視覺藝術創作精選(九篇)

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第1篇：視覺藝術創作范文

動作意識即書法創作者揮毫運筆的操縱意識，它與審美意識有著極其密切的內在聯系。

人們往往把審美意識當作純粹的精神現象，其實它還是一種身體性的體驗，因為審美意識融合著動作意識，所以，審美意識應是精神現象和身體體驗，或曰心理活動與生理活動二者的完美統一。所謂動作意識，是指人類深層心理中保留的動物意識結構，它屬于行為意識的一種，是人類最基本的生存方式和生命形式。從個體心理上來說，它是成年人心理中保留的嬰幼兒的意識結構，存在于生理層面上。并主管著身體運動和生理反應。

動作意識首先是身體對環境的能動應答反應，支配著人的各種動作。例如，人們所從事的雜技、舞蹈、騎自行車、體操等各種勞動技能和藝術行為的肢體運動，都不是單純的精神現象和思維過程，也不僅僅是大腦的思維，也有肢體的思維、身體的體驗。運用這種思維，也就是身體的感覺，在不知不覺中使各種肢體動作得以協調完成。動作意識還有另一面，那就是欲望、身體的或痛感，以及伴隨身體的其他器官而活動，如呼吸、心跳、脈搏加速或減緩等。在日常狀態中，動作意識與心理意識聯系緊密，但又有所區別，二者不能達成完全的一致。而在藝術審美活動中，藝術審美主體在審美理想的作用下，動作意識與其聯結著的感覺經驗得到升華，完全融合為一體，轉化為審美意識，二者不可分離。諸如藝術主體在進行藝術創作時，尤其是在進行那些技能、技巧、技法操作(動作)性很強的藝術創作時，不僅有看不見的意識支配活動，同時也有看得見的“自動化”地把意識轉化為肢體的動作(操作)活動，憑借身體的感覺，細致入微地進行著符合藝術創作要求的身體動作，表達著藝術追求和審美意識。器樂家在進行樂器演奏時，不僅有情感的噴發和精神的激越，同時也連接著演奏動作和身體反應，二者完美融合，配合默契，無法分清哪是情感體驗，哪是身體體驗。因此可以說，審美意識不是脫離身體的“純粹意識”，而是融合著動作意識的身體性意識。另一方面，審美意識也不僅僅是一種動作意識，它還具有精神層面的指向性，達到了精神的極致。所以，審美的身體性，并不意味著精神的沉淪而返回到欲望的層面，而是一種精神的升華，既悅心又益身，是身心合一的愉悅和快樂。

具體到書法藝術來說，書法藝術的創作屬于身體體驗和動作意識(書寫揮運的操縱)很強的藝術創作活動，在很大程度上，其藝術追求的表達和審美意識的實現都是由肢體的動作來完成的，正是動作意識的調配作用，才使得書法藝術的形式和風格追求化為了現實。動作意識在很大程度上決定著書法藝術創作的成敗。因此，書法藝術特別講求法度嚴謹，強調功力深厚。書法藝術創作是一特殊的行為過程，在這個行為過程中，書法藝術創作者的藝術審美思維活動、情緒(情感)活動、書寫動作循環反射活動，以及身體姿勢轉換活動幾乎都同時性的產生。其中，藝術審美思維和情緒(情感)活動屬于內在的、隱蔽的、不可視的。而書寫系列動作和身姿轉換活動則是顯現于外、公開而可視的，具有生動、具體、直觀的特點，并且與內在的活動協調一致，默契無間。所以，書法藝術的創作和審美也是身心合一的，精神的愉悅伴隨著身體的快樂。書法藝術創作不只是精神的活動，意識的功勞，而是書法藝術創作主體全身心的勞作。

書法藝術的簡單形式背后隱藏有復雜的運行機制。書法藝術創作，或曰書寫活動，有一系列的協調動作和身體轉換：包括執筆、運筆(指運、腕運、肘運)，及其運筆的速度、幅度和力度昀動作控制，提、按、使、轉、頓、挫等，坐姿、立姿、俯身、側身的協調轉換，身體的各個部位基本上都參與其中，“全身力到”，所謂“盡一身之力而送之”。書寫活動是創作者的智力、體力、人格力量完美融合的創造行為過程。揮筆運作，既有可見的物質行為，又有不可見的精神活動的支配調控。它以生理動力(動作意識)定型為基礎，同時又為心理(審美意識)所制約，它是物質與精神、生理與心理、理智與情性的高度集中與協調。而這一系列的執筆、行筆動作和身體轉換，都是書法藝術創作的生理技能、技巧活動，屬于動作意識，在書法藝術創作的某種程度上起著決定性作用。下筆之前，創作者審美意識中的書法藝術形象，或曰筆墨意象，必須由創作者的書寫來實現，使之跡化到載體上。審美意識必須化為動作意識，沒有動作意識的作用，再美的書法藝術形象永遠是腦海中的虛幻想象，這就是動作意識的生理(身體)的物質功效。

第2篇：視覺藝術創作范文

【關鍵詞】視覺傳達設計 藝術創作 數字技術 滲透

作為現代化的新型發展技術，數字技術在很大程度上可以說是社會、經濟以及文化的重要掌控者。然而，在數字技術背景下，無論是視覺傳達設計，還是藝術創作，都以迅猛之勢強烈沖擊著傳統的視覺傳達設計和藝術創作。

隨著數字化信息時代的來臨，數字技術也將持續影響并不斷改變人們的學習、生活及工作等相關方式。故此，人們應該跟隨時代潮流，在數字技術背景下，不斷對視覺傳達設計以及相關藝術創作進行探索和研究。

