傳統藝術的認識精選(九篇)
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第1篇：傳統藝術的認識范文
一、生態美學是對美的另一種探索
生態美學從廣義上來說包括人與自然、社會及人自身的生態審美關系，是一種符合生態規律的當代存在論美學。把美學與哲學及自然結合，與我們生活整個環境結合，這是我們要探索的。道家思想被認為是文人山水畫的理論來源，道家認為，本真的、原生的自然是美的，就有“天人合一”的說法。老子說：“道生一，一生二，二生三，三生萬物。”（《道德經》）。莊子則指出：“天地有大美而不言。”（《知北游》），就是說，道是世界的總根，一切都由其化生；而化生之德是無上的，也是至美的。自然之美在于它是世界的本真、源頭。在傳統繪畫美學看來，自然之美，因其為道無言之化生。生態美學強調自然界的有機性、整體性與綜合性，我們站在這樣一種視角去探索生活，呵護環境，傳承文化，以達到一種“天人合一”境界。因此，“生態美學”可以說是對美的另一種探索。
二、生態美學視閾下的中國傳統文人山水畫的藝術體現
（一）傳統文人山水畫中的“自然藝術”
藝術源于自然，傳統山水畫作為中國畫藝術的精華，更是離不開自然之本。何為“自然”，就如風過而樹動這樣不露痕跡的和諧之美，這是一種只能心領神會而無法真正用語言表述的大美。而中國傳統文人山水畫卻將這種不能夠言傳的美臨摹了出來，整個作畫的過程，無一不是一種美的傳遞。從初始的構圖、筆墨的運用、心靈與自然的契合，動靜相宜，無不揮灑出一種無法言喻的和諧之美。
例如，北宋時期王詵的《煙江疊嶂圖》便是這樣一種和諧美的典型代表，整幅卷軸將詩與畫巧妙融合在一起，創造出一種“詩畫同體”的境界，崇巒疊嶂陡起于煙霧迷漫的大江之上，奇峰聳秀，溪瀑爭流，云吞霧吐，一派蓬勃生機。呈現出浩渺空靈、恍若仙境的山川景致。
（二）從生態美學的視角看待傳統文人山水畫中的“天人合一”
我國傳統哲學思想中就有“天人合一”的說法，這一說法不僅影響著我國傳統哲學領域，同時也滲透到文學思想以及美學的領域，尤其是在我國的傳統國畫中更是體現的淋漓盡致，縱覽我國文人山水畫家的作品，無一例外，都透露著一種人與自然的和諧美。
例如，元代黃公望的《富春山居圖》，這幅山水宏幅，就是以一種獨特的方式向每一位欣賞著敘述著創作者“天人合一”的思想情懷。畫面峰巒起伏、林木秀美，祥和的小村落點綴在自然山水間，溪流、飛瀑、亭臺、小橋，隨著畫卷的不斷展開，景隨人動，人隨景遷，讓我們領略到人與自然的靈性律動。畫者描繪了人與自然的互相依存，向世人闡釋了 “天人合一”的美感。
（三）從生態美學的視角看待傳統文人山水畫所描繪出的生命的靈性
“天地與我并生，而萬物與我為一”，莊子的“物化”乃是一種獨與天地精神往來，物我兩忘之心境，這種哲學思想，放至畫境，是一種玄遠的審美意象，就是說萬物與人是源于一體的，不論是山水或草木，這自然中的一切同人一樣具有靈性。在畫者眼中，山石樹木、春夏秋冬，都是生命的律動，他們把自然的情緒都集中體現在山水畫中，讓我們去認識自然的血脈，感受生命的韻律。
例如，元代倪瓚的《漁莊秋霽圖》，描繪江南漁村秋雨初霽之景象，遠山近村，秋水澄明，清寒空寂，淡泊寧靜。采用頗具個人特色的“三段式”構圖，中右方以小楷長題連接上下景物，使全圖渾然一體，達到詩、書、畫的完美結合。后人稱之“不食人間煙火氣”，不愧是元代“放逸”之精品。這樣的畫面讓觀者看到的不僅是自然的美，更是生命的美，讓我們帶著崇敬去觀察生命，體悟大道。
三、當代生態美學視閾下的中國傳統文人山水畫的藝術價值
（一）文人山水畫對自然美的認識與肯定是人類對待自然應有的態度與意識
中國傳統文人山水畫中所體現的對自然之美的崇敬與熱愛，正是我們所需要的對待自然的態度，我們要有認識這種自然界的無聲無息的大美，不論是傳統美學還是當代美學，我們都需要這種啟發，需要從不同的視角去認識美，創造美。中國傳統美學把自然存在物當作“人格化”的存在。人，以及自然事物，均有內在的品格，是畫家心靈的跡化、性格的外現、氣質的流露、審美的顯示、學養的標記。因為在文人畫家看來，人不游離于自然之外，而其本身就是一種自然。人的自然性不是簡單的依附自然環境，而是表現其思想情感，并借助一定的方式使情感、愿望、理想得以表達、實現。文人山水畫為我們對于自然之美的認識，提供了有力的證據。
（二）文人山水畫中“天人合一”與“和諧統一”的思想啟發了我們對與自然相處之道的探索。
文人山水畫作為東方特有的“自然生態藝術”，往往給欣賞者靜謐安寧、優美和諧的愉悅感，即在于畫者并不凌駕于所描繪的對象上，而是采取凝神靜觀，與對象交通相應、同構契合而達成。它不僅反映了自然之美，更體現出了一種“天人合一”的和諧之美，同時也賦予自然以生命的靈動，這些傳統的哲學思想是我們探索人類與自然相處之道的啟發。人類作為自然界中的一份子，就應以平和的心態去對待身邊的事物，善待自然，才能達到“天人合一”。其次，這些無數的藝術瑰寶，不僅其自身是無價的，且啟發了人們對自然進行保護的激情。
第2篇：傳統藝術的認識范文
關鍵詞：藝術設計；數碼；藝術修養
中圖分類號：J01文獻標識碼：A文章編號：1005-5312（2011）18-0156-01
任何一種藝術形式的出現，都要依賴于當時社會和科技的發展。數碼藝術設計這一藝術形式便是隨著計算機的發展和普及，數字化時代的到來而誕生的。著名藝術家羅伯特?勞申伯和設計大師喬治?開普斯(George Capps)在上世紀60年代就開始成立了專門機構研究數碼圖形與數碼藝術，從上世紀80年代美國蘋果電腦公司推出MACINTOSH電腦形成“桌面排版系統”(簡稱DTP)開始，數碼技術在藝術設計領域應用越來越受到人們的重視。數碼圖形技術的成熟帶動了CAD/CAM(電腦輔助設計/電腦輔助制造)的普及和發展，設計藝術與數碼技術才得以真正結合。隨著現代的數碼技術在藝術表現領域中開始形成自身獨特的視覺表現語言，體現出更高的藝術價值，數碼藝術設計開始進入到藝術的古老殿堂。但是當數碼藝術創作給藝術家帶來興奮和視覺的新奇的同時，卻發現因文化科技等諸多因素，產生了數碼藝術與傳統繪畫藝術美的情感差異和數碼藝術表現的不足，同時還存在一些對數碼藝術的模糊認識。通過對傳統藝術形式和數碼藝術創作文化淵源的發掘，探討數碼藝術設計創作的視覺表現和美學趨向，及其藝術創作最基本的圖形、色彩、民族文化、數碼技術等方面的要素，有助于我們正確認識數碼藝術。
