實藝術教育的政策和措施，以發展我國的藝術教育。
（二）引導學生由“欣賞型”向“批評型”轉換美的感受是一種主動探求藝術作品內涵的過程[11]，對于藝術作品的欣賞，并非對其做簡單的評價和判斷，也遠不是表達自己的喜好與厭惡，而是通過主動探尋其含義和價值，從而表達對藝術的洞見。吉伊根說：“一個人對藝術作品的體驗是批評探索的開始，這種體驗絕非被動的，而是包含了一種主動探尋其含義的行為。”[12]他又說：“只有學生通過觀察與思考得到了個人的理解，他們才能真正體驗到藝術作品中蘊藏的價值。”[13]因此，在藝術批評教學中，教師應該引導學生根據實際情況靈活采取多種探索方式，讓學生直接體驗和挖掘作品的價值，并給學生提供充分的機會表達、共享和思考他們對藝術作品的個體反應。在藝術的學科課程體系里，藝術批評是非常重要的組成部分，而在我國卻長期被忽視。在我國當前普通高校的藝術教育中，只有藝術欣賞而無藝術批評教學。課堂講授內容基本上是作者及創作背景介紹、作品內容形式分析和藝術審美欣賞等，教學方法單一，學生只能被動地接受，這不能從根本上提高學生的藝術理解力和批判思維能力。因此，我們應采取有效的措施改變這種現狀。可通過以下三種方法將學生引入到對藝術作品的主動反應之中：第一，營造寬松的課堂氛圍，引導學生表達自己對某一件作品的見解，鼓勵學生各抒己見，闡述與眾不同的看法。這樣，教師既為學生提供了暢所欲言的機會，學生亦可從他人的見解中加深對作品的理解。第二，精心挑選一些在內容主題、藝術風格等方面類似的、有一定聯系的藝術作品，比如唐代張萱的《搗練圖》和周昉的《簪花仕女圖》，讓學生進行深入比較和判斷，提高學生的鑒別能力和洞察能力。第三，教師還可以選擇某些與學生原有的認識信念以及價值取向等方面不同的、能引起爭議的作品進行分析。通過以上三種途徑，充分調動學生主動探索的積極性，引導學生從不同角度，運用不同方式與方法對作品加以探究，借助感知和感悟的方式對作品進行理性分析和判斷，持之有據地鑒別和評估藝術的戲劇性文本、謎語性特征及其隱含的意味與價值，這不僅“有利于學生對自己的時代以及文化做出恰當的批判”[14]，還可促使學生“充分發揮批評主體的藝術感受力、理解力和判斷力”[15]，從而促進學生的批判性思維的發展。#p#分頁標題#e#
（三）運用開放式教學方法，培養學生的自主意識和創造思維真正的教育是形成自我教育的過程，自我教育的能力又是教育的結果。自主意識是主體素質結構的活力基礎，學生自覺地認同教育目標并內化為自身的目標體系，主動地駕馭自身素質的建構過程，是教育過程轉化為學生自我實現過程的決定性環節。吉伊根說：“與藝術理解密切相關的是從藝術作品中感受個人的意義，對藝術作品的理解為個人的觀點創造了可能性。”[16]因此，在藝術教育過程中，應運用開放性、互動性的教學方法，引導學生主動探索藝術作品深層的意蘊，喚醒學生的自主意識和培養學生的創造思維能力。
在我國目前的高校藝術教學中，過分強調學校教育的就業目的，由此導致學生學習的功利化，教師也只注重技能的傳授，而忽視藝術教育自身的審美育人目標，以及藝術教育在開發潛能、培養創造力等諸多方面的獨特作用。因為“鑒賞藝術并非被動地接受藝術所展示的東西，而是進行著積極能動地再創造”[17]。所以，我們應改變傳統的教育觀念，運用開放式的教學方法，以學生為本，倡導自主學習、探究學習和合作學習的方式。在教學過程中，首先，可結合學生的相關專業設定一個主題，指導學生選擇一些能夠挑戰學生價值觀和信念的藝術作品，讓學生圍繞這件藝術作品產生的時代政治、經濟、文化背景，通過因特網、圖書館、博物館等查詢和收集有關作品的資料，然后進行獨立研究，通過分析和綜合形成個人觀點；也可以以小組的形式搜集資料，形成小組共識。爾后在課堂上進行討論，在課堂討論的過程中，教師應尊重學生的反應，著重以聯想性問題或評價性問題引導和啟發學生解讀作品，經常與學生交換意見，刺激和驅使他們進一步提出新的問題，投入到不斷解決問題和探討問題的良性循環中，為深入探討創造條件。一件藝術作品可以引發出文化的、經濟的、科技的等等話題，使得學生在這個過程中主動探索，始終保持開放性的審美態度，形成自己的思考方式和碰撞出新的觀點和思想。其次，除了引導學生對作品本身的分析討論之外，還要引導學生把作品放到審美類別、歷史文化和美學觀念等寬泛語境中進行審視，在事實證據和邏輯一致性的基礎上進行評判思考，從而體悟它們背后所隱藏的深層意涵。再次，還要引導學生通過對作品的學習聯系到自身，從而提高自省、社會批判的能力，從而更好地建構自我的價值觀和人生觀。從某種意義上來說，“對藝術對象的評價，同時也是批評主體改造和實現自身價值的過程”[18]。這種教學方式有利于學生的個性發揮和自我完善，同時，也給他們長期處于被動接受知識的大腦注入“激活劑”，幫助他們突破思維定勢之束縛，提高他們的創造力和想象力，真正體現后現代藝術教育的互動特征。還值得一提的是，教師應大力挖掘和充分利用校外豐富的視覺藝術教育資源，重視課堂教學與校外藝術活動的互動。例如，可以組織學生參觀美術館、民間畫廊、藝術展覽、欣賞歌劇等，感受民族文化的博大精深，引導學生運用課堂所學視覺藝術知識體會藝術所帶來的各種美感，進一步培養學生的自主意識和創新能力。