1 數字技術背景下的視覺傳達設計和藝術創作簡述

（1）數字技術背景下的視覺傳達設計。從客觀方面理解，視覺傳達設計就是一種復雜的表達行為。對某種事物、某種理念，或是某種情感進行準確傳達，就是該行為的根本目的。然而，在數字技術背景下，視覺傳達設計的理解和內涵又所有不同。充分融入數字技術的視覺傳達設計不僅視覺語言形式有所變革，其視覺傳達整體面貌也煥然一新，既活力無限，又現代感十足。同時，視覺傳達設計作品的交互性和可感知性也得到了大幅度提升。總體而言，數字化的視覺傳達設計將藝術和技術進行了充分融合，不僅激發了視覺傳達設計的設計新思維，還對其創作方式進行了拓展，對整個視覺傳達設計的發展和進步有著極大的促進和推動作用。

（2）數字技術背景下的藝術創作。從藝術境界層面理解，藝術創作就是指美術家、音樂家、雕塑家等各種藝術家進行作品創作的過程。從某種程度講，在具體的藝術創作細節中，創作者往往會對現實生活進行仔細觀察，真實體驗并不斷深入研究分析。從真實的社會經歷和社會活動中選擇、提取具有創造性和價值性的創作元素，并對其進行充分加工，或將其進行造型，或將其賦予人文含義。總之，這種運用科學合理的創作方法進行創造性勞動的行為就是藝術創作。在數字技術影響下，人們進行藝術創作的方式和素材獲取的途徑越來越廣泛。數字技術背景下的藝術創作不僅對作品審美的需求更加嚴格，還要求藝術創作必須具備相應的技術特色和時代氣息。

2 數字技術背景下視覺傳達設計與藝術創作的相互作用

從藝術層面分析，視覺傳達設計其實就是藝術創作中的一種。藝術創作的方式很多，范圍也及其廣闊，分類也可細分為很多類別。眾多藝術創作形式中，視覺傳達設計對視覺的依賴度最高。隨著數字技術在視覺傳達設計中的不斷融合，越來越多優秀的視覺傳達作品被設計創作出來。對比傳統的視覺傳達作品，這些作品更為優秀。無基于商業角度理解，融合數字技術進行的視覺傳達作品創作不僅可以大幅度提升產品的推廣力度和銷售水平，還可以給企業或公司，甚至是整個國家或社會帶來豐厚的經濟、社會方面的雙重效益。

受數字技術影響，視覺傳達設計的思維方式和創作方式已有較大程度的改革和創新。從某種程度上理解，這也是藝術創作思維及其方式的發展和進步。就基本的表現技法方面，數字技術的融入讓視覺設計不斷趨向多元化。較為經典的是結合了文字、音頻、圖像等信息多樣化的新型圖文一體化技法。這些技法的出現使得人們的視覺感官獲得了最大程度的延伸和享受，從而能夠刺激設計師創作出獨特且富有價值的視覺傳達作品。從本質上講，數字化背景下的視覺傳達作品設計過程就是藝術創造的過程。在數字技術的不斷促進和推動下，無論是視覺傳達的設計創意，還是其設計形象，亦或是設計理念以及價值取向，都越來越趨于藝術創作。同時，越來越多的藝術家進行藝術創作時，也越來越突出視覺享受和視覺延伸。

結語

綜上所述，在數字技術背景下，視覺傳達設計和藝術創作無論是在設計理念，還是在創作手法上，都有著越來越多的共同點和相通點。兩者在持續向前發展的基礎上，既相互滲透，又相互影響，始終在不斷發展和進步。

參考文獻

[1]薛曼君.基于數字化技術的視覺傳達設計創新研究[J].文學界（理論版），2011，02：251.

第3篇：視覺藝術創作范文

[關鍵詞]視覺設計誘導創意靈感捕捉廣度與深度側向與逆向思維

工業設計是由科學與美學、技術與藝術相互交叉、滲透、結合形成的，以機械化方式生產的工業產品為主要研究對象的一門新興的邊緣學科。工業設計活動是對人為事物的認識、再創造過程，它基于對自然以及改造自然的人為行為和階段成果的分析。由表及里、由此及彼地尋找工作的切入點，將創造性與簡潔、清晰、有序的解決問題的方法結合起來，這就形成了視覺設計的目的、內容、方法及本質。

視覺設計的發展離不開這個科學迅速發展的社會，不管理念是模糊的，或是較為清楚的，都必須接受的事實是理性因素越來越多地滲透并深入到視覺設計之中，我們越來越強烈地感覺到設計語言的那種邏輯、抽象、科學的敘述風格。設計者自己從作品內容、符號、表現、技巧處理等方面給我們解釋了視覺設計對其浸的程度。在我們這個時代，設計者不再是世外桃源客，而是推動科學化、商品化、全球化發展的一支力量。因而，社會也賦予了從事于藝術設計行業的藝術家們一種社會責任感，那么視覺設計訓練就顯得尤為重要。

一、誘導創意

由于藝術創作中有許多具體的形象或形式存在，在視覺藝術思維訓練的過程中我們可以結合這些特點進行帶有誘導性的提示。如視覺藝術思維能否對藝術用材的選擇進行有目標的誘導，對形象的構成用不同的方法進行重新處理，形成新的藝術形象；對相同或相近的對象（同類成異類）用類比的方法加以誘導，使我們的藝術創作在進行過程中受到較多較好的提示，從而增強視覺藝術思維的效果。

從形態處理方面進行誘導組合主要有：漸變、添加、簡化、打散重排、顛倒；從各種因素的類比方面進行誘導：綜合類比、直接類比、擬人類比、象征類比。根據這些有意識的提示以及具體的思維途徑，我們在進行藝術創作時對此加以分析、探討，不要忽略任何一個小小的細節和相關的因素，從中做出正確的判斷和評價，選擇那些具有挑戰性的、最賦美感的思路進行進一步的創作。視覺藝術思維的訓練更要從培養思維的創造能力和發展智力的角度著眼。

二、靈感捕捉

靈感思維是視覺藝術思維中經常使用的一種思維形式。在創作活動中，人們潛藏于心靈深處的想法經過反復思考而突然閃現出來，或因某種偶然因素激發突然有所領悟，達到認識上的飛躍，各種新概念、新形象、新思路、新發現突然而至，猶如進人“山窮水盡疑無路，柳暗花明又一村”的境地，這就是靈感。