形成傳統藝術形式和數碼藝術創作審美情感的差異，首先是文化傳統淵源的不同。傳統繪畫藝術創作是建立在深厚的文化底蘊和歷史淵源之上的，蘊藏著眾多的地域風情和民族文化。傳統的藝術精粹形式豐富，包涵著深刻的文化積淀、民族的心理情感、風俗習慣、審美觀念及審美情趣。傳統繪畫藝術所體現出深遠的歷史傳統，眾多的風格流派和博大的地域民族文化，以及傳統繪畫的筆墨造型和傳統藝術的文化淵源，都在人們的心理情感交流上造成親和力，產生心靈的共鳴。而新生的數碼藝術創作是在科技和工業的基礎上發展起來的，在美學情感上缺乏傳統文化基礎，在表現形式和內容上有較大的局限，使人產生在文化遺傳上的陌生和疏遠。其次是因為現代科技的含量導致創作和表現的差異。在人們還普遍認為傳統藝術只是存在于筆墨和傳統工藝的材料技巧之間時，數碼技術這一高科技的創作方式進入到藝術設計領域，就需要有一個認識和接受的過程。數字化圖形處理技術是數碼藝術造型創作的根本基礎。
在數碼藝術設計表現過程中，吸收不同文化、各學科領域的相互補充、借鑒是數碼藝術發展的根本。結合民族的優秀傳統文化和藝術形式是不斷充實數碼藝術設計的魅力和生命力所在。數碼藝術創作也具有很多自身的魅力，她為傳統繪畫創作的表達和反映藝術家的創作構思提供了形象化的手段，最大限度地發揮藝術家的思維和想象力。日本設計大師田中一光把現代設計觀念和數字藝術的形式美揉合到日本傳統藝術里，作品帶有明顯的優雅、素凈和單純的民族文化特色，又具備了強烈的現代美感，將現代意識和傳統精神融為一體，以獨特的表現形式和視覺語言以及鮮明的個性在日本設計界掀起一場對傳統精神的再創新再創造運動。他的海報設計“染織新秀展海報”以日本傳統民族服裝和服作為設計符號，不僅體現了民族文化，而且在表現手法上又具備現代設計的形式美。
西方的傳統繪畫從文藝復興開始經歷了古典主義、印象主義、現代抽象主義，中國繪畫也經過了很多流派的演變，現代設計從設計革命開始也經歷了現代主義、后現代主義等時期，而數碼藝術設計創作是從單一的商業派生出來的，缺乏藝術創作的根基，造成人們對數碼藝術表現的認識還趨于膚淺和一些錯誤的看法，在這里主要存在三個方面的誤區，一是萬能說，認為電腦萬能是對數碼技術的崇拜和夸張，是對藝術的基本創作規律和表現形式膚淺所產生的錯誤觀點，以模仿的技術代替藝術的原創可以說是非常幼稚的認識，是對數碼技術模仿和創造的關系認識不夠。
隨著數碼藝術的不斷發展和藝術創作形式的更新，其藝術價值將打破自身本來的純商業性，在藝術創作領域占據更重要的地位。三是人們對數碼藝術價值缺乏正確的認識。傳統繪畫藝術創作是建立在深厚的文化底蘊和歷史淵源之上的，蘊藏著眾多的地域風情和民族文化，傳統繪畫藝術的歷史傳承、民族風格等因素，受到廣泛的認可，其藝術價值也倍受尊重。和傳統藝術作品的惟一性相比，數碼作品批量生產的因素直接影響到對數碼作品的心理感受的不同和價值認可的降低，但是我們應該正確認識到數碼作品不僅是體現一種科學技術，而是體現一種新興的藝術現象，她有著自身的視覺語言和傳達方式，所以數碼藝術價值是不可以用傳統的價值觀來衡量的。
第3篇：傳統藝術的認識范文
關鍵詞：中國當代油畫；中國傳統文化；融合
在當前全球化的歷史潮流中，在多元、立體交叉大的文化語境里，要如何研究和發展我國的文化美術事業，我們應該怎么樣保持清醒的頭腦和明確的認識，深刻理解和把握我們的民族精神與民族文化傳統的內涵，這對我國文化藝術及繪畫藝術的發展、創新具有實質性的深遠意義和價值。當代中國油畫在受到西方繪畫影響的同時，也開始了對于我們本民族傳統文化的回歸。
我國當代油畫面臨的現狀是進入21世紀，隨著西方的各種藝術思潮的影響和市場經濟大潮的帶動下，不僅使得一些藝術家迷失了方向也使我國當代油畫藝術的審美和評價標準模糊不清。
一些中國當代的油畫藝術家由于自身對中國傳統文化觀念的淡薄，導致思想上越來越多的受到西方文化價值觀的影響，而這種影響表現在作品上便是缺乏中國特色和文化內涵，使作品失去了應有的文化價值，和藝術價值。由于西方發達國家通過藝術市場，攫取了中國當代藝術的評判權，使得一些中國的油畫家盲目地迎合西方文化藝術的評價標準，得到西方策展人的承認，從而忽略了中國傳統文化的表現。
中華民族歷史源遠流長，傳統文化博大精深，匯聚中華人民幾千年的智慧和勞動，它經歷了古老的彩陶和文字的發生時代，經歷了青銅時代，在歷史的傳承中，我們的祖先創造發展了自己特色的漆文化和茶文化，有附和自己文化和歷史的雕塑，建筑和家具，享有絲綢之國，瓷器之國等美譽，這些都是中華民族的重要凝聚力，具備文化科學價值。
中國油畫藝術應該是以其燦爛的民族文化為背景，向世界展示一個歷史悠久，蓄勢待發的一個民族。中國油畫藝術應該既能表現我們的民族精神又能體現時代的風貌。所以，當代油畫中有必要融入中國傳統文化，我們應認識到其中的迫切性，中國油畫的文化語言才會真正走進世界，立足于世界，被人們記住。
我國當代油畫藝術創作的提升有賴于藝術家建立自身傳統文化修養和藝術修為。面對文化的全球化，作為中國油畫家不僅應該熟知哺育自己成長的中華民族傳統文化，充分認識到中國文化的發展方向，還應了解和研究西方的各種藝術語言，以此來提升自己的藝術文化修養。
中華民族就是一個不斷融合、不斷吸收各民族優秀文化的民族，許多少數民族完全與漢族融為一體。對外來民族文化藝術的引進、選擇與吸收融合的過程中，促進了中國藝術的發展。如印度佛教文化的進入，在藝術上豐富了中國的繪畫、雕塑、舞蹈和音樂的發展。佛教繪畫傳入中國后，迅速的提高和豐富了民族繪畫的技巧和表現力:比如閆立本、李思訓等畫家吸取佛畫中金銀色和其它多種強烈色彩的手法，創立了金碧山水畫。
因此，中國當代油畫家需要正視傳統文化，充滿自信，喚起主體民族意識，使中國當代油畫作品由于繼承了民族文化精神而具備更高的藝術價值。
進入21世紀，通過其開放包容的特質，中華民族再次走向偉大復興的道路。同時，中國的改革開放也給中國油畫帶來了外國的藝術思想，隨著西方的藝術思潮迅速在全國的傳播，給封閉以久的國內藝術界帶來新的氣息。但是，當時中國只單純的對西方藝術思潮和西方現代藝術各流派的借鑒和挪用，并沒有自己創新。緊接著在市場經濟大潮的帶動下，伴隨著后現代藝術思潮涌入導致一些藝術家迷失了方向。針對我國當代油畫的藝術審美標準應該怎樣確立，判斷和評價，其發展應該如何評估，油畫藝術的基本價值應建立在哪些基點上，國際文化藝術領域都在反思和審視當代和后現代藝術的狀態，并認為應該重建本土文化精神，重新認識本民族傳統的藝術精神和文化品質。
中國當代油畫面對文化全球化，應對中國傳統文化引起關注，尤其是具有豐厚文化傳統的東方美學藝術的思想體系。中國藝術、美術的發展、審美取向及價值標準的核心也只有一個，即以民族精神為主導和統領的藝術多元化。所以注重民族精神內涵的表現，大力提倡和弘揚民族精神，也是我國文化戰略發展的重要組成部分。要求中國當代油畫藝術應該具有時代精神、民族特色、個性創造的藝術語言，我國油畫藝術應該進入一個獨立創造為主的新層面，只有這樣中國面對文化全球化發展當代油畫藝術的民族文化的主體性成為歷史的必然的趨勢。