（四）注重學科之間的交叉滲透，構建新型的藝術課程體系雖然各門藝術學科自身都具有相對的獨立性，但與此同時又有很強的互補性，只有通過多門學科的滲透才有助于學生的藝術素養的升華和綜合素質的提高。吉伊根說：“藝術批評和其它學科之間的關系不能簡單化，藝術批評、藝術史和美學之間存在相當的交叉和滲透。”[19]藝術品是以特殊的形式展示深遠涵義的集合體，它可以從表面和暗喻兩個層面上來理解。如果只是從表面上來領會藝術品，就無法領會視覺藝術形式所傳達的思想、情感與理念。要讓學生理解藝術品所展示的視覺暗喻，需要培養學生解開這種象征意義的能力，而通過藝術史、美學等課程習得的知識與價值觀念恰恰能保證學生這種理解能力的增長。
近些年來，我國諸多高校的藝術教育從整體上來說已喪失了“素養”，而只剩下狹隘的“藝術”。雖在大學里實行學分制，設置必修和選修課，但在藝術教育的各門課程的設置方面仍不盡合理。因此，我們有必要加強藝術課程結構的合理構建。藝術教育課程的設置應從課程的系統化、科學化和規范化的高度來認識，運用“一科切入，兼及數科”的方法來設置課程。例如可以以藝術批評教學為主要內容，再與藝術鑒賞、藝術史論、藝術技法等幾門相關學科有機地結合起來，一同應用于課堂實踐。綜合性藝術教育課程立足于學生的整體人格發展，既考慮每門學科自身的獨立性、系統性，又強調建立多學科之間的橫向聯系，將原有的分科課程整合為包容性更強的綜合課程。這種綜合提倡以學生為主體，以某一學科的教學為重心，致力于領域內各學科和其他學科的相互滲透、交叉與融合。
這種藝術課程體系可以統攝音樂、美術、戲劇、舞蹈等多門藝術學科的內容，力圖通過多種藝術的相互溝通、相互啟發和相互支持，為學生綜合藝術能力以及整合性藝術感覺的形成創造良好條件，以期在互動互補中提高藝術教育的有效性。可以說，它重新審視了傳統的學科分類，改變了單純以學科的邏輯來組織課程內容的做法，強調以學生的主動探究為線索組織教學，致力于學生創造潛能的開發，為每一位學生的全面發展提供可能。此外，在藝術教育課程的具體設置上，還應該注意以下幾個問題：首先，目前高校的藝術課普遍比較重視西方的藝術欣賞，對本民族的、民間的藝術關注較少；其次，對拉美、非洲等少數民族以及非西方發達國家的藝術關注甚少；再次，對于當代生活的視覺文化，包括時尚、影視、網絡、動漫等諸多的視覺影像、大眾藝術以及通過網絡等其他形式呈現和傳遞的藝術，還沒有引起足夠的重視；最后，要針對教育對象的不同合理地分配各類課程的比重。
第6篇：視覺傳達藝術課程范文
在美國的教育理念中，每個學生，無論男女，種族，殘疾與否，都應該有均等的接受教育的機會。根據美國當代著名心理學家、教育家加德納提出的“多元智能理論”，兒童的思維被區分為7種思維形式，它們分別是語言的、邏輯的、音樂的、空間的、體態的、人與人之間的（交往的）以及對自我的認識等智力表現形式。依據加德納的這種理論，教師將所有的學生大致根據智力表現形式的不同分為：視覺型學生，聽覺型學生，閱讀型學生，動作型學生，語言型學生等。不同類型的學生應該分別在不同的方面有所擅長，如視覺型的學生會對畫面敏感，可以更快掌握創作技能；語言型的學生擅長對歷史的研究和對審美經驗的總結；動作型的學生肢體語言能力相對較高。對于不同的學生，美國教育試圖盡最大可能給予其平等的教育機會和公平的成績評估，DBAE教學理念的施行，促進了這種平等觀念的實施。這就改變了以往只有動手能力強的學生才會在視覺藝術課上得到教師賞識，拿到較好成績的狀況，使不同類型的學生可以用自己所擅長的思維形式表達對藝術的理解，從而愛上藝術，自覺地接受審美教育。這就讓視覺藝術教育成為一個具有明確的目標、內容和方法的人文學科。它以講授本學科的全面知識和發展本學科的整體智能為宗旨，在學校中與科學和語文等科目處于平等的地位。具體到這種教育理念的實施，美國的學校把每個具體的教學任務落實到了實處和細處。教師的教學計劃、教學活動的安排都要和這一理念吻合，校長和教務人員會常常到教室聽課，并隨時提出對課堂活動的意見，以確保這種教育理念的貫徹執行。
自由創造精神
席勒說：“藝術是自由的女兒。”在美國的視覺藝術教育中，自由創造的精神深入人心。在美國的課堂教學中，當學生開始制作自己的視覺藝術作品時，作為教師應該學會適當的保持沉默。對比國內的教學經驗，當學生開始進行美術創作時，作為教師有義務對學生進行詳盡的指導，否則，就可能被認為是不負責任的表現。但是，在美國如果一個教師喜歡在學生制作作品時指手畫腳，則會被看作沒有專業素養的表現。美國人的觀念里，“幫助”只有在被請求時才應該給予，否則則被視為某種意義上的騷擾，這和美國人對獨立自主觀念的重視有很大的關系。在美國，一個人在出手相助前，一定會先問準備幫助的對象：你需要幫助嗎？得到允許才可以伸手幫忙，否則，即被視為打擾和不尊重他人。所以，課堂上學生的創作自由會被充分地尊重。美國的審美教育觀念深受瑞士的心理學家皮亞杰的影響。皮亞杰的研究認為，“兒童思維與成人思維是不同的，兒童有著自己總結經驗和思維的方式”。教育界對這種觀念的認可使美國日漸形成了一個“兒童中心主義”的教育環境，無論是學校教育還是家庭和社會教育，都非常注重兒童主體性的發揮。
在美國的教育家看來，兒童應該有機會在毫無干涉的情況下接觸和探索不同種類的繪畫或音樂。在此期間，任何人給予他們過多的示范、觀摩、建議，都有可能會使兒童過早形成固定的他人的思維模式。因為這樣就遏制了他們自己的藝術理解力和創造力的發展，會在他們日后的審美過程中形成桎梏和枷鎖，無法進行自主的創造性的審美活動。加德納發展了這一理論，提出藝術思維不同于科學思維和邏輯思維，有著自己的思維方式。所以，在美國視覺藝術的審美創作的過程中，創作者無論年齡大小，都被給予了廣闊的自由自主的空間，教師必須尊重兒童的思維模式。對于初期的視覺藝術教育，重要的是讓兒童大量接觸不同種類的藝術形式，并且教育者鼓勵學生用自己的獨特方式來自由傳達對不同藝術形式的審美理解和再創造。以“梵•高的《星空》”這一課為例。學生在學習這幅畫的歷史和美學價值之前，先要對它作出自己的評價判斷，而后嘗試創作表達自我感受中的《星空》。在此過程中，沒有對錯之分，每個人的觀點和創造都是珍貴的，重點是表達了自己的獨立看法。