辛勤的勞動、艱苦的探索，善于觀察、勤于思考，是靈感發生的先決條件。同時，我們還要學會及時準確地捕捉住轉瞬即逝的靈感火花，不放棄任何有用的、可取的閃光點。靈感出現的機遇對每個人是公平存在的，靈感就在每一個人的身邊，盡管它有時是稍縱即逝，甚至令人百思不解，難以捕捉。那些努力追求、刻意進取、隨時留意并敏銳地感覺、捕捉到靈感的人是成功的典范。

三、廣度與深度

思維的廣度是指要善于全面地看問題。假設將問題置于一個立體空間之內，我們可以圍繞問題多角度、多途徑、多層次、跨學科地進行全方位研究，因此有人稱之為“立體思維”。

從廣闊的宏觀世界到神秘的微觀世界，從東方與西方的文化交流，從傳統理念與現代意識的融合，都是我們進行視覺藝術創作所要涉及的內容。在現代視覺藝術設計中，思維的廣度似乎更加重要，有時設計一件藝術作品，不僅僅要依靠藝術方面的知識來指導，還要得到其他學科諸多方面的支持。

思維的深度是指我們考慮問題時，要深人到客觀事物的內部，抓住問題的關鍵、核心，即事物的本質部分來進行由遠到近、由表及里、層層遞進、步步深人的思考。在視覺藝術思維過程中，思維的深度直接關系到藝術創作的成敗。我們在進行藝術創作時，要善于透過現象看本質，客觀、辯證地看問題，不要為事物的表面現象所迷惑。視覺藝術是以塑造形象達到審美愉悅為主要目的的，在形象的塑造過程中，不要只羅列現實中的一些表面現象，而要注重形象的精神面貌、意境表現。

四、側向與逆向思維

在日常生活中常見人們在思考問題時“左思右想”，說話時“旁敲側擊”，這就是側向思維的形式之一。在視覺藝術思維中，如果只是順著某一思路思考，往往找不到最佳的感覺而始終不能進人最好的創作狀態，這時可以讓思維向左右發散，或作逆向推理，有時能得到意外的收獲，從而促成視覺藝術思維的完善和創作的成功。

逆向思維是超越常規的思維方式之一。按照常規的創作思路，有時我們的作品會缺乏創造性，或是跟在別人的后面亦步亦趨。當你陷入思維的死角不能自拔時，不妨嘗試一下逆向思維法，打破原有的思維定勢，反其道而行之，開辟新的藝術境界。在藝術創作過程中，運用逆向思維方法，在人們的正常創意范疇之外反其道而行之，有時能夠起到出奇制勝的獨特藝術效果。

綜上所述，視覺設計促成原來相互嚴格分離的不同部分和區域之間相互有機聯系，使設計者終于能夠超越自己過去被嚴格限定的領域，到這個新的領域去表現自己。

參考文獻:

[1]尹定邦:設計學概論[M].長沙:湖南科學技術出版社，1999

[2]何潔:平面廣告設計[M].長沙:中南大學出版社，2004

第4篇：視覺藝術創作范文

1新媒體環境與視覺藝術創新共生

新媒體對于傳統媒體的沖擊是顯而易見的，這些變化也是促進視覺藝術創新的重要元素。首先，新媒體能夠以即時性的形式來進行視覺藝術的傳播和互動，新媒體相比于傳統媒體而言成本更加低廉。在新媒體環境下，人們越來越要求刺激感、新鮮感，傳統的藝術形式已經遠遠無法滿足觀眾們越來越強烈的視覺要求。視覺藝術需要通過不斷的創新才能滿足人們的視覺化認知與審美，也可以說，新媒體環境與視覺藝術創新共生共存。

2打破傳統設計思維

以往的傳統藝術作品的欣賞，都有一種距離感。但是新媒體形式下的視覺藝術作品卻改變了這種固有的模式。一件藝術品的創作如果能邀請大眾進行參與，那么傳統形式上的崇拜形式就被打破了。通過一些技術手段或者是硬件設備的設計，已經可以完全滿足觀眾想要的真實感，這無疑給觀眾帶來了前所未有的視覺體驗。比如：曾經有一部優秀的視覺藝術作品《旗的蹤跡》，利用一條長達250米的旗幟，穿透了所有的展廳。利用影像傳送信息到屏幕之上，讓游客們觸動旗幟，然后把旗幟飄動的蹤跡以及游客參與的過程，整個用影像錄制下來。通過這樣的作品改變了人們在欣賞一件藝術品時“嚴禁觸摸”的限制，改變了大家參觀傳統展覽時的感受。這樣的設計思維對于藝術作者來說，是一種靈感的創新，同時也是拉近與觀眾距離的重要手段。這種視覺藝術作品，很容易打動觀眾，不僅讓游客感觸到藝術，還零距離地參與到藝術作品的創作當中，就是一種創新，就是一種創造。審美標準的轉化新媒體技術下的視覺藝術已經慢慢地改變了人們的審美標準。讓人們模糊了藝術與非藝術的界限。新媒體的發展，越來越趨向于消遣性、娛樂性、即時性。這也慢慢成為了現代人們對藝術審美的標準。就像當初攝影藝術初期，大家都在質疑這是不是一門藝術。當大眾的審美標準發生改變時，無論新媒體能否給視覺藝術帶來奇妙的效果，但是作為一種藝術形式的存在，藝術制造者創造藝術作品的動力是不會改變的。新媒體只是帶給了視覺藝術一個平臺或者是一種手段，但是藝術的本質是沒有改變的。通過新媒體這個媒介，視覺藝術得以高速發展；數字化技術給人們帶來了更為震撼的視覺享受，逐漸成為了當前視覺藝術發展的不可忽視的重要標準。從另一個層面來說，這也將成為未來視覺藝術發展的重要參考方向。