第4篇：傳統藝術的認識范文
(一)生活方面
隨著社會的發展，文化的滲透以及旅游業的發展，越來越多的現代人開始侵入少數民族的生活領域。面對新鮮的事物與思想，各民族為了能夠滿足自己的生活需求，開始跟隨現代生活的發展步伐，而逐漸地開始拋棄自己原有的一些傳統民族藝術形式，而只是把這些藝術當做是賺錢的工具，最終導致傳統民族藝術的流失，使得國家失去了一項引以為傲的“瑰寶”。導致我們的現代文明在生活上與傳統民族藝術出現沖突。
(二)思想方面
隨著社會的發展，中國特色社會主義思想開始深入人心，如何發展中國經濟，如何提高中國綜合實力以及軍事實力則成為了每個中國人所關心的問題，正是因為如此，我們開始忽視了中國傳統民族藝術的發展與保護;面對如此強烈的物質需求，使我們的精神領域開始出現腐敗、俗化，而消磨了我們原有的傳統民族藝術的思想，最終于傳統民族藝術開始出現思想上的沖突。
(三)行為方面
每一個民族都擁有屬于自己本族的行為，是自己所要遵循的規定。但隨著現代文明在少數民族的深入和影響，一些民族開始變得不滿足于傳統藝術的發展速度，開始放棄自己本族的傳統藝術，而開始興起了現代文明中的一些快餐文化，淡化了傳統藝術中的一些有利的因子，導致了傳統民族藝術在行為上與現代文明間的沖突。由此看出，傳統民族藝術與現代文明之間的沖突并不小。那么，面對現在和諧社會發展的要求，將傳統民族藝術與現代文明相互和諧發展是全社會的要求。
二、傳統民族文化與現代文明和諧發展
通過以上的介紹，可以看出，促進傳統民族藝術與現代文明的相互和諧的發展是現代社會發展的強烈要求，那么，我們到底應該如何去完成這項任務呢?我們要怎樣做才能夠讓傳統民族藝術與現代文明和諧發展呢?本人提出了以下幾個觀點。
(一)加強政府對傳統民族藝術的保護
要做到將傳統民族藝術與現代文明和諧發展，最為根本的前提就是要得到政府的全力支持。所以，在這個過程中，政府要發揮他們的作用，加強對傳統民族藝術的保護力度，實施一系列的獎勵政策，來鼓勵少數民族對本族藝術的保護，并可以通過對該藝術人才的選拔，將傳統民族藝術搬上國家性的舞臺，同時讓現代的“文明人”看看真正的傳統民族藝術，讓所有人都領略到傳統民族藝術的精髓。
(二)傳統民族藝術與現代文明發展相結合
雖然傳統民族藝術與現代文明有沖突之處，但這并不意味著他們之間就沒有相互關聯之處。那么，我們在現代文明發展過程中，就可以利用這些相互關聯之處將二者結合起來，發展真正地擁有中國特色的現代文明。例如，中國傳統民族中的文字與現代書寫的融合，傳統民族的建筑風格與現代建筑的相互結合，再如將傳統的民族服飾融合到現代的服裝設計上等等，通過這些形式的融合，不僅能夠促進傳統民族藝術的保留與發展，更能夠在世界上展現出真正的屬于中國的美。
(三)加強傳統民族藝術的教育
想要將傳統民族藝術真正地傳承下去，就一定要做到緊抓教育。因為，教育人類之本，通過教育，才能夠讓下一代認識到、并傳承上一代的知識成果。那么，為了能夠讓傳統民族藝術與現代文明相互和諧發展，就一定要對學生進行相應的教育，讓他們從小就建立起與傳統民族藝術之間的聯系，促進學生對于傳統民族藝術的認識，這樣才能夠真正地培養出符合社會文明發展要求的人才，為社會文明發展與傳統民族文化的相互和諧發展的建立培養出更多建設性人才。
三、將傳統民族藝術與日常生活相融合
現代文明之所以與傳統民族藝術相沖突，還有一大原因就是傳統民族文化與現代生活相互分裂，而使得現代人無法感受到民族傳統藝術的氣息與渲染，而少數民族的人們也無法適應現代生活所帶來的沖擊。所以，我們可以將傳統民族藝術與現代的生活相互結合起來，使二者融合為一體，這樣既能夠不斷地促進現代人對傳統民族藝術的認識與接收，還能夠幫助少數民族適應現代的生活，逐步走上文明發展的道路。
(一)建立名族傳統藝術保護區
當然，面對各族文化發展的同時，也絕對不能夠忽視傳統民族藝術的保留，因為這些都是國家的瑰寶，是不可以流失的，是要不斷傳承下去的。那么，當地的政府可以通過建立相應的民族傳統藝術保護區的形式，將一些即將流失的藝術保護起來，這樣才能夠真正地做到及發展了現代文明，又傳承了民族傳統藝術。
(二)傳統民族藝術對于現代文明建設重要性
傳統民族藝術是我們國家不斷發展過程中先人留給我們的遺產，更是整個社會的瑰寶和文化中的精華。雖然在現在看來，傳統民族藝術與現代文明之間顯得沖突不斷，但是若沒有傳統民族藝術為基礎，我們又將怎樣發展起現在所謂的“文明”呢?所以，本人認為，傳統民族藝術對于我們的現代文明建設是極其重要的。
(l)傳統民族藝術為我國現代文明的發展提供了思想基礎:我國的現代文明是從“”中所提出的“反對儒家文化”所開始的，但是這里所說的“反對儒家文化”并不是指要拋棄傳統，而是要“去其糟糠’，，也就是說，我國的現代文明是在傳統民族藝術的“去其糟糠”的基礎上發展而來的，然后再到理論的引入，毛鄧思想的提出，一直到今天的“高舉中國特色的社會主義”，試問，若沒有這些傳統的民族藝術的保駕護航，這些先驅們要怎樣找到這樣一條適合中國發展的道路的呢?所以，傳統民族藝術為現代文明的發展提供了一個思想的基礎與保障。
(2)中華民族傳統藝術是中國的代表:現代文明不論發展的多么輝煌，多么成功，它始終無法成為中國的代表，因為它是全世界的一個發展趨勢。但是，傳統民族藝術不同，他完全可以代表中國，就比如說一提“京劇”，有誰不會想起中國?一提起“絲綢”，有誰會懷疑那就是中國呢?所以，傳統民族藝術是不容忽視的，因為他為我國的發展提供了強大的國際競爭力。
(3)中華民族傳統藝術為中國現代文明建設保駕護航:在中國現代文明建設中，正是因為傳統民族藝術中所表達出的思想與情懷，為我國的建設者們提供了一系列的思想保障，不斷地維持著他們的思想，使其傳承了中華民族的傳統思想，從而保證了我國發展的持續性以及發展方向的正確性。若沒有這些民族傳統藝術的思想約束，我們還能夠建設出現代的中國嗎?民族傳統藝術是我國發展的思想保障以及軟實力培養的前提，所以，在現代文明的發展中，重視傳統民族藝術的發揚與傳承是極其重要的，且更是必要的。
第5篇：傳統藝術的認識范文
關鍵詞：中國古代傳統藝術；新媒體藝術；意蘊；傳達方式
朱狄在表達“藝術”的概念時說過這樣一句話，“藝術的概念就好比一根電纜，它由許多不同的電線組成，每根電線都有它特殊的歷史，并和它自己遙遠的過去相聯系。”藝術的概念如此，藝術的傳達方式也是一樣。中國古代藝術的意蘊和現代新媒體藝術的傳達方式跨越了歷史，有著驚人的相似。