如果教師把自己的判斷和想法直接告訴學生，學生就很有可能重復教師的評判，畫出教師所感受到的星空，這在無形之中磨滅了學生珍貴的創造力，使他們成為人云亦云的所謂“權威”的傳聲筒。這種情況在中國的基礎美術課堂上時有發生，十分值得我們深思。
在美國人眼里，藝術根源于藝術家的自由創造，即使無意識的自由創造也是獨特的藝術表現，如美國行動派藝術家杰克遜•波拉克的滴灑藝術就是這樣。同時，藝術也是藝術家個人情感的表現和宣泄。因此，藝術教育的根本在于學生創造能力的培養。作為學習主體的學生不僅需要能夠理解、感知藝術作品中所滲透的作者的情感，而且需要調動自己的情感和審美經驗創造出自己的藝術作品，通過自己的創作對自己的感受進行自由傳達。藝術就是創造，復制不是藝術。從美國政府對版權的保護可以看出美國人對于原創的重視，對于自由創造的尊重。
這給予了藝術創造以良好的環境和肥沃的土壤。在我的美國課堂里，學生會對模仿自己作品的人說：“請你不要拷貝我的畫，這是我的想法，你要有自己的想法。”由于確認了藝術是情感的創造性表達，所以在美國，視覺藝術的教學不會只針對藝術作品進行邏輯性分析，而是通過多樣化的手段努力構建審美主體的審美心理結構。在這里，自由創造的精神讓審美主體的主觀能動性得到了最大程度的發揮。
多元化特征
在美國工作和生活，能夠強烈感覺到這個國家的多元化特征。作為世界上最大的移民國家，兼容并蓄、開放包容是美國社會公眾心理的主要表現。美國的多元化特征正反映出公眾對外來文化的包容心理。且不說種族的多元，文化的多元，飲食的多元，生活方式的多元，就連酒店里的水龍頭設計都是多元化的。
初來美國時，常常需要詢問服務臺才明白它的使用方法。這種多元化特征也無一例外地體現在視覺藝術的審美教育中。首先是教育標準的多元化。就像美國不同的州可以擁有不同的法律一樣，美國的州也可以制定自己的教育標準，連各個州的教師資格標準都有很大的不同。其二是教學內容的多元化。
美國的視覺藝術審美教育內容不是關于某個民族、某個國家、某種文化的藝術，而是涵蓋了世界范圍的題材廣泛的多種藝術形式。研究美國不同州的州立藝術教育標準，會發現無論哪一個州的藝術教育標準都涵蓋著不同文化來源的藝術形式和藝術觀點，任何一種優秀的藝術形式都可能被放在美國的參考教材中。美國文化坦然接納外來藝術作品，并且樂于從這些藝術作品中找到與其自我審美情感、審美經驗互相認同的部分，對之進行審美理解和再創造。和美國的學校藝術教育內容多元化一致的是：走訪美國的地方藝術節，我們會驚奇地發現一些美國本土藝術家在以認真嚴謹的態度制作著非洲風格的木雕或者南美風格的壁畫。
嚴格來講，每個國家的藝術形式都可以成為他們創作靈感的來源。其三是教學方法的多元化。美國的學校喜歡接納具有獨特個人教學風格的藝術教師，學生也期待在課堂上經歷別出心裁的教學過程。事實上，這些學生也確實有機會體驗各種各樣的藝術學習經驗。他們可以坐在地上聽課，可以創造自己的課堂游戲，可以躺在地上作出真人填充壁畫，也可以趴在博物館的地上對著自己喜歡的作品發呆。有的時候，教師還會在課堂里加入力量游戲的內容，讓一些精力過剩的學生可以發泄過剩的精力。其四，創作材料的多元化。談到視覺藝術創作中最為重要的環節——藝術媒介的運用，美國的教育給學生提供了最大范圍的可能性。幾乎所有學校的視覺藝術教室都配備有多種質地和色彩的紙材，多種畫筆和顏料，多種針對不同材質的粘合劑，多種陶土及燒制陶瓷的電鍋爐，多種不同肌理的細碎材質：紐扣，絲網，馬賽克……大多數出現在傳統及現代藝術作品中的媒材在美國一個普通的視覺藝術教室里都可以發現。作為我們的高等教育才會接觸的綜合材料運用，在美國的中小學就已經廣為普及。
美國社會公共審美教育情況
藝術博物館美國的藝術博物館是世界著名的藝術資源庫，即使與世界馳名的歐洲藝術博物館相比也毫不遜色。除去古根海姆這種私立的藝術博物館，大多數藝術博物館在美國都可以全天候免費參觀，或者把每一周的某個半天劃分為免費參觀時段。筆者看到在那些著名藝術博物館的免費參觀時段里，參觀者往往摩肩接踵絡繹不絕，因為這里是視覺藝術審美教育重要的教育基地。
筆者看到在紐約的現代藝術博物館前，每逢周末，都會有超過2條街區的長隊等待入館參觀。藝術博物館是視覺藝術活動主要的場所，隨時要為視覺藝術審美教育提供資源和服務。博物館會根據館內每個時期的展覽為不同程度的學生提供課外課程，除了給學生提供免費參觀講解，還會給教育工作者提供一定的課程素材，一般為數據圖片、視頻資料和藝術復制品等，以方便教師把藝術博物館的活動課程帶入課堂，積極與學校合作開展審美教育活動。2009年冬天，美國明尼蘇達州立藝術博物館舉辦了“走進盧浮宮”的展覽，展出來自法國盧浮宮的一些珍貴藝術品。其間博物館舉辦針對各級學校的“盧浮宮之旅”活動，和招募的藝術教育志愿者一起安排了大量的適合不同藝術層次的有關此次展品的課程，并把這些課程送入該州的各個學校。在美國，博物館里經常看到各個年齡段學生的身影。參觀藝術博物館是視覺藝術課程中極為重要的一項，任何年齡的人都可以隨時拿出畫筆，在這里停駐臨摹。