3文化消費形式的改變

第5篇：視覺藝術創作范文

關鍵詞：泛在學習；視覺藝術；通識教育

共時性空間退化，歷時性時間暨越，觀看場域的轉變，視覺藝術資源從各種渠道奔涌而至，復制技術、網絡傳播，藝術隨意移植、拼貼、再造，堂而皇之地移入到設計、攝影及與生活息息相關的物質和精神范疇，莊重而神圣的經典藝術化為生活中的細小環節，褪去了歷史賦予的神秘，標志著一個“泛藝術”時代的來臨。在“泛藝術”主控的視覺文化時代，視覺無處不在場，在此環境影響下，通識藝術視覺課程的教育由傳統固定的教學模式向多元、多樣的方式轉向為歷史的必然。

一、“泛在學習”與視覺藝術教育有效融合的可行性

“泛在學習（Ubiquil-Learning）”專指任何人在任何地點、時間，基于計算機設備和網絡資源獲取任何所需的學習知識，享受無處不在的學習服務、學習過程。“泛在學習（Ubiquil-Learning）”具有可獲取性、永久性、即時性、交互性、適應性和學習行為場景性等特征，集課程內容設置歷時性和媒介傳播共時性于一體。持后現代主義課程觀的學者們認為：只要我們有效、合理地應用媒介來開展藝術教學，這種新型的“泛在學習”教育模式、教育教學方式將為我們提供廣闊的藝術教育視野。數字化媒介對藝術教育的介入，不僅體現在課堂教學中，更拓展了課堂教學內容，豐富了課程實施的方式，甚至將藝術教育充實到廣闊的“泛教學”的大環境之中。當下，計算機數字擬像的虛擬時代的來臨，開啟了集三維動畫、游戲、互聯網絡、空間數據、多媒體交互等日常生活中視覺媒介的視覺革命。藝術教育學者清醒地認識到，藝術教育須與生態環境和人文因素結合作為教育的主導思想，將藝術各學科以及文、理、史、地、科學等內容融合為一體。如貝倫特•威爾遜(BrentWilson)建議教師采取一種“把社區藝術文化帶出來，把在外面的藝術文化帶進去(InsideOutandOutsideIn)的交互、溝通策略”[1]，強調生活環境中的社區是藝術教育的存在場域，在藝術教育實施中力求形成一種全球和當地文化融通的效應。眾所周知，相對藝術資源的豐富、種類的繁多，鑒別、賞析的不確定性、多樣性、多角度性，傳統的課堂教學顯然力不從心，不可能滿足藝術素養的提升和藝術實踐的開展。網絡時代為“泛在學習”提供了可能性和可行性，也為藝術教育突破制約，提供了具體的可操作性。視覺藝術到視覺文化的演繹可以說是視覺媒介和材料的不斷推進、變化、生發，進而在日常生活中延展出的一部文化轉向史。從古希臘古羅馬的青銅到文藝復興的雕塑，從印象主義的創作到現代視覺藝術的綜合材料表現，呈現出多種藝術承載媒介，具有典型的歷時性和動態性。“泛在學習”教育模式與藝術教育有效融合，突破原有課堂教學的時間、空間的限制，將課堂與課外學習過程相結合，學生既受到課堂的引領又能與課下學習環境融為一體，只要有無處不在的學習資源和無所不能的網絡服務，此類學習便可以在師生之間、教師之間、學生之間進行。以當下大型開放式網絡課程（MOOC）、愛課程等為代表，學習者可以借助新媒介，享有高效、高質、便捷和針對性的藝術教育資源整合的學習機會，無疑能極大的喚起受教育者充分的自由、興趣，提高媒介素養和藝術創作能力。

二、“泛在學習”通識教育模式以“日常生活”為依托

進入20世紀之后，西方思潮中存在著回歸日常生活的潮流，藝術逐漸走入大眾的日常生活中并有意識的消解著藝術與日常生活中的界限，倡導“審美日常生活化”。“‘日常生活’是自發性、自在（in-itself）的生活樣式，包括日常消費、日常交往、日常意識等領域，與之相對的‘非日常生活’則是自為（for-itself）的、自覺地生活樣式，包括物質、精神領域以及理論、科學宗教、藝術等實踐形式。”[2]現代以來，藝術與生活的界限被打破，一方面在于日常生活中的“現成品”取代了藝術品或成為藝術品，另一方面，藝術可以呈現在日常生活中的任何地方。藝術家應用日常生活中的對象、空間、行為等元素，進行藝術創作形式的變革，展示空間、場所的轉向，藝術創作和藝術參與、互動的嘗試，甚至應用現代媒介的聲光電效應，跨界、融合變換著藝術創作的過程和結果。視覺文化理論研究的發起人，美國學者尼古拉斯•米爾佐夫認為：“視覺文化是一種策略，每日的生活就是視覺文化。”我國臺灣地區視覺文化研究學者郭禎祥先生指出:“每天的日常生活中能建構并傳達吾人態度、信念以及價值觀念之視覺經驗。”[3]中國美術教育大陸學者張舒予教授提出：“人類創造的文化形式豐富絢爛，在我們的生活里，新的視覺曾出無窮……大眾傳媒滲透于日常生活中。”[4]“以日常生活為核心的視覺藝術教育”[5]興起于20世紀30年代，它將藝術看成一種生活方式，一種提高普通人生活的工具。“日常生活中的藝術”是這次思潮的口號，是“審美日常生活化”的具體表述形式，它的目的在于利用藝術解決那些影響現實生活的、實際的審美問題。視覺藝術通識教育離不開對日常生活中視覺事件的解讀，對視覺文化事件的解讀借力于視覺文本或視覺語言，以合理的視覺語言或視覺文本從視覺事件的材料和媒介分析開始。視覺藝術通識課程涉及視覺傳播的內容、元素及手段，涵蓋精神與物質兩個方面，無論是實體的諸如建筑、雕塑、影視等還是虛擬的如視覺現象、事件，共同構建個體的視覺感知，諸如動漫藝術賞析、設計與生活、視覺文化與媒介素養等，他們不斷豐富學生的視覺經驗、視覺感受，共同構成學生的日常生活空間，為“泛在學習”模式打下堅實的融合平臺。“泛在學習”是一種普適計算機技術支持下的新型學習模式，即讓學習與生活融合，實現真正生活中的學習，狹義的學習徹底淡出或消失。這一全新的學習模式非常適合通識藝術課程教學，它將藝術教育引入生活、導向社會，朝服務與人本的方向發展，以“日常生活”為依托的“泛在學習”成為必然。