中國古代藝術從最初表述“種植”的“藝”，后衍生到“技術”的“術”，最終成形清末劉熙《藝概》中包括的“包括了詩、詞、曲、賦、散文、書法等門類”。 但對于“藝術”一詞的理解，界內更推崇的是香山居士《畫記》中的闡述。
唐代著名詩人白居易為了記錄一位二十多歲的青年畫家張敦簡的畫作，“恐將來者失其傳”而作《畫記》一文，是年貞元十九年，即公元803年。張向白居易展示了十余軸畫，內容有山水、松石、霓云、鳥獸，妓樂、華蟲、六畜等。《畫記》中說：“張氏子得天之和，心之術，積為行，發為藝，藝尤者其畫歟！畫無常工，以似為工；學無常師，以真為師。故其措一意，狀一物，往往運思，中與神會，仿佛焉，若驅與役靈于其間者。……然后知學在骨髓者，自心術得，工侔造化者，由天和來。張但得于心，傳于手，亦不自知其然而然也。至若筆精之英華，指趣之律度，予非畫之流也，不可得而知之。今所得者，但覺其形真而圓，神和而全，炳然儼然，如出于圖之前而已耳。”
《畫記》中“畫無常工，以似為工；學無常師，以真為師。”把“擬”與“真”作為繪畫和學畫的基本要求。白居易認為“學畫得骨髓者”，“自心術得”，也就是說要用心體悟畫之理，另一方面白居易還認為要“工侔造化，由天和來，即師法造化，自然而至，不需雕琢”。張敦簡的作品“形真而圓，神和而全”，臻于完美。“形真”、“神和”乃是白居易認為的最高藝術標準。白居易認為藝術家的藝術創作在很大程度上是屬于一種無意識的心理活動或思維狀態，其這樣的闡釋從藝術作品結構層次的范疇來說也就是中國古代藝術的意蘊。
意蘊，即蘊含的意義。藝術意蘊，也即蘊藏在藝術作品的語言和形象后面的雋永而深刻的生命價值和審美意義。中國古代傳統藝術的意蘊由來已久，傳統畫中強調“以形寫神”、“氣韻生動”，書法藝術中強調“風骨神氣者居上”，音樂藝術中強調“大音稀聲”，詩歌藝術中追求“象外之象、韻外之致、味外之旨、含不盡之意見于言外”。這些意蘊歸結起來就是“象、意、形、神”。中國古代藝術中的“象、意、形、神”不同于西方的藝術表述方式。
西方藝術注重從反映于我們的視覺的物質外形來解釋某一事物，表現的是視覺的真實性。而東方繪畫則超越了視覺的認識。透過事物的外形，用心感知。從內在的認識上去表現事物的“精”、“氣”、“神”。而非呆板地去描摹外形。這種表述方式就如中國的傳統哲學思想一般。佛家認為，人的身體是四大假合的，是神識的棲居處。老子說：“生者，寄也。死者，歸也。”沒有識的色身只是一具尸體。好像沒有人住的空房子，沒有生氣。然而，神識無形無色無味，不可通過肉眼看見，但它又支配著色身的變化，每個起心動念又可由面部表情，肢體表現出來。所說的“相由心生”就是這個道理。形不是一個人的全部，也不是不變的。而是“萬相皆由心想生”比如快樂時的你和生氣時的你在面相上就是很大的不同。可你能說那不是同一個你嗎？因此說明外形并非是最權威的。而古時的中國人就看到了這一點，可見中國古人智慧的超前性。因此，表現藝術作品時則必須同時把握形神，而不可偏廢一邊“偏于形則猶如空尸，偏于神，則不可見。”歸結來說：中國古代意蘊就是透過異化表象來體現事物本質和作品的內涵。
20世紀末，伴隨著電腦的發展與普及，數字化時代孕育出了“新媒體藝術”這一獨特的藝術形式。現在藝術品的創作者不再需要畫框、昂貴的顏料、畫紙以及各式各樣大小、型號不同的畫筆，只需要面對著電腦顯示器并用手輕輕敲擊鍵盤與鼠標，再加上一系列愈來愈智能化的軟件，新媒體藝術富有想象力的獨特的圖像立刻展現在觀者的面前。作為目前最為前沿的圖像藝術之一的數碼藝術，除了繼承了傳統藝術一些觀念、表現特征等一些美學基因之外。新的科技手段，新的圖像技術，不僅革新了新的創作流程，也革新了新的視覺體驗，新媒體藝術的數字化特性導致了其虛擬現實性、觀念思維的圖像化傳達、即時性、非線性的表達方式、多種媒體的交互式、游戲式的自由化審美等諸多特征。雖然新媒體藝術在科技發展的基礎上有了巨大的改變，打上了計算機網絡時代的烙印，但新媒體藝術的傳達方式上和中國古代傳統藝術的意蘊幾乎同出一轍。
新媒體作品在表現形式上以抽象表現為主，幾乎不會出現寫實的表現形式。而新媒體藝術的傳達方式上強調“喻意”，作者通過其作品（不論是直觀的視覺作品，還是具有互動性的實物或虛擬作品），用相對“隱諱”的方式傳達作者要表達的意義。從這一點來看，和中國古代藝術中“象外之象、韻外之致、味外之旨、含不盡之意見于言外”有著異曲同工之妙。甚至可以說新媒體藝術的傳達方式和中國古代藝術的意蘊是一樣的。
Monika fleischmann 的作品《液體景觀》以及英特爾研究公司的作品《魔術咖啡鏡》。并沒有通過寫實的描寫把主題直接傳達給了觀眾，而是通過喻意的方式，用一種近乎于中國傳統的、含蓄的方式來表現主題和喻意，可以說和中國古代藝術的意蘊如出一轍。這也是新媒體藝術在傳達方式上的一個鮮明特點。
中國傳統文化中所顯示出的對真理的認識于世界中是首屈一指的。中國的傳統文化維系了中國幾千年的命脈。中國人的聰明是世界公認的。四大文明古國中也只有中國還存在。因此，我們不可小視中國古人的智慧，那是幾千年的古圣先賢的智慧結晶。而中國傳統文化中的一支：傳統藝術，則是我們今日的藝術家應當研究學習的。將中國傳統藝術的精髓保留下來，并運用于當今的藝術創作中，使其發揚光大則是今天的藝術家的責任。
（作者單位：昆明理工大學）
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第6篇：傳統藝術的認識范文
論文內容摘要：保羅·塞尚用色彩造型、藝術變形、幾何構成方式，使得藝術從模仿再現走向主觀精神，從藝術的傳統法則到按照自己對自然和藝術的理解來處理畫面，從而推動了藝術觀念從傳統到現代的轉型。
一、藝術觀念與視覺方式的變革
觀念支配世界，觀念改變世界。潛藏在視覺方式變化背后起支配作用的乃是藝術觀念的變化，所以記載著各種藝術風格、流派產生、發展、衰落的藝術史，不僅是一部關于視覺方式的歷史，從更深一層的意義是來說，乃是一部關于藝術觀念不斷更新演進的歷史。不同的人、不同的時代所持有的藝術觀念是不同的。藝術觀念直接影響到我們對藝術作品、甚至藝術風格和藝術流派的認識和評價。