幾乎每個美國大學都有自己的視覺藝術博物館，即使規模較小的大學也不例外,較大的綜合性大學還會擁有兩個以上。這些展館擁有一定數量的館藏藝術品，但其主要任務是舉辦多種風格的藝術展覽，并結合展覽邀請相關藝術家為學生舉辦講座，為視覺藝術交流和審美教育研究提供一個廣闊的平臺。
藝術家和藝術工作室
美國的視覺藝術家在美國的審美教育中也發揮著重要作用。除卻一部分在學校擔任教職的藝術家之外，還有一些專職的視覺藝術家，包括畫家，雕塑家，陶瓷藝術家，首飾設計師，服裝設計師等，他們大多擁有自己的工作室，在自己的所屬業界已經卓有成就。這些人中很多人的工作室對外界開放，有興趣的人可以參觀，也可以請教和學習。其中一些工作室定期對學校開放。屆時，藝術家會帶領學生參觀并一起進行藝術創作。這就給學校教育增添了更直觀更有趣味的藝術實踐教育。我所任教的學校，每一年都會到不同藝術家的工作室參觀學習實踐。一些藝術家還會走進學校，舉辦短期藝術培訓和教育講座，給學校視覺藝術審美教育注入鮮活的力量。
第7篇：視覺傳達藝術課程范文
關鍵詞：音樂；美術；音樂教育；學科交跨；文化機制；心理機制；課程設置
中圖分類號：J60 文獻標識碼：A
任何學科都有獨立存在的價值。但同時，任何學科也都不是孤立的。隨著社會的發展與認識的深化，綜合的觀念已深入人心。從教學心理學機制來看，綜合課程可以發揮學習者的遷移能力，不同學科的內容相互強化，學習效果得到加強。《全日制義務教育音樂課程標準》：“認識音樂與姊妹藝術的聯系，感知不同藝術門類的主要表現手段和藝術形式特征，了解音樂與藝術之外的其他學科的聯系。根據自己的生活經驗和已學過的知識，認識音樂的社會功能，理解音樂與社會生活的關系。”從而培養學生從多種角度認識音樂、認識藝術的價值、藝術與人類的發展，建立不同學科之間融合滲透的聯系，已成為當代藝術教育發展必須面對的重要問題。
一、藝術學科融合提法的由來
學科綜合是現代新課程改革的一種基本理念，“綜合”既有益于還原生活中事物相互關聯的形態，也有益于改變人格的片面化生成而向人格的完整化和諧發展。學科交跨、課程綜合這一現代教育發展的必然趨勢具有深刻的理論基礎。哲學上，綜合性課程注重從整體的角度看問題，看到組成一個整體的各部分之間的聯系以及這些聯系所具有的含義。整體觀念實際上已經成為我們這個時代的哲學精神。生態學上，教育作為一個生態系統，必須處于動態平衡狀態，才能具有勃勃生機，保持可持續發展。孤立地培養學習某一學科知識、能力，將會直接導致“花盆效應”，與教育目的背道而馳。
藝術課程自然也在走向綜合化。J.巴贊指出：“所有藝術的主旨都是一致的。雖然不同的藝術具有不同的表現方式和表現力量，但隨著時間的向前推進和技術與欲望的同步發展，合法的類似也變得多樣化了。比如說，在音樂中出現了‘色調’，在繪畫中出現了‘節奏’，在建筑中出現了‘不諧和音’，在詩和散文中出現了‘詞語音樂’，繪畫中充滿了造型感覺。”綜合性的藝術教育正是著眼于人的本能和本質發展，克服各種感官的人為分裂，將為學生的全面發展提供重要的基礎。因此，艾伯利斯霍弗等人認為：“實質上，所有能提供審美的和人文學科經驗的藝術都是相互關聯的，所以學校課程應該為提供相關藝術的經驗留有一些機會，一個人開始理解其他藝術形式的審美價值時，他對音樂的美學價值的敏感性也就提高了。”雷默則提出“綜合審美教育”這一概念，他認為：“每種藝術都有自己的主要要素，音樂中有旋律、和聲、節奏；美術中有色彩、線條、質感，詩歌中有比喻、形象、韻律，如此等等，不一而足。每種藝術都可以借用其他藝術的要素，再與自己的領域同化，而許多藝術又可以借用非藝術界的要素，藝術地加以運用，轉化成表現素材。”霍斯曼在《藝術與學校》一書中也曾扼要地提出過類似的建議，他告訴讀者，“一個不需要增加學習時間、教師數量和設備，卻能擴充藝術課程的方法，就是使整個藝術教學課程一體化”。
當然，音樂課程綜合化也勢在必行。美國《藝術教育國家標準》反復強調音樂與其他藝術學科、與非藝術學科的聯系，提倡關聯、整合的課程觀念；具有百年音樂教育出版歷史的西爾佛·伯德特·金出版的《音樂的聯系》其特色之一就是音樂與其他學科的聯系，它貫穿整個教材的主導思路；美國的音樂關聯整合課程改革實驗，力度和影響最大的是“DBME”（Discipline-Based Music Education，基于多學科的音樂教育）；其實，在音樂教育史上產生重大影響的奧爾夫教學法、達爾克羅茲教學法、柯達伊教學法等，它們都比較注重與其他藝術門類之間的融合，我國新一輪課程改革也同樣體現了學科綜合、課程整合的理念。
無疑，向綜合方向的發展是包括音樂教育在內的整個當代教育發展的趨勢。學科綜合的價值在于喚起創造熱情，整合感覺經驗，完成文化自覺。學科綜合的目的，是改變單純以學科知識體系構建課程的思路，開發利用新的課程資源實現教育的使命，教學生懂得人類文化的多樣性，培養有創造力的全面發展的人才。
當然，綜合不應該以犧牲學科的獨特價值為代價。并且，綜合不應該理解成學科疊加、課程合并，而應該是一種學科滲透的方法，通過發現同構的藝術形態，尋求共通的藝術精神。因此，雖然音樂與美術的綜合符合藝術教育改革的基本原則，但在實施中卻存在對綜合原則的理解差異。我們不妨比較一下下列3個公式：
1 1+1=2（表示一門音樂課加一門美術課等于兩門獨立的課程，這是我國藝術教育的原有狀況）；
2 0.5+0.5=1（表示把綜合理解成合并和減少課時，兩門課依然沒有內在關聯反而分別有所削弱）；