三、以“泛在學習”通識教育模式提升藝術素養

當今藝術教育已經普遍使用信息技術為支撐，多媒體教學替代了板書，機房也實現了網絡覆蓋，高亮度的投影直接取代了黑板。教學工具到媒介實現了質的飛躍，但就技術本身而言，教育媒介多被理解為一種簡單的物化工具。“教育媒介技術所代表的是學生的學習活動，是學生以不同于傳統學習的精神狀態和行為方式所開展的主體活動，新式教育技術較傳統教育技術的創新之處，其本質特征不是使用某種新型傳播技術，而是在應用了這種技術之后所帶來的教育轉變，這種轉變包括師生關系的變革、教學活動結構的變化等等。”[6]全球豐富的藝術資源在數字化技術支撐下變更著藝術教育的理念，將數字化的“泛在學習”模式應用于視覺藝術教學成為藝術教學的發展趨勢。此外，大眾的視覺經驗在日常視覺文化藝術之中難以構建個體的價值觀，在文化交流中不能表現出身份的認同，藝術創作欲望的達成、實現記憶和想象未能落到實處，迫切需要由“數字化教育（E-Learning）”向“泛在學習（Ubiquil-Learning）”轉向，提升學生自身的認知、解讀、思辨能力，在通識藝術教育中進行有效的藝術素養訓練。信息技術的發展，網絡環境的營造與架構，必須打破教學資源的局限，借助視覺藝術通識課程提升媒介素養，成為學生應該具備的、能夠適應終身發展和社會發展需要的品格和能力。“20世紀90年代初，澳大利亞格里菲斯大學的盧克和彼得推出四個資源模型的素養教育。該模型假設，成為一個有文化的公民需要:編碼能力(解碼文本的能力，即拼音)、語義能力(盡意的能力，即理解)、語用能力(日常讀寫功能，即寫支票、看報紙、填寫工作申請等)；關鍵能力(批判性地選擇和分析文本的能力，如避免詐騙，確定可靠的信息來源等)。”[7]藝術是人類社會生活的重要組成部分,學生可以通過學習藝術來了解社會。所以“藝術教育的目的不是僅僅教授藝術的技巧和形式,而是去拓展藝術背后的意義,以及顯示藝術在人類生存中的重要作用。”[8]“即分析讀圖時代和媒介文化環境下的‘觀看’行為特點，剖析藝術作品中視覺素養、媒介素養、信息素養的概念內涵及其三者的關系。”[9]眾所周知，認知一種文化最有效的表達方式是觀察它的交流工具，解讀一種文化最重要的能力是媒介素養，屏性媒介及因特網是我們可以支配的工具。在大數據時代背景下的視覺文化時代，優質的通識藝術教育將結合媒體技術與藝術的知識和技能，運用視覺素養和媒體素養相交錯的方式，進行對模型中圖形圖像的編碼能力、語義能力、語用能力和關鍵能力的培育與拓展，毋庸置疑，視覺藝術通識教育起著重要作用。

四、結語

藝術類通識課程基于網絡科技的支撐，集文字、圖像、音頻，融聲光電于一體，教學內容豐富，優勢明顯，融入“泛在學習”教育模式，可以緊密結合互聯網和多媒體等多種教育媒介，根據實際需要，在課程教學實施中調用各類優質教育資源，甚至將全球的藝術作品以全方位、多角度地展現在學生眼前；此外，視覺藝術課程的教學與研究乃至藝術表現離不開日常生活中視覺事件等相關材料的構建，依托“日常生活”，借助“泛在學習”教育模式，在人文底蘊、審美情趣、身心健康和實踐創新等視覺藝術素養方面有所提升。

參考文獻：

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[8]DuncumP.VisualCulture:Developments,definitions,andDirectionsforArtEducation[J].StudiesinArtEducation,Vol.42,No.2.(2001)103,106.

第6篇：視覺藝術創作范文

【論文摘要】：信息數字化后的虛擬世界，將藝術創作帶向超越時間、空間、與影像經驗的新創作思考領域。在藝術創作的領域里，不管是否運用科技，藝術作品都是用來記錄和反映當代生活。如今越來越多的視覺藝術創作者，嘗試以計算機、網絡、虛擬實等高科技為一個藝術的新形式。在與數字媒體互動的過程中，我們不難發現數字視覺藝術，不僅僅是一個科技與高度文明的產物，更是人類純化心靈的“高感度”作品。

藝術活動反應時代的現象，且在各種意義上，藝術與時代革新或改造的根本精神，有著密切的關系。在藝術創作的過程中，感情的自發形成占了大部分，但在有些狀態下理性的計劃性成分亦占有相當的比例，尤其在新媒體、新美學觀念、新素材及新的科學技術高度發展的今天，以理性為訴求的創作靈感，已占有絕對的重要性及審美價值。

科技的革新，從計算機、網絡到虛擬現實，在藝術創作上產生極大的變化，具有實驗精神的先驅藝術家們熱衷于新媒體與材料與新藝術形式的探求，從十九世紀末到今天，其中發生了難以計數的藝術運動，一部新媒體藝術史，幾乎就是一部近代科技史，而我們仍然活在其中，變化日新月異，很難去歸納風格，或下任何定論。到目前為止，網絡藝術、包括虛擬實境的交互式裝置，似乎是互動藝術的主流。科學的發明與發現，大量地運用在改善人類生活上，不過是近五十年的事，卻帶給人類前所未有的便捷與刺激。改變的不僅是物質的層面，在精神上的意義也相當深遠。