縱觀西方美術史的發展和演變，從宏觀上可以分為兩個大的階段：從古希臘到19世紀中葉法國印象派為第一階段，這一階段西方美術以模仿寫實為主流，可以稱為西方傳統藝術；第二階段從l9世紀下半葉的后印象派開始直到現當代，這個階段的總趨勢是突破模仿自然的傳統藝術觀，走向主觀精神和內心世界的表現，建立了全新的藝術觀念。在傳統藝術觀念到現代藝術觀念的轉變過程中，保羅·塞尚被譽為“現代繪畫之父”，在塞尚之前，西方主流畫家都把注意力放在再現客觀對象上，模仿自然萬物，從塞尚開始，放棄了傳統的藝術觀念和法則，完全依靠自己獨立的觀察進行創作，有意識地將自己的注意力轉向表現自己的主觀世界，通過概括和取舍，從結構的觀點來描繪對象，正是由于塞尚的繪畫的主觀性改變了西方藝術的進程，對以后的藝術家產生了觀念上的巨大震撼，這種巨大的震撼導致了藝術思想的全面解放，可以說，現代藝術始于塞尚，在這個意義上有人把西方美術史分“塞尚之前”和“塞尚之后”兩個階段。wWW.133229.Com要了解、認識西方現代藝術，首先需要了解、認識西方藝術觀念的轉變，而西方藝術觀念的轉變肇始于塞尚。
二、塞尚與西方藝術觀念的轉型
塞尚用色彩造型、藝術變形、幾何構成方式，使得藝術從模仿再現走向主觀精神，從藝術的傳統法則到按照自己對自然和藝術的理解來處理畫面，從而推動了藝術觀念從傳統到現代的轉型。
1、幾何構成方式。模仿再現的藝術觀念起源于古希臘，亞里士多德就談到了人有模仿的本能，柏拉圖提出了繪畫是對現實的模仿的模仿理論。作為一種美學體系，模仿理論確立于文藝復興時期，這一時期還以透視、解剖、明暗等科學法則發展和充實了再現客觀對象、描寫真實的藝術手法。藝術家們在描繪對象時把模仿客觀對象作為繪畫不可動搖的基礎，這種傳統繪畫觀念一直保持到l9世紀印象主義時期。塞尚最初參加了印象派畫展，但印象派主要追求光影的效果，而忽視對象的輪廓和形，藝術觀念的差異最終導致塞尚的離開。塞尚最大的旨趣是根據自己的觀察，盡可能客觀地描繪世界，從本質上看，塞尚是一個古典主義者，他最崇拜古典主義藝術家普桑繪畫中的那種平衡、寧靜和堅實的結構，促使他不惜代價要在自己的藝術中實現那種博物館藝術的不朽和永恒，但他發現古典藝術大師為了這種藝術風格付出了巨大的代價——自然的真實性，因為這種創作所尊重的不是自然本身。所以塞尚聲稱“根據自然，重畫普桑的畫”。他認為畫家應該忠實于自己面對自然所獲得的視覺感受，使作品既有印象派強烈鮮明的色彩，又不舍棄對象的形和結構。
在塞尚看來，人的感覺和知覺是混亂的，人看到的對象也是散亂的，往往因為藝術家對物體的主觀感受和心境等因素而導致表現對象不真實，為了描繪客觀的真實，塞尚試圖探索繪畫所描繪對象固有的本性，物體最真實的本質，經過艱難的努力，塞尚找到了結構這個物體所具有的本質，他認為無論外界條件和藝術家主觀情緒的變化都不可能改變對象的結構，藝術家的職責就在于把混亂的知覺納人程序，在視覺范圍內獲得這種有序的結構，他開始用結構的觀點去認識和概括一切，他說：在自然里的一切，自己形成為類似圓球、立錐體、圓柱體。人們必須在這些單純的形象基礎上學習畫畫，然后人們就能畫一切想畫的東西。但這恰好與他繪畫的初衷客觀真實描繪對象是背道而馳的，他的結構觀實際上是一種主觀認識和描繪對象的方法，這種繪畫創作中的主觀性成為后來現代藝術的基礎，幾何構成方式這種手法導致了立體派藝術的產生。
第7篇：傳統藝術的認識范文
當今美術事業與時俱進，蓬勃發展，已到了多元發展、相互并存的格局，中國現代美術教育經過一個世紀的洗禮、發展，隨著科學技術的發展與文化觀念的變化，伴隨著我們對造型藝術的基礎所涵蓋的內容已經豐富起來。
長期以來，我們對造型基礎的認識和理解往往停留在過去的經驗上，中國的美術學院從建立開始，一直沿襲著西方美術學院樣式。以造型基礎的素描而言，從上世紀20年代徐悲鴻、劉海粟、林風眠、顏文等先驅從歐洲直接移植，以法派素描為主，到50年代蘇派的契斯恰柯夫素描體系，以蘇派素描為主，深深烙印在國內美術教學中，雖也插入羅馬尼亞畫家博巴的結構素描,基礎訓練基本上以鉛筆加石膏、靜物、頭像為主。注重基礎訓練的模仿，處于被動接受，機械訓練的狀態。脫離了教師安排的靜物、石膏、人物，就找不到可畫的東西，創造意識非常淡薄，表現能力也很有限，造型基礎訓練已變成單純技能手段，目的就是“像”“準”，根本上是將基礎訓練僅作為技能的手段，沒有擺脫被動描繪對象的認識，并且把西方各國基礎教育中非常有限的不同要求、風格的變化，互相對立起來，把規律性的研究和個人主觀感受、藝術表現對立起來，僅是以“像”“準”為目的。眾所周知。以造型為基礎的素描而言，不僅只是“像”“準”，它是一種通過繪畫形式而進行的強烈的視覺交流，是和觀察不可分割的。事實上，素描與觀察緊密相連，任何一方的減弱都會破壞二者之間的共生關系，從而削弱藝術的表達力。素描是用色彩和線條把實在的或想象中的物體形象地描繪在紙或其他底子上。然而，素描遠不止描繪物體，它是一種用來交流的視覺語言，是作者對感覺和經歷的最直接表達。而傳統的基礎訓練，包含了準確描繪能力的訓練，結構分析的訓練，明暗與線條的訓練，表現能力的訓練，由淺入深把握自然物象，同時，也從中悟到繪畫語言由簡單到復雜的轉變。這似乎是一條非常完整的訓練道路，然而似乎缺少了點什么。它是在對自然的深入研究中結束，是對客觀物象的完整研究，而且是對造型藝術語言的完整。但作為造型意識和造型能力的培養，僅限于此嗎？
自上世紀初期，現代藝術成為西方主流以來，我國隨著改革開放和對外交流，隨著現代藝術的引進和發展，開始對造型藝術有了一個全新的認識。傳統和現代之間本不存在絕對界限，任何藝術形式都是由傳承而來，是人們不斷總結前人經驗發揮創造的，不可能完全割裂開來。作為現代的造型語言，很多是把傳統中有過的某些原理、方法和手段在現代條件中強調、延伸、放大。西方藝術的發展自印象派開始，經過立體主義、表現主義、結構主義一直到抽象繪畫，這個發展基本是繪畫擺脫非繪畫因素的一種純藝術努力的過程。藝術發展是視覺、知覺、語言系統的演變和進化過程，從古典主義到現代派都沒有放棄對自然的理解追求，造型藝術的不斷發展和變革，實質上就是“看”和“畫”的演變過程。愛因斯坦相對論的發表，現代工業的發展，照相攝影術的產生，電視機、攝像機、電腦及數碼產品的出現，改變了人們對過去、現在、未來的態度及時空的觀念，新的科學促進了新的時代產生，而科學的發展又促進了新的文化發展。在藝術上，人們對空間、形的視覺觀念發生了質的變化。為此，我們應清醒地認識到造型藝術不等同于技術，造型藝術基礎訓練，不僅僅是研究表現客觀物象的手段，現代藝術已經進入了我們的視野和生活。20世紀30年代紐約先鋒派中有影響的畫家約翰·格雷厄姆說：“任何技巧上的完美和優雅都不可能創造出美術作品，美術作品既不是真實再現，也不是歪曲地再現，而是直接地不加修飾地記錄，記錄了建立在空間中的畫家的思想和感情的真實反映。”作為造型藝術要更具有容納性、選擇性和試驗性，因而也更具有延伸性，以適應當代藝術的復雜和變化。而造型基礎訓練也從單純的技能訓練轉化為不僅僅是技能培養，更應是對觀察力、想象力、創造力的挖掘；不僅研究以自然表現客觀物象為手段，更應是提高審美能力、創造思維的重要手段。審美能力、創造能力、表現能力、觀察能力不僅靠某一種單純訓練來獲得，更應以培養基本造型能力的訓練方式、方法的多樣性和豐富性，以具象造型能力培養為基礎，既注重對再現物象能力的培養，又要積極順應時代的發展，基礎訓練方式需要利用新的材料媒介，發現視覺語言及發掘內心精神世界的表達方式。