3 1+1=3（表示保留各門學科獨特價值，但通過學科交跨，在原有課時條件下新增了課程價值）。
本文并不是旨在提供一種答案，而希望探索學科交跨的機制，因為正如布魯納所言，了解“構建世界的方式遠比建立這些過程性結果的本體地位更為重要”。
二、學科交跨的文化機制
音樂與美術學科交跨的文化機制留存于“文化關聯性”。這種關聯性主要體現在下述三個方面。
（一）藝術皆與生命關聯
就藝術而言，任何對象都是一種生命存在形式，音樂、美術概莫能外。在作曲家、畫家的知覺中，婆娑的樹影、啁啾的飛禽、花卉百獸、冰雪山川，都是躍動的生命，都和人一樣有喜怒哀樂、知覺情趣。他們在表現藝術對象時的差異，只是選擇了不同的符號。真所謂“天地與我并生，萬物與我為一”，眾生萬物與藝術家的心靈息息相通。
無論在樂曲還是在畫作中，生活是以它原本的形式呈現的，它是綜合性的、整體性的、運動性的、充滿生命活力的，這是藝術區別于其他學科的特征。對于某一特定的科學來講，自然界的任何現象都只有某一方面的意義，其自身并無獨立的生命。同是茉莉花，植物學家看到的是歸類木犀科榮莉屬的常綠攀援灌木；地理學家關注的是茉莉花適宜生長的溫和濕潤的氣候和土地環境；經濟學家興趣在于茉莉香油在國際市場上與黃金等值的價格和熱帶風光的旅游資源；社會學家發現的是茉莉花已作為由內格里托人、印度尼西亞人和馬來人組成的菲律賓共和國的國花……茉莉花在科學領域中喪失了獨立的意義，它的生命被肢解了，不再是一個生氣盎然獨立自主的整體。而作為藝術對象，無論是在音樂中還是美術中，茉莉花都是栩栩如生的，不僅有鮮活的生命，而且有人的感情。音樂與美術的藝術形象，都是主客觀統一的產物，都充滿著生命力，這就是藝術的意境。而藝術的意境，是包括音樂與美術在內的一切藝術形態所共有的，是多種藝術門類相通之處。
近年來，生物音樂學家通過確定語言進化和音樂進化之間所擁有的相似性程度，來探索音樂是否像語言一樣，擁有價值的普遍性特征。其實，音樂作為傳達心跡的藝術，與作為交流工具的語言在溝通這一方面確有類似之處，但兩者又有本質的區別。語言只有當組織成詩歌、小說、戲劇等藝術形態時才能創造藝術美，而音樂本身就是藝術美的載體，美術同樣如此。英國藝術評論家里德《藝術的真諦》認為：“藝術與宗教是自然的理想化，特別是人——自然發展的頂峰——的理想化”。因此藝術所體現的美是“一種特殊的人生哲學的產物。這種哲學在本質上具有人的特點：美使人的全部價值得到升華。”不論是音樂還是美術，都在體現這種價值追求。這使得不同藝術形態之間有了連接的橋梁，也使得藝術能夠成為“生命的最高使命和生命本來的形而上活動”。
（二）藝術與語境關聯
自梅里亞姆以來，學術界的通識是：民族音樂學研究的是“文化中的音樂”或“音樂中的文化”。鄧福星《美術人類學》：“一種文化的各種方面都可追本溯源到一個關鍵性的原因，各·種面貌只是它的表現”。藝術學家格羅塞《藝術的起源》說：“藝術的起源，就在文化起源的地方”。實際上，一切藝術都起源于非藝術，這正符合“一切事物都起源于非該事物”這一基本原理。
藝術與文化千絲萬縷的密切聯系，使各門類的藝術可能獲得相一致的語境。文化研究學者格羅斯伯格在他的《文化研究，現代邏輯以及全球化理論》一文中指出：“對于文化研究而言，語境就是一切，一切都是語境”。這里的語境，即國家或地區的社會文化環境。藝術作品是個性化的，但同時也產生在某種語境的文化空間之中。語境體現了藝術與文化的關系，也體現了藝術門類之間的聯系。
從本質上說，文化也是整個生活的反映。藝術中的某些意義和價值取向，實際上是對某種生活的描述。因此，這就產生了發現和評價藝術實踐的共同機制，盡管這些藝術在形態上千差萬別。
薩義德指出：“所有的文化都是彼此關聯的；沒有任何文化是單一的、純粹的，所有的文化都是混雜的、異類的、非常不同的、不統一的。”詹姆遜也認為：“任何一個群體都不可能獨自擁有文化：文化是一個群體接觸并觀察另一群體時所發現的氛圍。”因此，不同的語境之間并非隔絕，也有著各種復雜的相互關聯，這使得藝術學科的滲透有了更為廣闊的背景和多樣化的可能。
（三）藝術與學科之間的關聯
各個學科有自身的獨特價值，各種藝術都與地方文化相關，這似乎使得學科之間的融合有了阻隔。但是，文化研究的視角帶來了新的轉機。
文化研究是一個最少限定性的知識探求領域，文化研究不僅是跨學科的，而且有意識打破學科界限，在學科之間游走，甚至造成學科歸屬上“無家可歸”的狀態。任何學術話語，藝術、文學、歷史學、社會學，以及語言學、符號學、人類學、心理分析學的，都可能產生持續碰撞，在學科交叉的邊緣開放出花朵。這種學科研究的開放性。為音樂與美術的互滲拓開了道路。
這種學科的交跨南來已久，在20世紀有長足的發展。貢布里希在《秩序感》一書中將音樂與美術及舞蹈作類比，從形式、韻律、情理、引力場能方面尋找不同藝術形態之間共同的秩序感；康定斯基通過對音樂神奇境界和意味的探求，引出了繪畫由自然模仿向主觀抽象的“圖象轉換”，從而使自然的抽象被高度地符號化、秩序化，從點、線、面比較了不同藝術形態的表現性，并提出了有關人的感官聯覺、繪畫的“運動”、張力狀態以及體現宇宙精神同一特性的“內在聲音”；拉塞爾則將藝術作為其第一坐標來分析社會和文化，考察了構成現代藝術基礎的社會文化要素。這些研究，已使音樂、美術由學科封閉的狀態轉向開放，使人們采用整體觀和聯系觀看待學科關系，賦予其意義的整體環境，在相互關系中對學科進行審視。
三、學科交跨的心理機制