尤其是60年代末70年代初，當電子媒體與計算機科技開始普及之時，媒體深深影響我們對世界的認知，人們視野變寬了，世界變小了。當時，藝術、科技與科學間的關系常受爭議。藝術與科技運動吸引許多藝術家、科學家、工程師以及業者參與，意圖發展出跨領域的合作架構，然而時至今日，這種系統化的合作模式，仍然只是一個理想。因為科技、藝術都是文化有機整體的一部分，原本就不容分割。

運用科技的視覺藝術，一個明顯的議題便是科技帶來的藝術品復制性與真實性的問題，一切展演都只是以復制品呈現，要觀賞者破除原有的觀賞習慣，在傳統上的藝術價值包含了獨創性、唯一性、與真實性，都將被重新思考。

數字化科技成熟后，講求光與速度，去物質化的虛擬影像透過媒體四處傳播，復制已經不再是模仿、替代真實或是真實的幻覺，數字世界已然成為另外一種真實。因為影像可被轉換為數字語言，可被任意操弄，因而影像成為一種信息，于是藝術行為也大大不同于前，藝術家在龐雜的影像信息中，選擇、過濾、重新組裝，不只是利用技術來解決視覺問題，開發新的視覺經驗，更利用新媒體去呈現人們生活中的種種困境，作品意義的產生存在于事件的脈絡還有與觀賞者的互動中。觀賞者從最早的被

動接受，到目前已然成為參與者，甚而是展演內容的提供者。以往視覺藝術的形式，可大分為平面的繪畫與立體的雕刻，而影像的領域今后將與前述二者并列為視覺藝術的重要形式之一。未來隨著計算機圖像處理，多媒體、高畫質等新媒體技術的高度發展，傳統的錄像技術也將面臨新的整合。

十九世紀八十年代以后高科技產品發展迅速，計算機、雷射光線、傳真機、復印機、衛星傳播等。這些尖端科學技術，都成為創造想象和架構的創作工具，這些新的媒介能仿真真實世界，也能創造出幻想境界中的奇景。高科技藝術是十九世紀八十年代以后，興起于美國的新藝術。它是泛指以運用高科技創造的現代美術作品，諸如計算機藝術、雷射光藝術等作品，在美學領域中帶來明顯意義，結合了人類智能和科技產生的大量新穎技巧。潛藏在這種深具潛力的新視覺技巧下，有一個更深入的意義：在高科技的輔助下，視野更加瞭闊，并為藝術創作，提供了新的美學向度，跳躍連結代替線性思考，多向度空間取代繪畫透視，前所未有互動。

尤其是，自從計算機出現以后，因為可以儲存、修改，容易重新繪制及復制，所有有關繪畫的行為起了很大的改變。1952年美國的BenF.Laposky利用計算機做出一個抽象的圖像，1956年才開始能創作出彩色的電子影像，1960年德國K.Alsleben及W.Fetter發表最早的計算機繪圖作品，直至1994年網際網絡開始盛行，四、五十年間，人們對于空間的思考模式隨之改變，我們離開了復雜而趨向一個快速溝通、大綱式了解的理想。我們不再需要畫一堆很復雜輔助線去處理放置一個三維物體于二維平面上的問題，計算機影像幫我們解決了這些問題。因此，藝術家已把興趣放在如何避免復雜的建構，因為人們想象的空間已經改變，波浪的、擁擠的西方繪畫已被純粹的、無限空間的現代繪畫所取代。

計算機對現代藝術造成的沖擊及影響之巨，超乎想象。計算機一般被認為是一個空間可視化的簡單輔助工具，但它不只是一件工具，一種媒體和材料，更重要的是一種新的美學方向，新的再現可能。多數計算機藝術的創作者，深信雖然計算機本來不是為藝術創作的理由而發明，但它會持續發展出特有的本質，繼續為藝術家提供最好的工作伙伴。

通常，計算機比傳統鉛筆的方式更簡單、便宜、快速地生產，計算機讓藝術家與音樂創作者更快速的生產，這也就是我為什們稱之為“罐頭藝術”的原因，然后，計算機也可提供一種藝術替代品更快速的方法，這也是我為什么稱其為“麥當勞藝術”。當然，計算機藝術有它的隱憂。雖然計算機為藝術帶來發展的新契機，卻也有不少令人不安的地方。

第一：由于計算機也是科技的產物，自然有現代和傳統的沖突，如何把過去的傳統藝術，配合新的計算機媒材，加以融合表現出來，呈現附合時代的新風貌而被接受，是值的深思的問題。因為全世界都是用相同的軟件和設備，如果一窩蜂的跟著主流，則藝術創作則會劃地自限，而顯露大量復制和類似的膚淺平面感，失去藝術的美感和深度。第二：如同前面提到的，工具的方便，卻造成個人風格的喪失，并且

失去敏銳度，因為一旦創作者習于依賴計算機的修改功能，創作的動力則漸漸退去，例如：慣用PHOTOSHOP的攝影者很可能因此，不在意拍照的決定性時刻，因為可以透過計算機仿真修改，不怕拍不好，但即使效果逼真，卻失去藝術價值了。

第三：即是計算機藝術雖然有決然不同于過去的表現方式和媒體，但本質上，仍脫離不了過去模仿、拼貼等創作風格，如何走出過去的藝術觀念，找到屬于計算機藝術的觀念、想法和創作空間，將會是影響他是否能自成一派的重要關鍵，而非只是為藝術帶來新的表現法。身處一個新世紀的黎明階段，審視當今現代藝術的表現形式，千變萬化、無奇不有，可說是前所未有的新美學創作年代，傳統的美學概念及體系，起了一些新的轉機及變化，屬于二十一世紀的新視覺美學體系，以包含瞬息萬變的新美學思潮，是亟待建立的。

科技幫人類突破了心靈的藩籬，也改變了人們思考與創造的方式，但相對的，科技高度發展也帶來了一些危險與不安，因為人們幾乎忘了所處的地球仍然有其極限性，而藝術心靈的可貴其實是在于透過限制的穿孔，呈現出無窮的創造力。藝術的價值不在藝術品本身，而是藝術的哲思，有非常多科技藝術家同時也是大自然的愛好者，不管用的是高科技或低科技，來自生活的智能與大自然的啟發，才是藝術創作最好的素材。不論世界如何轉變，也只有藝術家意志延伸的作品，才算是“高感度”的創作，也才有美學上的價值。