我們加強創造觀念、表現形式的培養和訓練，把傳統寫實的嚴謹、系統、全面、精確同現代藝術的空間、結構、個性、人文觀念相結合，并不以某種模式為標準，在充分發展個性基礎上，掌握操作技能與造型活動同現代藝術抽象因素相融合。由此充分認識具象和抽象是一種相對應的表現形式，認識抽象與具象在造型規律中的聯系，有助于拓寬學生的創造思維領域，豐富造型語言和藝術想象力，提高造型藝術的綜合設計能力，從客觀物象的再現性研究到最終對造型因素、藝術觀念或者繪畫語言的專門研究；從具象走向抽象或再回到具象，在架上繪畫領域中其最初的基礎訓練還應是從傳統中來，得益于傳統，并發展了傳統。作為基礎技能訓練與觀念的傳授、創造力的培養不應對應起來，而應并行不悖地存在于現代基礎造型中。如現代具象素描藝術極大地發展豐富了寫實繪畫的內容，由此，我們應接受更為寬廣的形的美學含義的創造。同時，對抽象藝術的融合和設計思想的引入，使得基礎造型具有一個重要特征，在具象中體驗抽象的強烈意味，無論在內容還是視覺形式上，新的造型理念，常常渴望有抽象藝術的簡練性和直接性的圖像效果。唯有對物象結構完整認識和整體把握，從而達到對形體深刻的體驗，結構的性質是物象形式的內在規律。感受自然的能力、想象力和創造力，正是基于對自然整體的自覺認知，從各個角度審視造型因素，從蘊含的暗示中發現潛在的圖形動機及發展的可能性，在創造過程中不斷傳遞、展開、發展，直至新的圖像意象，通過訓練來學會超越其本能，體會周圍世界是一個充滿視覺語言的環境，讓我們與物象之間有著無聲的相互的信息傳遞，產生共鳴，釋放情感。我們藝術品位的提高很大程度上取決于我們對人物的內心和情感的進一步理解。
縱觀這幾年，中國美術教育確實面臨著很大的轉折和發展，各個藝術院校都在積極探索新的教學理念，且有了很大改變。為了適應新的審美變化，對基礎教學也有了較大調整，發展對課題的拓展、畫面構成因素加強、強調畫面中人和環境的關系等。啟發靈感和興趣，從過去那種對造型的遲鈍、概念化和盲目狀態中解放出來。如較典型的，中央美術學院教師王華祥把對尼德蘭、德國素描的傳統體會通過深入局部觀察的延續展開啟發學生的發現和興趣，發展為“將錯就錯”“觸摸式”畫法，都是有效突破。
第8篇：傳統藝術的認識范文
論文摘要：本雅明的“機械復制”理論，以一種技術性視角看待藝術在現代社會所發生的一系列變化，通過指出技術成為現代藝術形式的內在組成部分，從而區分了傳統藝術和現代藝術。現代藝術的出現對傳統的藝術理論觀念和人們的認識構成了極大的沖擊。
進人現代社會以來，藝術的發展出現了明顯的斷裂，從生產過程、接受方式到藝術概念都發生了巨大變化。然而，究竟應當以一種什么樣的方式去認識這些變化，并以此探尋現代藝術的發展方向，一直是學界關注的問題。1936年，本雅明發表《機械復制時代的藝術作品》，提出了“機械復制”理論，以一種技術性視觀解釋藝術在現代社會所發生的一系列變化，肯定了電影、攝影等由機械復制技術產生的藝術。可以說，此書發表為我們提供一種理解現代藝術的認知范式。今天，隨著現代科技與藝術日益緊密的結合，重新審視本雅明的“機械復制”理論，更能感受其理論的預言性和前瞻性。
藝術的存在問題一直是本雅明關注的焦點。在“機械復制”理論中，他論述了傳統藝術的衰落和現代藝術的興起。闡述過程中，他又進一步區了傳統藝術形式和現代藝術形式。在本雅明的理論框架中，現代藝術形式主要指攝影、電影等現代社會中直接產生于機械復制技術的藝術形式，傳統藝術形式則是與之相對的傳統社會中的藝術形式，包括繪畫、音樂、文學等。傳統藝術即前工業社會中的藝術形式;但在進人工業社會以后，傳統藝術形式逐漸被納人機械復制體系，與現代藝術形式一起構成了現代藝術。
本雅明解讀藝術發展的線索主要是藝術的不同復制方式。首先，他區分了手工復制和機械復制。藝術品從來都是可復制的，前工業社會中人們出于學習、模仿、營利等目的，對藝術品進行手工復制，但是相對于大量的原作來說，復制品的數量很少，只是個別現象，沒有影響力，跟原作相比并不具有藝術價值。但在機械復制技術出現以后，人們可以對藝術品進行大規模的精確的復制，人們面對的藝術品大多都是復制品，原作的存在反倒成了個別現象。在此本雅明又進一步區分了兩種機械復制藝術，指出:“對繪畫進行拍攝復制與在電影攝影棚中對表演過程進行拍攝復制是不同的。}ry7cr3o}不同之處就在于“在前者那里，被復制品就是一件藝術作品，而復制品并不是藝術品。; Cucr3o}這實際上指的是有原作的機械復制和無原作的機械復制。前者主要是指對原作進行復制，例如利用照相技術對繪畫、雕塑等藝術進行復制，通過錄音技術對音樂作品的復制，利用現代印刷技術對文學作品的復制等;后者主要指利用攝像機對人、物或事件的實時復制，與對原本的復制不同，它直接取材于現實世界。可以說，這兩種機械復制形式有著截然不同的內涵:前者主要是對傳統藝術形式的復制，表征的是傳統藝術在現代社會的存在和發展形態，后者是對現實世界的直接復制，表征的是現代藝術形式的存在和發展，其中以電影為最典型的代表。
把握這兩種不同的機械復制方式，對于我們理解藝術在當今社會的發展有著深刻的意義。現代藝術的發展似乎印證了黑格爾的預言:“我們盡管可以希望藝術還會蒸蒸日上，日趨于完善，但是藝術的形式已不復是心靈的最高需要了。我們盡管覺得希臘神像還很優美，天父、基督和瑪利亞在藝術里也表現得很莊嚴完善，但是這都是徒然的，我們不再屈膝膜拜了。ff[2](P132)隨著現代社會腳步的日益臨近，感覺敏銳的哲學家似乎提前感覺到了藝術的衰亡，但是黑格爾心目中的藝術只是他所際遇的傳統藝術，進人了以機械復制為主要手段的工業文明社會以后，傳統藝術確實由中心走向了邊緣，傳統藝術形式在當今社會很難再產生出經典作品，莎士比亞、達芬奇、貝多芬成為后人難以逾越的高度，特別是自杜尚的《泉》被當作藝術品后，傳統藝術似乎走到了盡頭。但是這并不意味著藝術的終結，傳統藝術形式衰落之時新的藝術形式崛起了，如攝影、電影、電視等等，它們同樣創造出杰出的藝術作品，誰能說《亂世佳人》、《廊橋遺夢》只是毫無價值的商業片，誰能說奧黛麗·赫本、卓別林只是人造的明星呢?在機械復制的社會中，傳統的藝術也并沒有消失，改變的只是它的存在方式，在新的技術面前它將獲得新生，如本雅明所說:“莎士比亞、倫勃朗、貝多芬將拍成電影……所有的傳說、所有的神話和志怪故事、所有創立宗教的人和各種宗教本身……都期待著在水銀燈下的復活，而主人公們則在墓門前你推。ff(3](P11)