道家有“眼如耳，耳如鼻，鼻如口，無不同也”之說；佛家有“耳中見色，眼里聞聲”之說。克羅齊在《美學原理》中也認為審美的表現是綜合的，各種感官都處于平等的地位。既然在聽覺與視覺之間存在著如此血緣的關系，那么它們彼此間交融的科學基礎是什么呢？
盡管我們通常稱音樂為聽覺藝術，美術為視覺藝術，但是音樂并不是只為聽覺而存在，美術也并不是只為視覺而存在，音樂與美術是兩種不同的藝術形式，音樂以聲音為物質媒介，表現人的主觀情感，主要作用于人的聽覺；美術則用形體、色彩、線條描寫客觀事物，主要作用于人的視覺，一個是無形無相的聽覺藝術，一個是有形有相的視覺藝術，它們之間有著明確的界限，但并不存在一條不可逾越的鴻溝，它們之間存在著共同規律、共同審美特征，如平常我們所感受到的詩中有畫，畫中有詩，音樂中有詩情畫意，詩畫中有音樂旋律，其特點可用曹植《七啟》中的話來概括：“畫形于無象，造響于無聲”。在藝術與審美心理學中，把它歸結為藝術審美活動的一種特殊現象——“通感”，在心理學中一般把其歸納為三個方面：其一，是指由對某一藝術形式的感受連帶勾起對其他相關藝術形式的感受，即所謂的“藝術通感”。其二，是指藝術創作中由于外界事物的啟發、誘導所引起的對藝術構思與藝術創作手法的頓悟。其三，是指審美中借助當前刺激引起的單一感官的感覺、知覺，通過理解、聯想、想象、情緒等的作用，引起其他感官的感覺、知覺興奮和整體感受的心理現象，或指當前一種感官的感覺、知覺借助其他感官的感覺、知覺的興奮而得到加強，這一現象也就是現代心理學所說的“聯覺”。認為某種感覺感受器官的刺激能在不同感覺領域中產生經驗，不同感官的感覺印象可以混合成為連貫的、統一的印象，并認為最常見的聯覺現象是“色聽聯覺”。藝術家只有借助通感，才可能以有限的感性材料創造出無限的藝術空間，欣賞者也只有借助通感，才可能從有限的形式中獲得無限的內容。不言而喻，光線對于耳膜不會產生顏色的感覺，聲波對于視網膜也不會造成聲音的感覺。宇宙間形的美、色的美只能由人的視覺去攝取，而聲波形式的美、音色的美只能由聽覺器官去捕捉、去感受。但視覺、聽覺又會產生“聯覺”現象，外界信息進入具體感官之后，在向神經中樞輸送時的轉轍改道，這就是通感產生的生理原因。
其實，著眼于詩畫在“情”、“意”上的相通，在光波、聲波上的聯覺，中外古典文論、詩論、畫論、詞論中，對詩畫相通、耳目聯覺的藝術規律有諸多闡述，如朱自清在《荷塘月色》中把荷花的“縷縷清香”比之為“歌聲似的”，由清香引發、想象出歌聲，以真實的嗅覺喚起了聽覺的聯想，把塘中的月色比作是光與影和諧的旋律，“如梵婀玲上奏著的名曲”。這樣的描寫對理解音樂藝術視覺元素和聽覺元素的關系有觸類旁通之妙。英國哲學家培根的一段話，好像是給朱自清的生花妙筆作了佐證。培根說：“音樂的聲調搖曳和光芒在水面上浮動完全相同”。他們以客觀真實的視覺轉換調動讀者儲存記憶中的聽覺，使賞心悅目和怡神悅耳相通了，把視覺元素和聽覺元素縷縷相連、脈脈相同、融為一體，這正是通感所起的作用。
黑格爾說：“藝術的感性事物，只涉及視、聽兩個認識性的感覺，至于嗅覺、味覺和觸覺則完全與藝術欣賞無關。”可見，在藝術通感中，最活躍的是視覺和聽覺，人們稱作“視聽通感”。在欣賞名畫，可以在無聲中聽到有聲，如：“舉頭忽看不似畫，低耳靜聽疑有聲。”（白居易《畫竹歌》）聆聽名曲，也可以在無形中見到畫面，如：“喧啾百鳥群，忽見孤鳳凰。”（韓愈《聽穎師彈琴》）正是由于“視聽通感”的廣泛存在，才使得美術和音樂之間搭起了橋梁，啟發了美術家在畫面上表現聲音，作曲家在樂聲中描繪色彩。
第8篇：視覺傳達藝術課程范文
高中開設美術欣賞課的目的就是要讓學生掌握如何去欣賞、認識、理解一件件美術作品的方法。通過欣賞達到豐富知識、陶冶情操、提高素質的目的，并樹立正確的人生觀和價值觀。欣賞本身就需要有強烈而且直接的視覺感受，而由于音樂具有逼真的音響效果，能夠喚起學生的多感官感受，對美術欣賞課有很好的輔助教學的效果。
將音樂融入課堂，有利于開啟學生良好的情緒和喚起學生的情感。自古以來，音樂家因畫作曲、美術家因曲作畫的事例舉不勝舉。例如，康定斯基始終把繪畫看成是一種能喚起聽覺的“內在音響”。他在《論藝術的精神》一書中詳盡地論述了音樂與繪畫所存在的深刻的聯系。他認為，繪畫中的色彩猶如音樂里的音符，它本身就能打動觀眾。畫家以這種抽象藝術來表達自己的內心世界，在觀眾中喚起音樂所產生的那種難以用語言表達的藝術情感。康定斯基追求繪畫的音樂感，最后發展出情緒性的抽象繪畫。所以康定斯基的作品被認為是“凝固的音樂”。
音樂除了形象特征外，還有一個重要特征——情感特征。音樂具有情感性，情感具有感染力。相對于美術作品而言，音樂更容易打動人，更容易引起情感共鳴。那么，因勢利導，將音樂引入課堂，對美術鑒賞課堂的實施具有顯而易見的效果。
1 將音樂融入課堂，有利于喚起學生良好的情緒，激發學生學習熱情
將音樂引入課堂，可創設優美的教學情境，使師生在特定的審美情境中觸景生情，達到比較好的教學效果。每節課筆者都會做一個課件，在美術課件制作中，為拓展學生的想象與聯想的空間，深化作品的主題，可精心挑選適當的音樂作背景，做到視聽結合、情景交融。這樣引發學生思考，加深學生對事物的認識，可起到事半功倍的作用。
如欣賞中國古代雕塑群秦陵兵馬俑時，配上琵琶獨奏《十面埋伏》，那氣勢恢弘的兵馬俑列陣，那大國泱泱的氣派，使學生有種身臨其境的感覺。他們不但興趣濃厚地學習了本課知識，理解了雕塑的藝術特色，還大大激起了他們的愛國熱情。欣賞中國民間美術則配上民樂《喜洋洋》《金蛇狂舞》等，為學生搭建一個感性的、鮮活的學習空間，使學生在濃厚的民間氛圍中感受民間美術的精彩，同時對各種民間年畫、剪紙、玩具等大家喜聞樂見的藝術形式產生共鳴。