【參考文獻】：

[1].張恬君.從藝術觀點看科技與人文的對話.藝術觀點[J].第四期,2000

第7篇：視覺藝術創作范文

文藝復興時期的視覺藝術主要是以14世紀至17世紀的意大利及北歐部分國家盛行的藝術形式如繪畫、建筑、雕塑以及工藝美術品等為主，作為物質文化的基本組成，視覺藝術在文藝復興時期的物質生活方面發揮著重要作用，它們被看做功能性的物品，通過精心選擇的意象服務于明確的宗教或世俗目的，通過特定形式傳遞著信仰和價值觀。比如，遍布市井街區的教堂及壁畫形成的反復且持久的日常經驗就起著維系著群體意識與的作用，而文藝復興時期的最重要的文化氛圍無不與基督教有著密切的聯系，從基督教藝術形式的變化中可以逐步顯現出人性精神的高揚。從形式上看，文藝復興是對古希臘和羅馬藝術的隔代復興，這一時期基督教精神與人文主義精神的張力構成了藝術創作的內在驅動力。

不同于中世紀宗教觀念一統天下的局面，文藝復興時期除繼承了古典時期的人本主義和理性主義之外，對世俗化傾向、個人主義和科學自然主義等人文主義的新觀念的表達也達到了前所未有的高度。這一時期藝術創作的主題、題材的選擇、宗教人物及世俗生活、宗教意蘊的表達，以及空間、色彩、線條等形式要素描繪的圖像都充滿了象征意義，透過符號語言可以揭示文藝復興這一特殊的歷史階段處在中世紀和西方近現代社會的過渡期表現出的獨特文化精神。文藝復興時期的藝術90%以上是以宗教為題材或者為宗教服務，但是世俗化的傾向仍然可以從宗教繪畫中描繪的家族事務和貴族人物身上體現出來。

建筑及工藝品中的宗教意象也往往是為世俗生活的目的，而非宗教的目的服務。藝術創作除了在精神內涵上表現人的覺醒之外，在形式方面，比如透視法的使用也是通過平視的視覺方位彰顯了人的地位，在這一時期流行的肖像畫和家族形象畫同樣也是個人主義高揚的表現。還有一個值得注意的特點是文藝復興時期理性主義彰顯的文化價值。對希臘理性主義傳統的繼承使這一時期藝術與科學的結合更加緊密，對幾何學、解剖學、數學、透視等原理的運用，不但使藝術家成為博學廣識的通才，對藝術鑒賞者的知識要求也極高，理性主義深刻影響了這一時期的創作和欣賞過程，同時藝術家地位的凸顯甚至影響了當時的教育和學術觀念。

第8篇：視覺藝術創作范文

舉辦年度展當然需要每一屆的不同面貌。如果說第一屆年度展顯現了學院學術與專業訴求的高度，讓富于創造性的造型藝術在“形象的對視”中盡顯張力，盡顯藝術家的創造力度，第二屆年度展則既要與上屆拉開距離，又要與上一屆形成關聯，以顯現持續。首先，就是主題設定――“視覺的維度”，與上屆年度展主題“形象的對視”構成可持續的應對。進而，2013年“年度展”試圖著眼于學院豐富多樣的創作資源，以及當代視覺文化背景下的視覺維度，展現出作品的豐富多樣，這顯然構成與上一屆的極大反差！2013年“年度展”形態發生的巨大變化，或許恰恰成為學院年度合乎內在邏輯演繹的外化形式，顯示出年度展可持續發展的必然。

生逢一個多元時代，藝術的一個當代重要特征就是多樣化的共生。2013年“年度展”正是對一種共生形態的視覺表達與思想詮釋。創作性是視覺藝術的生命之源，創作狀態成為年度展作品選擇的重要依據。中青年教師順理成章地成為被選主體，他們的作品更大膽、更自由，更富敏銳性與想象力，尤為可貴的是，大多數年輕藝術家尚未被名利羈絆，進而展現出對藝術的基本忠誠，在生存多艱的時代，這種對待藝術的愛是特別值得珍視的。

視覺藝術維度或共生，還表現為對界限的打破，打破學院的專業界限，打破專業的固有模式界限，打破自身與外界、學院與社會、藝術與生活的界限，還要打破體制、身份地位、個人內心的界限，從而展現更加自由和富有創建的藝術創作。

讓不同專業、媒介、形態、觀念的藝術作品共處一個空間，共享一個展覽，共存一本畫冊。實現這樣的想法，是一種挑戰和冒險。2013年“年度展”最終確定的58位參展藝術家幾乎涵蓋了上大美院的所有專業，從材料、技術、方法、觀念等不同藝術層面多樣呈現了學院諸多專業的創作資源。我將之歸納為裝置、雕塑、版畫、水墨、巖彩、油畫、攝影、陶藝、玻璃、首飾、漆藝、扇面12大類別，這樣的分類更意在表達學院教學與創作的資源特點及現狀。

第9篇：視覺藝術創作范文

關鍵詞：視錯覺 平面設計 視覺 心理

一、什么是視錯覺

視覺也就是視知覺，從心理學角度講是腦對作用于人體視器官的客觀事物整體屬性的反映，即人的心理過程中對客觀刺激物的外部形狀、大小、色彩、明暗、遠近等個別特征的低層次認知現象。[1]視覺現象本是一種自然現象，并無對錯之分。然而，主體在認知過程中受多種因素的干擾和刺激，使眼睛欺騙了知覺后對客體本質產生了歪曲、變形，從而使知覺背離了客體，并將這種不真實的假象形式當作主體對客體的外化，這種不符合事物的客觀情況的錯誤的知覺就叫錯覺。