同為機械復制，從藝術的角度來說，傳統藝術形式的復制和現代藝術的復制之間仍然存在著一個本質的區別:在現代藝術形式中，復制技術是內在于藝術的，如電影中，攝像機和人一樣都是電影的組成要素之一，長鏡頭、景深鏡頭等的運用都會直接影響到作品的效果，而在傳統藝術形式中，復制技術還是外在于作品的，如對一部具體的文學作品來講，采取何種印刷手段并不會給它帶來太大的影響，也就是說，復制技術的影響主要體現在作品的數量上，它的進一步發展并不能引起傳統藝術形式的同步發展。所以，現代藝術是為復制而復制，復制是它的內在要求，而對于傳統藝術形式來說，復制并非是它本身的固有需要，只不過是商業運作強加其上的。
還有一點值得注意的是，本雅明的“機械復制”理論中的“機械復制”是相對于傳統的手工復制而言的現代技術的一種，不能簡單地還原為機械復制技術本身。本雅明生活于19世紀末20世紀前四十年工業文明剛剛興起發展之時，當時的技術水平僅限于機械復制技術，所以本雅明的討論對象也只能是機械復制技術，但是其實這種機械復制的技術代表的是新興起的現代技術。隨著現代科技的進一步發展，如今以數碼技術為核心的電腦成像已向以機械復制為基礎的攝錄成像提出了挑戰，然而它仍然處于以機械復制為開端的現代藝術之軸，其發展其實并未脫離本雅明的理論視野。所以說，“機械復制”理論并非局限于機械復制本身，它的理論實質是以一種技術性視觀來看待藝術在當今社會的存在與發展，既囊括了傳統藝術，更注重新產生的現代藝術，這對當下的藝術實踐同樣有著重大的指導意義。
本雅明以其敏銳的目光覺察到了技術的介人對藝術產生的巨大影響，技術主要通過改變藝術的制作和接受進而改變了整個藝術的特質，從而使現代藝術呈現出與傳統藝術極為不同的面貌。
第一，現代科技改變了藝術的生產方式。傳統的藝術創作，依賴的完全是藝術家的力量，表現的是藝術家創作個性，依靠他們采取冥思苦想、細心雕琢，有時甚至還要等待靈感的來臨，藝術品的物性因素雖然必不可少，如文學創作需要的筆和紙，彈奏音樂所需的樂器，繪畫要用的顏料、畫筆和畫紙等，但這些在整個創作過程中較藝術家的構思和物化過程來說都是微不足道的。而在機械復制時代，藝術品原作產生以后，大量工人就可借助機器對其進行大批量復制，這個過程不再需要閃爍藝術的火花，藝術由創造性活動變成了一種生產性行為。在現代藝術的生產中，如攝影、唱片、電影等，已沒有了原作的存在，機器甚至和人共同參與了創造環節。在現代藝術的典型代表電影中，“在弧光燈下進行表演，并同時滿足麥克風的條件，這是第一流的檢測要求。ff}4](P33)電影演員要根據鏡頭的需要來表演。
與戲劇演員相比，由于電影的拍攝是片段性的，所以電影演員不需要全身心的投人，只要扮演好他(她)自己，然后通過后期的剪輯，便能收到好的效果。蒙太奇(montage)是現代藝術的一個重要創作手法，原意為“構成”、“裝配”，它不僅運用于電影，在之前出現的先鋒派、達達主義繪畫中就已有所運用，例如將一些現實的碎片布料、紐扣、報紙等貼人作品之中。在電影中它更是成了創作的一個必要的基本的手段，僅僅由攝像機拍攝下來而未經剪輯的錄象就不能算是藝術:“在電影創作中，藝術品多半要基于蒙太奇剪輯才能產生，電影就依賴于這種蒙太奇剪輯”}s]
第二，現代科技建立起新的藝術的接受方式。機械復制技術出現以后，人們對藝術由個體性接受轉變為群體性接受，凝神靜觀為神情渙散所替代，對電影的接受即是典型的例子，人們面對一幅幅轉瞬即逝的畫面已無暇思考，只能沉浸于電影所帶來的震驚之中;在對現代繪畫的接受中，人們感受到的也是也是一種類似于電影的沖擊，其美學感受與傳統的繪畫極為不同。相比之下，對傳統藝術的接受更傾向于一種智性行為，是一種詩意的沉思，在現代藝術中，藝術的接受更加感性化，人們感受到的是藝術的沖擊力。更進一步，電影的出現拓寬了人們的認識領域，并改變了人們的感知系統。如同弗洛伊德發現了本能無意識，本雅明指出鏡頭開拓了人們的視覺無意識:“電影特寫鏡頭延伸了空間，而慢鏡頭動作則延伸了運動。;Ca]
第三，生產和接受的轉變引起了藝術自身質的變化。由于藝術品可大量生產復制，原作面對眾多的復制品喪失了其權威性，導致了韻味的消失，而藝術品的韻味正是傳統藝術區別與現代藝術的一個重要特征。在本雅明看來，韻味源于藝術品的獨一無二性，是神秘而朦朧的，它反射著神性的光輝。隨著藝術品數量的增多，展示價值日益壓倒膜拜價值，圍繞著藝術品的這層神秘的面紗也就被撩起了，這也就意味著藝術由帶有神性的創造物變成了世俗的人工物，失去其高貴的出身平民化了;但是，它走向了大眾，變為了公共財富，從而成為一種“具有全新功能的創造物”[io7
“機械復制”理論曾被喻為精神文化領域內的“進化論”，甚至被稱為是一種“危險思想”，因為它不僅是對藝術實踐的描述和分析，同時它對傳統的藝術理論和人類的認識能力構成了極大的沖擊。
在機械復制技術產生初期，許多精英知識分子對攝影、電影等現代藝術形式或否定或視而不見，大都因為一個共同的原因:藝術不僅成為生產性的活動，而且變得具有可裝配性，這就打破了傳統理論中的“有機體”觀念。早在古希臘時期，亞里士多德就曾提出好的作品都應該是有機的、完整的:“一個完整的事物有起始、中段和結尾組成……組合精良的情節不應隨便地起始和結尾，;[m7
由機械復制技術帶來的震驚不僅局限在藝術和藝術理論的范圍內，它也在哲學層面上改變了人類對技術及自身的認識。在現代社會中，理性、秩序快速發展，人類控制自然的力量日益強大，而在傳統的人治領域—藝術中卻出現了相反的事情，以攝像機為代表的物成為創作主體的一部分，侵人了人類占統治權的領地，對人類是一個沉重的打擊。
問題還要從科技自身的悖論談起。一方面，由于現代科學與技術的結合和發展，人類探索外在世界奧秘和改造客觀世界的能力日益加強，人的本質力量得到了極大的伸張，出現了海德格爾所說的“主客兩極化”:“決定性的東西并非是人從迄今的束縛中擺脫出來而達到了自身，而是整個人的本質發生了變化，因為人成了主體。n[13](P43)人從自然中超，不再是存在者中的存在者，而是與其它存在者相對的“主體”，其它存在者便成為了“客體”，人作為唯一的主體對諸客體具有獨一無二的統治權和支配力。另一方面，如同海德格爾所指出的，由于技術的意志，自然中的一切包括人類都變成了物質、單純的材料，也就是意味著一切都齊一化、功能化了，人淪為了物。這一點，在馬克思的X1844年經濟學—哲學手稿》中就曾明確地論述過人的異化:“勞動的這種現實化表現為勞動者的非現實化，對象化為表現為對象的喪失和為對象所奴役，占有表現為異化、外化。ff[)，]