筆者還在欣賞雕塑《阿波羅與達芙妮》時，讓學生欣賞由S.H.E演唱的《月桂樹》，學生馬上被音樂所創造出來的意境加上眼前的圖片所震撼，這種由眼、耳、腦同時被沖擊所留下的印象是極其深刻的，效果非常好。經驗證，學生對此作品的記憶也非常深刻。
2 將音樂融入課堂，可營造寬松愉悅的學習氛圍
輕緩柔和的音樂能營造出民主和諧的教學氣氛，使學生處于一種輕松愉悅的學習狀態之中，創造一個能自由探索的藝術空間。在對美術作品進行分析與交流階段，通過背景音樂營造寬松愉悅的氛圍，讓學生積極討論，大膽地表達自己對作品的理解與感受，從而加深對美術作品的認識與理解。很多美術作品都表現出音樂般的韻律感，在欣賞時配上合適的音樂，使美術與音樂融為一體，最大限度地開發學生的創造潛能，能夠融會貫通，開闊思路，使心靈的火花隨時迸發。
3 將音樂融入課堂，可讓學生通過音樂理解美術的多個流派
在音樂鑒賞中，也分了很多流派，和美術流派相對應，如古典主義、浪漫主義、印象主義等。那么在欣賞這些流派的美術作品時，可以搭配上相應的音樂作品作為背景，可謂一舉兩得。如《日出印象》是莫奈著名的印象派作品，在由淡紫、微紅、藍灰和橙黃等色組成的色調中，一輪生機勃勃的紅日拖著海水中一縷橙黃色的波光，冉冉生起。海水、天空、景物在輕松的筆調中，交錯滲透，渾然一體。而印象主義音樂家德彪西的《大海》則具有奇異的幻想因素、朦朧的感覺和神奇莫測的色彩，旋律略帶冷漠飄忽的感覺。兩者互相具有共同之處，而聽著印象主義的音樂，欣賞著印象主義繪畫，難道不能起到事半功倍的效果？
同樣，欣賞浪漫主義作品《自由引導人民》，可以選擇浪漫主義音樂舒伯特的《魔王》或李斯特的《愛之夢》等，不勝枚舉，都可以調動學生多個感官，激發興趣，達到提高審美素質的作用。
音樂可以通過沒有具體形狀的聲音為人們所接受，通過形式的變化，通過強度、速度、節奏、韻律等表現人的情感的變化。抽象藝術也是如此，它們之間也有某種共通關系。
在教學中，筆者通過讓學生聽不同的樂器的聲音和旋律，來辨別所傳達的情感是緊張的還是松弛的，是明亮的還是暗淡的，從而用顏色來表達這種情緒的變化，體會色彩與音樂都具有的明與憂郁感、興奮感與沉靜感。這就是音樂與色彩的相互轉換，這為學生理解抽象藝術架起了橋梁。這樣，康定斯基和蒙德里安的作品就不再難懂。
在欣賞荷蘭畫家蒙德里安的作品《百老匯的爵士樂》時，一邊放爵士樂，一邊讓學生去找尋畫與音樂之間的聯系，并把感受表達出來。在音樂影響下，學生面對畫面，很容易感受到畫中那像銅管樂器一樣明亮的黃色線和閃爍不定的小色塊表達出的爵士樂所特有的節奏感，還能感受到紐約最繁華的百老匯夜晚的嘈雜。這樣，抽象的繪畫語言變成詮釋音樂的形象的視覺符號，能夠使學生加深對美術作品的理解。
4 將音樂融入課堂，可以讓學生通過聽音樂來進行創作，釋放情緒
第9篇：視覺傳達藝術課程范文
關鍵詞： 藝術素養 建筑學 審美能力 創造性思維
建筑學是一門技術與藝術并重的學科，尤其是在經濟迅速發展的背景下，單方面強調建筑的功能性再也不能滿足人們的需求。要求技術更藝術化，藝術更科技化，兩者在設計高峰匯合。正如《包豪斯宣言》也這樣描述道：“完整的建筑物是視覺藝術的最終目標。藝術家最崇高的職責是美化建筑。今天，他們各自孤立地生存著，只有通過自覺，并和所有工藝師共同奮斗，才能得以自救。建筑家、畫家和雕刻家必須重新認識，一幢建筑是各種觀感的共同結合的實體。”
一、建筑學藝術教學現狀
目前，由于受應試教育和盲目追求升學率的功利思想影響，很多建筑學專業學生對藝術知識的學習很難得到保證。除少數學生有美術功底外，大部分學生都是入校后才開始系統學習藝術理論知識和技能的，這使得教師教學任務繁重，教學重點只是放在技能掌握方面，從而忽視基本藝術素養的培養。素描和色彩等專業基礎課程多以實物寫生，單純的技法學習不能有效地與建筑設計課程相結合，學生學習主動性不高。課程設置缺乏對學生藝術創作能力的激發和培養。在教學過程中，建筑學與其他藝術門類的交流甚少，學生對其他藝術形式關注不多，甚至沒有設置重要的相關藝術理論課程，能夠培養學生藝術創意能力的課程更是幾乎沒有。
二、建筑學藝術教學轉型的必要性
一名出色的建筑師除了應必備職業道德素養外，其專業素質直接決定了作品的成敗。建筑師應具備的基本專業素質如下。
審美能力，是建筑師將建筑變為藝術的基礎。正如《包豪斯宣言》中所說完整的建筑物是視覺藝術的最終目標，這就要求建筑師一定是一個能夠懂得美、鑒別美、運用美的藝術家。
創意思維，它是所有設計方案的源泉，是設計的靈魂。
溝通能力，包括口頭表達和方案草圖表達兩種。建筑師能否準確地表達自己的設計理念與設計構思，直接決定了其建筑創作能否被更好地理解及順利實施。
色彩能力，是建筑師對建筑色彩協調搭配的能力，以及對色彩情感傳達的把控。
材料應用能力，是建筑師對建筑材料工藝和性能的掌握，是對建筑表皮及結構表達的基礎。
空間塑造能力，是建筑師區別于二維設計師的關鍵。建筑是一個包含人類活動在內的三維空間，如何根據功能需求滿足人們行為的空間組織是建筑師的首要任務。
當然，除以上提及的專業素質外，建筑師還應熟知相關規范，能夠團隊協作，等等。其中，方案草圖表達能力、色彩能力、材料應用能力、空間塑造能力都可以在建筑學藝術教育的相關課程中得到訓練，而創意思維能力和審美能力的培養并無具體課程與之配合。如圖1所示：