我們通常認為能以同樣的清晰度看清視線內的任何事物，但假如我們的眼睛短時間內保持不動，就會發現這是錯誤的。柏拉圖曾說：“同樣的東西，在水里看和在水上看曲直是不同的，或者由于對顏色所產生的同樣的視覺錯誤，同樣的東西看起來凹凸也是不同的，并且顯然在我們的心理也常常有這種混亂。”[2]

因此，也可以說，錯覺圖形的形成是建立在人的視覺心理的基礎之上，并不斷挑戰著固有的視覺經驗和視覺心理結構。在視覺藝術心理上只有以視知覺規律為內容，以藝術表現為形式，兩者相輔相成才能更好的展現和傳達視覺信息。

二、錯覺效應在平面設計中的應用

了解錯覺效應產生的原因，是為了從視覺藝術心理的角度，利用錯覺效應所創造出來新穎別致的藝術效果，更好地運用到平面設計當中。錯覺效應所表現出來的形式種類繁多，從藝術的角度來看，錯覺是一種特殊的視覺構成形式，是有效的視覺圖形創作手法。從古至今，眾多藝術家都利用了視錯覺的規律創作出了奇妙而又震撼的視覺效果。錯覺的表現形式有很多，主要有以下幾種：

第一種是運用錯覺效應形成的規律來避免不盛要的錯覺效應的產生，使人達到“知覺準確”的效果。例如法國國旗中三種不同顏色由于張力不同，所以如果是同等的寬度，則三種顏色看上去會顯得白色比紅色寬一些．而藍色最窄。因此必須使紅、白．藍三種顏色的寬度比例35：33：37才能使三種顏色“看起來”顯得寬度一致。（圖1）

第二種是通過圖紋的不同趨向，來調整張力的傾向性，使其產生特定的錯視效果；比如兩條本來平行的線段，在不同方向的射線的牽引下分別向射線的方向彎曲。在服裝設計中，衣服上不同趨向的條紋可以呈現出不同的身材。

第三種，色彩的疊加和同化的錯覺表現形式是比較常見的，比如在單調的色塊上疊加不同的色彩和不同方向的條紋，就可以在原本單純的色塊上表現出變化豐富的藝術效果。把色彩對比的強度提高，則會產生炫目和波形效果，例如幻起幻滅的黑點圖。(圖2)

第四種表現形式是把色彩和光影對比加以調控，使其產生具有閃爍感的光效應藝術效果。光效應藝術（Op tical Art)又稱視覺派藝術、歐派藝術。它流行于20世紀60年代中期的歐洲和美國、是用幾何形象制造出各種富光色效果、運動幻覺的一種視知覺繪畫抽象形式。其產生的令人炫目的效果常在平面設計和立體作品中得以展現。該派的藝術家重視對色彩和光影的光學原理。

圖2 瑞士設計師 Nik laus Troxler 海報設計

的運用，強調繪畫色彩形式和人的心理因素之間相互作用的關系。在藝術創作過程中主張用科學的繪畫儀器來進行補色，調節色度深淺，增強空間透視效果，給人一種視覺錯知上的“光效幻象”。(圖3)其代表人物是瓦薩雷里．他一生都沉迷于線性結構當中。

在二維的空間上表現出三維空間中不可能存在的圖形，也是應用于平面設計中最廣泛、最頻繁的錯覺效應表現手法。如圖，我們從這個樓梯走到何處去？此圖給你一種錯綜復雜的游戲感和反常態空間感的視覺情趣。當人的大腦知覺到所看到的事物相互矛盾時，其輪廓已經深深的印在大腦中，讓人難以忘卻，又浮想聯翩。(圖4)

錯覺效應所產生的形式美主要體現在數學美、動態美和奇趣美三個方面。三種表現形式相互作用，常常挑戰著觀眾的知覺判斷，沖擊著觀眾的內心，并迅速將外在的視覺感官轉化成為內心知覺探索的動力。現代平面設計中的視錯覺效應與視覺藝術心理已被廣泛重視。當平面設計正朝著信息化，多元化和人性化的方向發展的同時也為視錯覺效應所產生的特殊視覺效果提供了展示和發展的平臺。

當今時代，平面設計開始從靜止形態的表現向動態的傳達轉變。光效應藝術原理的運用就顯得尤為重要、光效應所產生的動態效果可以滿足觀眾對信息流動的心理需要。平面設計中從二維平面延伸到三維立體和空間轉化的設計理念，也是與錯覺效應的表現形式相吻臺。人性化的平面設計越來越強調從心理的角度出發來談視覺藝術，因此以視覺藝術心理為內容以藝術手段為表現形式的錯覺圖像在平面設計中的應用更為廣泛。

三、平面設計中錯覺效應與視覺心理藝術的未來發展趨勢

藝術創意需要新的思維和新的視角，研究錯覺效應的視覺藝術就是為了引入創造性的思維和方法，打破陳規，啟發新的思維方式，給觀眾以全新的感官體驗。錯覺效應中的不確定性給觀眾留下想象和變換視覺角度的空間，對錯覺圖形所產生的視覺心理效應進行分析。不僅可以很好的運用并設計出獨特的設計作品，還可以反過來修正和彌補錯覺效應所產生的誤導和錯視。人們對圖形的知覺程度往往受到自身以往經驗的影響，因此利用知覺恒常的規律來創作錯覺圖形也具有一定的效果。

錯覺效應的研究不僅對平面設計有著實際的意義，更體現了對視覺藝術進行心理分析的重要性。平面設計的未來發展趨勢正朝著多元化，空間化的方向邁進，錯覺效應在維度轉換上的表現手法的運用正可以滿足這樣的發展需要。重視人性化的平面設計，需要從視覺藝術心理的角度出發，打破人的視覺心理定勢，給人呈現出一種全新的異于常規的錯覺圖像。當我們在平面設計中需要表達一種顯而易見的圖像信息時，如何運用錯覺效應原理打破人的心理視知覺經驗，從另一個或幾個完全不同的角度去闡釋平面設計所要表達的視覺藝術信息，應該是值得我們去追求和探討的。

參考文獻