在電影的制作過程中，攝像機有著跟演員同樣重要的地位，演員可以不必沉人角色，但必須隨時都要照顧到鏡頭的需要。當導演一個驚訝的鏡頭時甚至可以不事先通知演員直接去嚇他一跳，將其表情拍攝下來便可達到預期的效果。這樣，較之舞臺演員，電影演員在很大程度上失去了自主性，成為導演進行加工整理的的客體，表演者作為人的主體性受到了極大的動搖，淪為表演的機器，人被攝像機物化了。在電影的接受過程中也存在著類似的現象，在既定的影象面前，觀眾只能被動地接受一幅幅快速的畫面，變成觀看的容器。
第9篇：傳統藝術的認識范文
作為網絡文化多元化的一種表現，傳統藝術在網絡文化的發展中實現著的進步，也在不斷地發生變革：網絡文學、網絡音樂、網絡電影等新的藝術形式在網絡興盛中誕生。尤如消費者在網上群體參與并制作的奧迪公司的創意廣告：大膽激發消費者的熱情，在網絡上征集廣告創意，并邀請參與其中的奧迪汽車愛好者――被有些營銷專家稱為愛玩廣告的“C一代”――擔任廣告主角拍攝他們自己構思的廣告；網絡音樂、網絡歌手、網絡電影、網絡明星也在網絡傳播中應運而生。可以說，在這種新型藝術形式中接受主體不是被動的，而是直接參與到藝術構思和藝術創作中來，改變了傳統的藝術創作模式。
網絡音樂、網絡電影實現了對傳統藝術形式的創新，在內形式（內容的內部結構和聯系）和外形式（結構、體裁、藝術語言、表現手法）上都發生了變化。網絡音樂是對傳統音樂創作過程和形式上的顛覆。原創音樂創作數量激增，其他音樂新概念層出不窮，內容結構出現了“串燒”、歪唱等；音樂介質也不再是必需存在，由于音樂創作資源實現了網上共享，網上音樂合成制作便捷可行，有音樂表達意愿的人們獲得了展示的平臺與機會。在表現手法上，網絡音樂也嘗試采用新手法，雪村的音樂大膽的運用了flash，還有歌曲采用方言演唱等；在傳播方式上，網絡音樂最大限度地利用互聯網，實現創作者之間、創作者和受眾之間的交流，互動和合作。而網絡電影是專為在網上播放而制作的一種影片，是網絡時代草根視覺傳播的開端，人們紛紛拿起DV，不再拘泥于固有的文化價值理念，大膽表現自我，表述個人的理念，創造出具有鮮明時代精神和富于形式美的藝術作品。
網絡的迅速發展，對傳統藝術的傳播方式造成巨大沖擊，不僅導致所有傳統藝術形態的升級換代和現代更新，而且創造了大量嶄新的藝術形式。文化藝術領域內部發生了行業內的大調整、大改組，新的藝術傳播媒介網絡文化的發展，使得一些昔日文化藝術界的“龍頭老大”風光不再，為人類創造了新的數字化藝術體驗的新方式。
現代傳媒提倡雙向互動傳播和實時同步傳播，藝術作品的網絡傳播已成為當下藝術傳播的全新手段。在互聯網高速發展的今天，網絡傳播中的群體價值得以突顯，接受主體（即觀眾、聽眾、讀者、網民）更大程度地在文化藝術傳播的過程中成為傳播的推動者。這種深刻的影響促使創作主體（即作家、藝術家和編創人員等）的反思和再創作。
現在，藝術作品的傳播已逐漸實現網絡化形態的發展。全球網民們可以進行網上閱讀，最受歡迎的博客作者獲得的點擊率已不亞于絕大部分報紙的發行量，許多博客作者轉而成為專業寫作者，其作品經整理由出版社出版發行；音樂的網絡點擊率與日俱增，世界各地的愛好者在音樂網站試聽并下載大量不同風格的音樂，實現了全球資源共享，歌曲的網絡推介改變了傳統的歌曲與傳播方式，大量平民色彩的歌手也通過互聯網這個平臺把自己的歌曲推向社會；電影、傳統戲曲的網絡下載與點播更是充分利用了互聯網的全球性，相關部門和戲迷們紛紛建立網站，交流心得，傳播文化，進行網上表演和評比活動，昆劇等一些劇種因此獲得了海外市場的支持。量身訂制個人性藝術作品，成為網絡時代特有的藝術傳播現象。網絡藝術傳播的個人化，使人們可以而且能夠追求超越時空的信息選擇。網絡化的藝術傳播，使人們不再受傳統媒體的制約，可以主動地、有選擇地接受信息。藝術是最富于個人化的行為，而網絡空間所具有的自由性特質正滿足了藝術表現或再現的媒體需要。
隨著網絡個性傳播時代的到來，網絡音樂、網絡電影、網絡戲曲的傳播也迅速發展走向成熟，實現了草根文化的全球化傳播和交流。在全球化條件下，世界各國傳統藝術的發展出現了前所未有的新格局，藝術的民族性與世界性相互滲透、難舍難分。各國的傳統藝術逐步走向世界，并通過世界來傳承。這也就涉及到藝術傳統的繼承、發展與創新，涉及到藝術的本土化、民族化、現代化等問題，涉及到傳統藝術不同民族間的橫向交流與交互影響。因此，我們要用全球的視野來反觀和看待我們的傳統藝術，看哪些成分需要繼承，哪些成分需要創新，甚或拋棄，否則，傳統藝術越傳只能離世界文明大道越遠。
提高文化自覺和創作的自主性，加強對傳統藝術本身的認識，能夠對網絡文化背景下的藝術創作的發展歷程和未來有充分的認識。網絡為藝術交流與創作提供了前所未有的工具，不同民族藝術的交流呈現出全球化的格局，創作主體與接受主體的互動有了平臺，呈現快且頻繁的趨勢。然而，傳統藝術有自身的特點以及發展的規律，這種藝術間的民族差異和特性并沒有因為網絡這一交流工具的便捷而消彌，藝術的民族特性益加突顯，也只有堅持藝術的民族性，堅持自我發展的道路，遵循藝術創作發展的規律，突出創作的主體意識，民族藝術才能真正地發揚光大，符合全球化的時代要求，因為越是民族的越是世界的。
要想發揮網絡文化的藝術功能，就必須正確處理藝術創作中的傳承、發展與創新的關系，做到以我為主，博采眾長并為我所用。藝術傳統的繼承并不意味著保守的文化觀，我們在網絡全球化的文化背景下既要突出民族意識，又要有健康、開放、發展、平等的心態，做到適應網絡文化帶來的全球化和多元化的格局，在堅持自我的同時做好藝術整合與藝術創新。必須始終堅持把傳承和發展藝術傳統放在重要的位置，在傳承中求發展，在發展中促傳承。因為藝術的發展必須在繼承和借鑒的基礎上，結合新的實踐和新的時代要求才能實現藝術創新。
總而言之，全球化是不可抗拒的歷史潮流，全球化對于世界藝術的整體發展，具有重大的促進作用。在網絡背景下的全球化時代，不僅藝術的民族性不可能消失，而且民族主義思潮會長期存在甚至強化。我們應在肯定網絡文化的基礎上，鼓勵相互之間加強交流和對話，以幫助民族藝術的革新，促進民族藝術的新的繁榮。陳此這外，還要正確處理藝術創作中民族性與現代性、世界性的關系：在一定意義上，沒有藝術的民族性，藝術的現代性和世界性就無所寄托，而離開藝術的現代性和世界性，藝術的民族性就無從扎根。正確處理傳統藝術與世界藝術的關系是在傳統藝遇見數字化和全球化的時代，保持傳統藝術的穩定性和連續性，堅持世界文藝共同建設，加強傳統藝術的創新，在汲取傳統藝術的優秀成果的同時，不斷地推陳出新，不斷突破本民族藝術的地域和模式的局限性而走向世界，獲得文化的認同，因為不斷創新與超越正是傳統藝術始終保持旺盛的生命力的根本。