圖1 建筑師基本素質與藝術教育課程的關聯性
隨著電腦技術在建筑設計領域中的廣泛應用，建筑設計已經越來越能夠擺脫傳統技術的束縛，建筑大師天馬行空的想法也可以通過設計軟件的計算與協助得以落實。這就要求現今的建筑學藝術教育更注重培養學生的審美素養和創新思維，而不是簡單的模仿和抄襲。建筑界需要新一代設計師運用智慧，而不是模仿工匠。
三、建筑學藝術教學轉型方式
建筑學藝術素養教育在專業教學中舉足輕重，不可忽視。籠統地認為建筑學藝術教學就是培養學生的繪畫能力是非常片面的，建筑學學生在校期間的藝術課程是培養學生藝術素養的平臺。根據建筑設計師從業所需藝術素養將建筑學藝術課程教學目標定位為提高設計審美能力、培養創意思維、鍛煉基礎繪畫技能三個方面。
（一）設計審美能力的提高
提高學生的設計審美能力首先要增強學生對美的視覺敏感度，培養對美的賞析和評判能力，其次要把握如何對美進行提煉、抽象和再現。高層次的審美訓練是建筑學藝術教育的首要目標。建筑設計的目的不是為了迎合大眾審美，僅僅滿足現有的生活習慣，而是引入新的生活方式，提高人們生活的情趣、品位和質量，在滿足基本功能的前提下做到賞心悅目。
對于工科學生審美能力的培養，除平日多加強對中外美術作品的鑒賞外，還應多涉獵與藝術相關的其他領域，比如詩詞、舞蹈、音樂、話劇、電影，等等，增強學生對藝術的感悟能力。學生長期受到多種門類藝術的熏陶，接觸到各類藝術的美，從而有更多的機會感知美、提煉美。
學生早期所接受的審美教育與成長經歷有關。很多人被認為沒有藝術細胞，但實際上，他們在進入高校前的藝術積累并不是零基礎，只是每個人對藝術敏感和喜好的方向不同。比如一些學生入校之前就對流行音樂表現出濃厚的興趣，老師可以從該方面入手，觸類旁通、舉一反三，找到學生所愛好的音樂美與設計美之間的相通之處，在情感和心理上加以引導。這種因材施教結合環境引導的方式對實現審美能力的提高起著積極有效的作用。
審美能力的提高還在于審美經驗的積累，這不僅需要積累廣泛的藝術知識，還需要積累對生活中美的感悟。老師應引導學生發現和洞察生活中的美，思考美中孕育和包含的情感，紀錄生活中美的表達方式。只有調動主觀能動性，學生的藝術素養和藝術品位才能得到真正的提高。
（二）創意思維的培養
建筑的多元化發展，促使建筑教育中藝術教育的內容不能僅僅局限于通過繪畫滿足基本的造型要求。其中相當一部分內容涉及和滲透著社會學、人類學、美學、哲學、藝術史論等人文科學，以及音樂、電影等人文方面的知識。建筑藝術教育還應重視與相關學科中藝術的交流融合，比如城市規劃、園林景觀和室內設計等，廣泛了解同流派在不同領域中的藝術創作，以及不同流派在同領域中的創作表現，通過橫向與縱向的對比與聯系，開闊學生的設計思路，培養學生的發散思維。
基于對不同門類學科的情感體驗，學生要嘗試打破建筑設計常規思維，對以往專業知識和習慣性理念重新組建。為開發學生的創意思維，教師可以加大學生概念設計任務，強調自由創造，反對設計作業模仿因襲，墨守成規。教師應努力變“填鴨式”教學模式為“開放式”教學模式，鼓勵學生跟與藝術相關專業的同學定期進行思想或作品交流，拓展思路和思考的角度，也可嘗試組隊創作，在共同的創作過程中激發創新意識。
學生通過接受包豪斯教育體系構架的平面構成、色彩構成、立體構成等課程，實現藝術內容中創造性思維和造型能力的訓練。教師應著重加強平面構成、色彩構成與建筑設計課程的關聯性，課程中增設大量動手操作的實踐環節，把平面構成手法與建筑平面、立面設計結合起來，用色彩構成語言培養學生對建筑材料運用的敏銳感，以立體構成課程訓練學生感知實體空間的能力，最終可以以建筑模型的作業方式呈現。學生通過對形體、色彩、材料、空間的再創造，把虛擬空間變為現實空間，并不斷完善空間，達到培養創意思維的目的。
學生學習的空間環境也是培養學生積極思維的一種途徑。建筑設計教室可以被作為設計的對象，學生可定期對其內部空間進行改造、分隔。通過親自動手改造學習環境，學生學習課程的興趣被激發，思維的活躍程度和學習效率也會得到相應的提高。
（三）基礎繪畫技能的訓練
建筑學開設素描和色彩作為專業基礎課，但與一般美術院校培養學生的目的不同，它更注重培養學生的造型能力。對于技法要求很強的繪畫，在教學過程中則宜以審美欣賞為主，側重于提高學生的審美感知和審美品位。繪畫技能的訓練強調基礎，注重速寫，對石膏頭像和人物寫生不做要求。繪畫應與建筑設計融會貫通，以優秀建筑作品為素材分析臨摹，既可以提高學生繪畫的針對性，又可以加強學生對建筑設計語言的理解，還有利于建筑專業相關課程的展開。
建筑學專業的繪畫主要以建筑效果圖表現和建筑鋼筆畫表現技法訓練為主，應與設計類課程實施捆綁教學，以古今中外的建筑名作為創作原型。學生應結合文史背景，提煉概括，通過所學技法準確表達建筑及建筑內外部環境空間。這樣既能激發學生的學習興趣，提高學生對空間的想象力和把控能力，又能將表現技法靈活運用于建筑語言當中，使建筑語言視覺化。通過眼、腦、手三位一體的協作與配合，培養學生眼光敏銳、趣味高雅、造型嚴謹的專業素質。
四、結語
就建筑學現行的招生和建筑專業就業情況來看，當前建筑學藝術教育的轉型迫在眉睫。加強建筑學學生的藝術素養，應著重加強審美和創造性思維的訓練，繪畫技能與建筑創作相結合，培養出真正有頭腦的設計師而不是模仿工匠。
參考文獻：
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